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Cinencuentro



Viendo cine desde Perú



Updated: 2018-01-19T23:24:38Z

 



Ficciones sobre Papas, reales e imaginarios

2018-01-19T16:04:10Z

Coincidiendo con la visita de Jorge Mario Bergoglio, el Papa Francisco a Perú, nos animamos a hacer una lista de algunas ficciones recientes, en el cine y la televisión, que ...Coincidiendo con la visita de Jorge Mario Bergoglio, el Papa Francisco a Perú, nos animamos a hacer una lista de algunas ficciones recientes, en el cine y la televisión, que muestran a Sumos Pontífices, ya sean inspirados en personajes reales o imaginarios. Papas imaginarios Habemus Papam (Italia, 2011) es una comedia dirigida por Nanni Moretti que se estrenó en Perú con el desafortunado título “Un Papa en apuros”. La cinta narra cómo se lleva a cabo un cónclave para elegir al nuevo Papa. Cuando es elegido el cardenal Melville (Michel Piccoli), se le pide que salga al balcón para dar su primer discurso, pero sufre un ataque de pánico y huye despavorido. La película ofrece una lúcida reflexión sobre el ejercicio del poder y humaniza la figura del Papa, mostrándolo abrumado por la enorme responsabilidad que descansa sobre él. Nanni Moretti y Michel Piccoli en la comedia italiana “Habeums Papam”. Ángeles y demonios (Estados Unidos, 2009) es la secuela de El Código Da Vinci, dirigida por Ron Howard y protagonizada por Tom Hanks. El profesor de simbología religiosa Robert Langdon, absorto en la investigación de una antigua secta satánica, la de los “Illuminati”, busca el arma más mortífera de la humanidad (la antimateria), que algunos miembros de esta secta han introducido en el Vaticano. Al mismo tiempo, la Iglesia llora la muerte del Papa Pío XVI y se prepara el cónclave para elegir a su sucesor. La Pontífice (Alemania, 2009) cuenta la leyenda de una mujer que se convierte en Papa en el Siglo IX haciéndose pasar por un hombre. Esta película dirigida por Sönke Wortmann plantea el debate de qué tan preparados estamos para tener a una mujer ocupando el cargo más importante en la jerarquía de la Iglesia Católica. Johanna Wokalek protagoniza la cinta alemana “La pontífice”. The Young Pope (Italia, 2016) es una serie dirigida por el cineasta Paolo Sorrentino (“La gran belleza”). Retrata la historia del ficticio Papa Pío XIII, un hombre ultraconservador y cercano al oscurantismo. El joven pontífice intenta encajar en un puesto en el que las conspiraciones están a la orden del día. El elenco está integrado por Jude Law en el rol de Pío XIII, Diane Keaton, James Cromwell, Javier Cámara y el peruano Ramón García como el Cardenal Aguirre. Biopics de Papas reales Karol, el hombre que se convirtió en Papa (Polonia, 2005) es una miniserie biográfica sobre Juan Pablo II. En su juventud, en Polonia bajo la ocupación nazi, Karol Wojtyla trabajó en una cantera de caliza para poder sobrevivir. La represión nazi causó numerosas víctimas no sólo entre los judíos, sino también entre los católicos. Es entonces cuando Karol decide responder a la llamada divina. Llamadme Francisco: La vida de un Papa (Italia, 2015) es un biopic del Papa Francisco, desde la juventud de Jorge Bergoglio hasta la actualidad. El actor argentino Rodrigo De la Serna (“Diarios de motocicleta”) interpreta a Bergoglio de joven. El actor británico Jonathan Pryce interpretará al Papa Francisco en la producción de Netflix “The Pope”. En cuanto a ficciones aún por estrenar, Netflix producirá la película The Pope, que también narrará la historia del Papa Francisco y su relación con Benedicto XVI. Esta cinta será dirigida por el brasileño Fernando Meirelles (“Ciudad de Dios”, “El jardinero fiel”) y será protagonizada por Jonathan Pryce (en el papel del Papa Francisco en la actualidad), Juan Minujín (como Francisco en su juventud) y Anthony Hopkins (como el Papa Benedicto XVI). La filmación comenzó a fines del año pasado en Argentina y aún no tiene fecha de estreno. [...]



Estas son todas las películas peruanas que se estrenarán el 2018

2018-01-19T23:24:38Z

A solo un par de semanas de iniciado el año ya se ha anunciado el estreno comercial de más de 20 películas peruanas. Si bien falta confirmar las fechas en ...A solo un par de semanas de iniciado el año ya se ha anunciado el estreno comercial de más de 20 películas peruanas. Si bien falta confirmar las fechas en algunos casos, así como otros títulos que con seguridad se anunciarán a lo largo del año, estas primeras cifras ya nos indican que el 2018 tendremos tantos, si no más, estrenos que el año pasado. A estos títulos hay que agregarles además las películas nacionales que se estrenarán en el circuito alternativo, de festivales y salas fuera del circuito comercial. Veremos entonces si este año superamos los 53 estrenos alcanzados el 2017. Estas son las películas peruanas que veremos el 2018, con sus fechas de estreno: Django, sangre de mi sangre – 25 de enero: Regresa a la dirección el gran Aldo Salvini, en esta segunda parte del popular filme de acción limeño, con Giovanni Ciccia, Tatiana Astengo, Melania Urbina y Sergio Galliani. ¡Qué difícil es amar! – 1 febrero: Dirige el debutante David Ames, película romántica con Diego Bertie, Oscar López Arias, Milett Figueroa, Daniela Sarfati, Valentín Prado, entre otros. Locos de amor 2 – 14 febrero: Dirige Frank Pérez Garland, secuela del musical de Tondero, con Wendy Ramos, Marco Zunino, Vanessa Saba, Paul Vega, Carlos Alcántara, Erika Villalobos, Johanna San Miguel, entre otros. Nadie sabe para quien trabaja – 22 febrero: Dirige Harold Trompetero, esta comedia es una coproducción entre Colombia y Perú, anuncia su estreno en nuestro país para este año. Produce Big Bang Films. A tu lado – 1 marzo: Segundo largometraje del joven realizador Martín Casapia, cinta romántica juvenil, grabada en Punta Cana. Con Alessandra Fuller, Andrés Vílchez, Leslie Shaw, Guillermo Castañeda. Sobredosis de amor – 22 marzo: Jesús Alvarez dirige una nueva comedia romántica, con Renzo Schuller, Gian Piero Diaz, Gianella Neyra, Rossana Fernández Maldonado, Claudia Dammert, entre otros. No me digas solterona – 29 marzo: Ani Alva dirige una de varias comedias sobre solteros que veremos este año. Con Patricia Barreto, Marisol Aguirre, Fiorella Rodríguez, Angélica Aragón, entre otros. Produce Big Bang Films. Sangra. Grita. Late! – 12 abril: Aldo Miyashiro dirige este filme coral en el que diez actores protagonizan tres historias interpretando un personaje distinto en cada una. Se estrenó el año pasado en el Austin Film Festival. Manual del pisado – 12 de abril: El director Carlos Landeo se junta con el popular cómico Manolo Rojas para probar suerte en la comedia. La casa rosada – 3 mayo: El ayacuchano Palito Ortega estrena finalmente esta película que venía trabajando desde hace varios años. Un nuevo acercamiento a los años del conflicto armado interno. Soltera codiciada – 10 mayo: Joanna Lombardi y Bruno Ascenzo dirigen esta nueva comedia de Tondero, basada en el popular blog del mismo nombre. Con Gisela Ponce de León, Jely Reategui y Karina Jordán. Herencia – 10 mayo: John Mayta y Sandro Ventura dirigen este documental sobre la música criolla, conducido por la cantante Nicole Pillman. Produce Big Bang Films. Caiga quien caiga – 17 mayo. Eduardo Guillot debuta con este largo basado en el libro del exprocurador José Ugaz, sobre los años posteriores a la caída del gobierno de Alberto Fujimori y Vladimiro Montesinos. Con el colombiano Manolo Cardona, Miguel Iza, Lucho Cáceres, Javier Valdés. El abuelo – 31 mayo: Dirige Gustavo Saavedra, un road movie intergeneracional que fue estrenado el año pasado en el Festival de Lima. Con el colombiano Carlos Vega, Javier Valdés, Sebastián Rubio, Rómulo Aseretto. Viejas amigas – 28 de junio: Fernando Villarán dirige la secuela de su ópera prima “Viejos amigos”, sobre unos veteranos futboleros chalacos. La peor de mis bodas 2 – 19 de julio: Dirige Adolfo Aguilar[...]



[Crítica] “El pasajero”: Liam Neeson salva el día

2018-01-18T17:08:59Z

En los últimos años, Liam Neeson ha encontrado un nicho, y lo ha sabido aprovechar muy bien. Todo comenzó con el estreno de “Taken”, un filme de acción en el ...En los últimos años, Liam Neeson ha encontrado un nicho, y lo ha sabido aprovechar muy bien. Todo comenzó con el estreno de “Taken”, un filme de acción en el que el usualmente calmado Neeson asesina a un grupo de traficantes de mujeres, él solo. La película fue tal éxito, que las secuelas no se hicieron esperar; pero más importante, Neeson se dio cuenta de que podía seguir haciendo este tipo de filmes, combinándolos con sus proyectos más serios o dramáticos, para revivir —o más bien, revitalizar— su carrera. Fue así que su surgió su relación con el director barcelonés Jaume Collet-Serra, lo cual ha resultado en cuatro thrillers de acción de variada calidad. “El pasajero” es su más reciente esfuerzo, y si debemos creerle a Neeson, el último. Después de todo, el irlandés actor ya tiene más de 60 años, y cada vez se está haciendo más difícil de creer que es capaz de romperle los huesos a secuaces y villanos de menor edad. Al menos en “El pasajero” su avanzada edad es parte importante de la trama; no podían seguir fingiendo que no se está acercando a la tercera edad. De hecho, ese es uno de los puntos fuertes de “El pasajero”: a diferencia de los thrillers anteriores de Collet-Serra y Neeson, el protagonista no es un héroe de acción invencible y todo poderoso. El Michael MacCauley de Neeson es un poco más frágil que sus personajes previos, lo cual hace que las secuencias de acción sea más tensas y verosímiles. Esto no quiere decir que nuestro protagonista no sea parte de escenas exageradas o de acrobacias que pondrían nervioso al más experimentado doble de acción; la diferencia es que estos momentos son menos frecuentes en “El pasajero” que en películas anteriores. El filme comienza con un notable montaje que muestra la monotonía que define el día a día de MacCauley: todos los días se levanta con una alarma, toma desayuno con su esposa, Karen (Elizabeth McGovern) y su hijo adolescente, va al trabajo —es vendedor de seguros— en tren, hace lo que tiene que hacer, y regresa a casa en el mismo modo de transporte. Parece tener una vida feliz, pero las cosas están complicadas; su hijo está a punto de entrar a la universidad, y les está faltando plata para poder pagar el ingreso y las mensualidades. Las cosas no mejoran, además, cuando Michael es despedido repentinamente, solo cinco años antes de su retiro. Deprimido, antes de regresar a casa durante el día de su despido, Michael para en un bar, donde se encuentra con su ex compañero, Alex Murphy (Patrick Wilson) y un capitán de policía, Hawthorne (Sam Neill). No se preocupen, como ambos personajes son interpretados por actores conocidos, es obvio que sus roles serán más importantes de lo que parecen. Una vez que decide regresar a casa por tren, Michael se encuentra con una misteriosa mujer (Vera Farmiga), quien le ofrece un trato: le dará $100,000 dólares si es que encuentra a la persona que están buscando, y le pone un rastreador GPS. Michael no está seguro si hacerle caso, pero la situación se complica cuando amenazan a su familia, y sus nuevos enemigos demuestran que son capaces de todo —hasta matar— para convencerlo de cumplir su “misión”. “El pasajero” es un thriller simple, lleno de huecos narrativos, pero en general, entretenido. Es el tipo de película que Hitchcock hubiese aprovechado de mejor manera —lógicamente— pero que el cumplidor Collet-Serra claramente se divierte en desarrollar. La cinta funciona “en el momento”; uno se cree la mayoría de eventos que se desarrollan —desde las secuencias de acción hasta los giros narrativos repentinos—, pero una vez que los analiza al salir de la sala de cine, queda claro que no tienen demasiado sentido. El filme se mueve a buen ritmo, y inyecta suficientes momentos de tensión como para que uno s[...]



Nueve directoras de cine que debemos seguir de cerca

2018-01-16T23:52:21Z

“Y aquí, todos los hombres nominados…”. Con esta frase en la premiación al Mejor Director en los Globos de Oro, Natalie Portman hizo notar algo más que evidente: la lucha ...“Y aquí, todos los hombres nominados…”. Con esta frase en la premiación al Mejor Director en los Globos de Oro, Natalie Portman hizo notar algo más que evidente: la lucha por la igualdad de género en la industria cinematográfica no debe detenerse. Cada año que escuchamos las listas de nominados a Mejor Dirección en los diferentes premios de la temporada, encontrar el nombre de una mujer resulta complicado, por decirlo menos. Y no se trata de que estos premios deben estar obligados a cumplir con una cuota para complacer a los demandantes, es que la realidad nos reafirma que las realizadoras mujeres son igual de capaces que los varones para entregarnos obras de calidad y en claras condiciones para competir de forma equitativa por este tipo de reconocimientos. Los Premios Oscar, por ejemplo, solo han nominado, a lo largo de su historia, a cuatro mujeres: Lina Wertmuller (“Seven Beauties”,1976), Jane Campion (“The Piano“, 1993), Sofia Coppola (“Lost in Translation“, 2003) y Kathryn Bigelow (“The Hurt Locker”, 2010), quien es la única que ganó y la última mujer que ha optado por el premio desde hace ocho años. Además de las mencionadas, en los últimos años, otras directoras han conseguido ganarse poco a poco un nombre en la industria, como son los casos de las norteamericanas Ava DuVernay, nominada al Globo de Oro por “Selma” y que este año estrena “A Wrinkle in Time” para Disney; Patty Jenkins, quien ganó popularidad gracias a ese fenómeno taquillero llamado “Wonder Woman”; la neozelandesa Niki Caro, conocida por la notable “Whale Rider” y encargada de dirigir la versión live-action de “Mulán”, Anna Boden, directora y guionista de las recomendables “Sugar” y “Mississippi Grind” (en colaboración con Ryan Fleck) y próxima directora de “Captain Marvel”; Valerie Faris, conocida por dirigir esa joya indie titulada “Little Miss Sunshine” en colaboración con su esposo Jonathan Dayton; y Angelina Jolie, dos veces nominada al Globo de Oro a Mejor Película en Lengua Extranjera; así como las europeas Susanne Bier, quien estuvo detrás de la serie “The Night Manager”; la británica Andrea Arnold, ganadora del Premio del Jurado de Cannes por “American Honey”; la española Icíar Bollaín (“También la lluvia”), ganadora del Goya a la Mejor Dirección en 2011; y la escocesa Lynne Ramsay, alma detrás de las galardonadas “We Need to Talk about Kevin” y “You Were Never Really Here”. Esta vez, revisamos el trayectoria de nueve de las directoras con mayor proyección de los últimos años, mujeres que, más pronto que tarde, podrían convertirse en la nueva cara del cine, tanto en el circuito independiente como en las producciones de estudio: Dee Rees (EE UU, 1977) Ya había conseguido atención del público gracias a “Pariah”, su primera obra de ficción, una cinta parcialmente autobiográfica en la que Rees contaba la historia de una joven afroamericana que busca su lugar en el mundo, mientras acepta su identidad como mujer homosexual a sus cortos 17 años. Adepero Oduye, la protagonista, consiguió una nominación a los Independent Spirit Awards, y Rees recibió varios reconocimientos entre los circuitos de críticos afroamericanos y de defensa de la población LGTB. Pero su mayor logro llegaría con “Mudbound”, cinta que recurre a temas como la discriminación racial y los traumas del pasado una vez terminada la Segunda Guerra Mundial, que fue estrenada el año pasado en Sundance y actualmente es una de las que parte como favorita para conseguir varias nominaciones a los Premios Oscar, incluyendo Mejor Director y Mejor Guion Adaptado para Rees. No se conoce algún proyecto en el que esté trabajando actualmente, pero no debería tardar en[...]



Festival de Rotterdam 2018: Destacada selección de películas latinoamericanas

2018-01-16T20:38:34Z

Comienza un nuevo año y arranca una nueva edición del Festival de Rotterdam. Bero Beyer, director del festival IFFR, presenta las 8 películas que competirán por el premio Hivos Tiger ...Comienza un nuevo año y arranca una nueva edición del Festival de Rotterdam. Bero Beyer, director del festival IFFR, presenta las 8 películas que competirán por el premio Hivos Tiger Award, a partir del 24 de enero próximo: “Djon África”, João Miller Guerra/Filipa Reis, Portugal/Brasil “I have a date with spring”, Baek Seungbin, South Korea “Sultry“, Marina Meliande, Brasil “Nervous translation”, Shireen Seno, Philippines “Piercing”, Nicolas Pesce, USA “Possessed”, Metahaven/Rob Schröder, Netherlands/Croatia “The reports on Sarah and Saleem”, Muayad Alayan, Palestine/Netherlands/Germany/Mexico “The widowed witch”, Cai Chengjie, China width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/CHWXgphZuc4" frameborder="0" allow="autoplay; encrypted-media" allowfullscreen> Además de las participantes en la categoría principal, otras cinco películas de Brasil destacan en la programación, filmes provenientes no de Rio de Janeiro ni Sao Paulo, sino de ciudades del nordeste brasilero como Pernambuco, Ceará, Paraíba y Salvador. “Azougue Nazaré”, de Tiago Melo (Pernambuco) “Inferninho”, de Pedro Diógenes e Guto Parente (Ceará) “Sol alegría”, de Tavinho Teixeira (Paraíba) “Clube dos canibais”, de Guto Parente (Ceará) “Café com canela”, de Ary Rosa e Glenda Nicácio (Bahia) Analizando la programación de los últimos años de Cannes y Venecia se puede percibir una mayor presencia del cine regional latinoamericano en el panorama mundial de festivales. No es casual pues que algunos de los cineastas contemporáneos más interesantes provienen del interior de Brasil: Karim Aïnouz (Madame Sata, Ceu de Zuely), Kleber Mendonça Filho (Aquarius, O Som ao Redor), Gabriel Mascaro (Boi Neon, Domesticas) ; así como los directores colombianos Cesar Acevedo (La tierra y la sombra), Jhonny Hendrix Hinestroza (Candelaria) e Iván D. Gaona (Pariente). Y porqué no, el peruano Oscar Catacora (Wiñaypacha) presente en el festival de Mar de Plata y próximamente en Guadalajara. El IFFR pone énfasis este año a los mediometrajes. Los programadores del festival un aumento en la duración del tiempo de los cortos, considerando así al mediometraje como un formato en auge. La competencia por el premio Bright Future presenta 10 títulos, incluyendo tres mediometrajes latinos: “Cartucho”, Andrés Chaves, Colombia “La muerte del maestro”, José María Avilés, Ecuador/Argentina “Pierdete entre los muertos”, Ruben Gutiérrez, Mexico Por su parte, el cineasta argentino José Celestino Campusano tendra una retrospectiva de sus películas así como la premiere mundial de “Brooklyn Experience”, una instalación en realidad virtual de 60 minutos de duración. Otras películas de interés a lo largo de las diversas secciones son: “La telenovela errante”, Raúl Ruiz/Valeria Sarmiento, Chile “Cocote”, Nelson Carlo De Los Santos Arias, Dominican Republic, Argentina, Germany, Qatar “Good Luck” by Ben Russell, Francia/Alemania “Radiance”, Naomi Kawase, Japan/France “Outrage coda”, Kitano Takeshi, Japón El apartado de cortos es de lo más destacable del programa, muchos de ellos son obras experimentales dirigidas por renombrados videoartistas con exhibiciones previas en museos de Holanda. Enigmatic whisper, Rosa Barba, 2017, USA/Germany, 8′ DIT LEARN, Laure Prouvost, 2018, Belgium/USA, 16′ Poor magic, Jon Rafman, 2018, Canada, 8′ Sunstone, Louis Henderson/Filipa César, 2018, Portugal/France, 35′ Merencória, Caetano Gotardo, 2017, Brasil, 23′ 8th Continent, Yorgos Zois, 2017, Greece, 11′ SLEEPCINEMAHOTEL,, por Apichatpong Weerasethakul En adic[...]



Análisis de la taquilla del cine peruano 2017 (parte 3)

2018-01-14T19:00:21Z

Si hablamos de un musical podemos también estar hablando de un drama, como por ejemplo “Cabaret” o “Chicago”, o quizás de una comedia, tal como “Los Productores”, e incluso de ...Si hablamos de un musical podemos también estar hablando de un drama, como por ejemplo “Cabaret” o “Chicago”, o quizás de una comedia, tal como “Los Productores”, e incluso de una cinta romántica, tal como la simple y magnífica “Once”. El musical existe en un limbo donde es a la vez un género en su propio derecho y un subgénero capaz de acoplarse a las exigencias de aquellos más tradicionales y esto genera un problema para el análisis que aquí se realiza. Los musicales peruanos parecen caer en la segunda categoría del limbo mencionado, ya que pueden fácilmente ser catalogados como comedias (en la mayoría de los casos) o infantiles (tal como se podría categorizar a “El gran criollo” y hasta “Una navidad en verano”, estrenos del 2017). Es precisamente aquí donde radica la complejidad del análisis ya que, al considerarlos como un subgénero, se les puede acomodar dentro del “género primario” (digamos la comedia, como es en la mayoría de los casos) y eso puede lograr cambios notables para las estadísticas que hemos estado manejando. Es por ello que se dedicará esta tercera parte a analizar cómo el considerar a los musicales como un género en sí mismo modifica la distribución de taquilla de los últimos dos años y da nuevas luces sobre el crecimiento, decrecimiento y expectativas de los otros géneros cinematográficos del mercado local. Nadie sabe para quién trabaja: Quién gana y quién pierde al contar a los musicales como un género individual La comedia. Parece que es ineludible hablar de ella cuando se empieza la conversación sobre los géneros más taquilleros del mercado local. Es incuestionablemente el género con más poder e influencia en el mercado, pero si consideramos al musical como un género en sí mismo, esto hace que las cifras que mostraban a la comedia como un monolito imbatible varíen singularmente. Hasta los artículos previos, esta era la imagen de la comedia en el 2016: un monstruo que devora a todos los demás géneros. Aquel gráfico es el que ha guiado el análisis comparativo de taquilla por géneros de esta serie de artículos. Muestra a la comedia con un poder de captación de público arrollador y prácticamente devorando a los otros géneros. Esta figura, sin embargo, cambia cuando consideramos al musical como un género independiente y no un subgénero de la comedia. Gran responsable del éxito de la comedia en el 2016 fue el éxito del musical “Locos de amor”, cinta más taquillera de ese año. Con 1’233,333 espectadores, el musical “Locos de amor” fue la responsable de que la comedia haya sido ese golem devastador en el año 2016. Esta variación genera el primer cambio en el análisis que impacta al 2017, pues en el artículo previo mencionamos que la comedia había perdido el 20% de su porcentaje del público frente al año previo; en verdad había crecido 2%. La comedia pasó de decrecer seriamente a crecer tímidamente a nivel de asistencia. Esto guarda relación con el aumento de estrenos que tuvo el género en el 2017, nueve frente a siete del 2016 (hasta el análisis previo se contaban ocho estrenos en ese año, pues “Locos de amor” se contó como comedia), lo que permite establecer una correlación entre el porcentaje de asistencia y porcentaje de participación en el mercado de la comedia durante el año pasado: ambos crecieron, más porcentaje de estrenos en el año significó la captación de un mayor porcentaje de público frente al año anterior. Los cuadros de 2016 y 2017 que comprueban el crecimiento porcentual de la comedia en participación en el mercado. Esto cambia por completo la conclusión a la que se llegó en el artículo previo, ¿cierto? La comedia sigue creciendo firme y [...]



Conoce a las mujeres creadoras de tus series de TV favoritas

2018-01-14T17:41:19Z

Hemos recorrido un largo camino desde los inicios de la televisión como la conocemos hoy, cuando estos aparatos se empezaron a popularizar en los años 50 hasta convertirse en casi ...Hemos recorrido un largo camino desde los inicios de la televisión como la conocemos hoy, cuando estos aparatos se empezaron a popularizar en los años 50 hasta convertirse en casi ubicuos en los 80, durante los lanzamientos de canales como CNN y MTV. Para mediados de los 80 y los años 90 las series de televisión (y telenovelas) favoritas de todos presumían de increíbles números de rating. Son recordados casos como “M*A*S*H” cuyo episodio final atrajo 125 millones de espectadores que, en ese entonces, representaba 77% de la audiencia. O la serie hito de los 90, “Seinfeld”, que terminó sus nueve temporadas como el #1 en sintonía con un promedio de 38 millones de televidentes. Sin embargo, no fue sino hasta el 2001; luego que la huelga del Sindicato de Escritores empujara a la televisión estadounidense al abismo del “Reality TV”, así como la que hubo entre 2007 y 2008; que las series de televisión (especialmente las de canales de cable por paga) despegaron. Canales como HBO y Showtime empezaron a ocupar espacios en las prestigiosas ceremonias de premiación que solían ser dominadas por canales de señal abierta como lo son CBS y NBC; a las cuales se unieron canales como FX, y eventualmente compañías de streaming digital que empezaron a producir sus propias series como Netflix, Hulu y Amazon, espacios en donde una creciente legión de mujeres realizadoras han encontrado oportunidades para demostrar su talento, opacado por años por la industria. A continuación revisamos una selección de cinco de estas influyentes mujeres, creadoras de algunas de las series más populares de años recientes: Ilene Chaiken Conocida recientemente como una de las escritoras principales y productora ejecutiva de la premiada serie original de Hulu, “The Handmaid’s Tale”. Ilene Chaiken también ha escrito y producido episodios para otra serie ganadora de premios (pero aún más importante, favorita de la audiencia), “Empire”. Sin embargo, es aún más recordada por ser la creadora y principal escritora de la muy celebrada serie que rompió barreras, “The L Word” de Showtime, que está reviviendo una década después de su última temporada. Cabe resaltar que durante la producción de “The L Word”, mucho del talento detrás de cámara del show fue femenino, e incluía a las cineastas Kimberly Peirce (Boys Don’t Cry), Lisa Cholodenko (Olive Kitteridge, The Kids Are All Right, High Art), Karyn Kusama (Aeon Flux, Girlfight), Jamie Babbit (But I’m a Cheerleader, Itty Bitty Titty Committee), Angela Robinson (D.E.B.S), y Rose Troche (Go Fish); directoras cuyas películas habían logrado un relativo éxito, destacando “Boys Don’t Cry” y “The Kids Are All Right”, que estuvieron nominadas a los Premios Oscar. Jenji Kohan Jenji Kohan, nacida en una familia de escritores y hermana de David Kohan (uno de los creadores de “Will & Grace”), comenzó su carrera escribiendo guiones a pedido que nunca se convertían en series, sin embargo también escribió guiones para series como “El Príncipe del Rap”, “Mad About You”, “Sexo en la ciudad”,… y “Gilmore Girls”. Eventualmente consiguió que su nueva serie, “Weeds”, sobre una ama de casa recién enviudada que comienza a vender marihuana para pagar sus deudas, terminara en la cadena Showtime. Esa aclamada serie tuvo más de 100 episodios que se transmitieron en ocho temporadas, que se convirtió en un momento decisivo en su vida y en la de la cadena [THR]. Finalmente, Kohan se enteró de las memorias de Piper Kerman, una mujer condenada por contr[...]



Análisis de la taquilla del cine peruano 2017 (parte 2)

2018-01-09T18:11:04Z

Tan solo se requiere observar fugazmente los títulos peruanos estrenados a lo largo del 2017 para notar que hay un género que reina por encima de todos en la escala ...Tan solo se requiere observar fugazmente los títulos peruanos estrenados a lo largo del 2017 para notar que hay un género que reina por encima de todos en la escala de preferencias del público: la comedia. Desde que el “boom” del cine peruano comenzó en el año 2013, la comedia ha sido el género infalible para cualquier productora que deseara aventurarse a producir una película, y esa tendencia no parece haber cambiado en el último año. Sin embargo, todo género exitoso alcanza mesetas e incluso pequeños rastros de fatiga luego de un periodo de dominancia, ¿será ese el caso de la comedia? Así mismo, tenemos unos géneros que aparecen en los radares de los consumidores y, si bien con menos cifras, comienzan a formar nuevos patrones de consumo; a la vez que otros desaparecen por completo del espectro. Para saber cuáles son estos, y si la comedia ha comenzado a mostrar rastros de fatiga, pasaremos a analizar cómo se movió el mercado cinematográfico peruano por géneros durante el 2017. Análisis de asistencia por géneros Comencemos recordando que fueron 9 las comedias estrenadas el 2017, 3 de las cuales estuvieron en el Top 5 de la taquilla anual: “Once machos”, “Cebiche de tiburón” y “La paisana Jacinta”. Entonces, ¿el 2017 mostró los primeros rastros de fatiga para la comedia luego de 4 años de indiscutible dominancia?: A primera vista, no. Con más de la mitad del porcentaje de asistentes atraídos a lo largo del año, la comedia mantiene su corona como el género invencible y preferido por los consumidores de cine peruano. Es más, estas cifras bien pueden aumentar, ya que “El gran León” parece estar cumpliendo todos los requisitos para cumplir el pronóstico expuesto en el artículo anterior y superar los 700 mil espectadores, lo que incrementaría el porcentaje de público captado por el género y lo acercaría a un total de casi 4 millones de espectadores. Al cierre del 2017, la comedia bien puede haber asegurado más de 3.7 millones de espectadores. ¿Cómo se compara esto frente al desempeño del género en años anteriores? Bueno, por más que las cifras expuestas sean abrumadoras, este año representa un retroceso en cantidad de asistentes frente a los dos años previos (incluso con los espectadores que pueda sumar “El gran León”), presentando el segundo declive del género desde que el “boom” inicia en 2013. Este no solo sería el segundo declive del género, sino también la segunda asistencia más baja registrada (esto antes de contabilizar los asistentes a “El gran León”). La magnitud de este retroceso se grafica claramente al comparar el porcentaje de asistencia por género del 2016 y el 2017, el cual muestra que la comedia perdió 20% de asistentes en el último año. El Pac-Man azul de la comedia devorando a los demás géneros durante el 2016. Luego de analizar estos gráficos, ¿se puede decir que el 2017 sí ha generado un primer año de declive para la comedia a pesar de sus abrumadoras cifras? La respuesta es sí y la prueba definitiva se encuentra en el siguiente gráfico. Otro campo más donde reina la comedia, pero que termina por confirmar que el 2017 fue un año de declive. El único campo donde la comedia presentó un crecimiento superior frente al año previo fue en su participación en el mercado, donde consiguió un 36% gracias a sus 9 estrenos. Esto significó un crecimiento de 6% frente al 2016, donde sus 8 estrenos le dieron un 30% de participación en el mercado. ¿Por qué estas cifras representan el aval a la conclusión de que el 2017 fue un mal año para la comedia? Pues porque esta fue incapaz de igualar o superar la taquilla de años previos aún co[...]



Oscar 2018: ¿Cuándo se estrenan en Perú las posibles nominadas?

2018-01-12T21:42:33Z

La temporada de premios de Hollywood ya inició y nuestro país se prepara para el estreno de las principales cintas en carrera por el codiciado premio Oscar. La mayoría ya ...La temporada de premios de Hollywood ya inició y nuestro país se prepara para el estreno de las principales cintas en carrera por el codiciado premio Oscar. La mayoría ya tiene fecha de estreno confirmada para estos primeros meses del año, pero todavía hay un par a la espera de algún anuncio tardío. Ya hemos tenido la oportunidad de ver algunas de las posibles nominadas, como la aclamada “Dunkirk” de Christopher Nolan y “Get Out (¡Huye!)” de Jordan Peele. También hemos podido ver en cines otras cintas con menos posibilidades en la categoría principal, pero de presencia obligada en algunos premios técnicos, como “Blade Runner 2049” de Denis Villeneuve, “Star Wars: The Last Jedi” de Rian Johnson, “El Gran Showman” de Michael Gracey, y la animada “Coco” de Lee Unkrich y Adrián Molina. Ahora compartimos con ustedes las fechas de estreno (sujetas a cambio de última hora) de las películas más esperadas de la temporada: Las horas más oscuras (dir. Joe Wright) Título original: Darkest Hour Estreno en Perú: 18 de enero Lo nuevo del director inglés Joe Wright (Atonement), que vuelve a lo que mejor sabe hacer tras fracasar en los blockbusters, se ambienta en 1940, cuando el icónico Winston Churchill, interpretado por Gary Oldman, se convierte en el Primer Ministro Inglés en plena Segunda Guerra Mundial y debe encontrar la forma de evitar la invasión nazi en Inglaterra, debatiéndose entre buscar la paz mediante el diálogo o atacar militarmente. La película ha recibido comentarios positivos de la crítica, pero en las últimas semanas, su principal carta de cara a los Oscar es la interpretación de Gary Oldman, que ya le ha valido un Globo de Oro como actor de Drama, y más de diez reconocimientos y nominaciones entre círculos de críticos y sindicatos, como el de Actores, donde es favorito. Oldman nunca ha ganado el Oscar y parece que esta será la oportunidad para reconocerlo por su increíble carrera. Gary Oldman se transformó físicamente para interpretar a Churchill. The Disaster Artist: Obra Maestra (dir. James Franco) Título original: The Disaster Artist Estreno en Perú: 18 de enero Muchos no lo saben, pero James Franco ha dirigido, a la fecha, más de diez películas, entre comedias, dramas y thrillers. Sin embargo, “The Disaster Artist” parece ser la primera que capta la atención de todos. La cinta narra, entre comedia y homenaje, la historia real de cómo se produjo “The Room” de Tommy Wiseau, considerada por muchos como la peor película jamás hecha, gracias a su terrible guion, sus momentos involuntariamente cómicos y a las más horribles interpretaciones que podrías imaginar. Al lado de un gran reparto, Franco mismo interpreta a Wiseau, lo que le ha valido un Globo de Oro, nominaciones a los Independent Spirit Awards y a los Critics Choice, y ya se le anticipa una posible segunda nominación al Oscar. “The Disaster Artist” ganó hace poco la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián y ha sido catalogada como la comedia de la década por varios medios. A pesar de su gran amistad, es la primera vez que James Franco comparte pantalla con su hermano Dave. Pequeña gran vida (dir. Alexander Payne) Título original: Downsizing Estreno en Perú: 18 de enero La tailandesa Hong Chau tiene muchas posibilidades de ser nominada a Mejor actriz de reparto. Y Alexander Payne siempre logra ser considerado en la categoría de director y guion. Good Time: viviendo al límite (dir. Benny y Josh Safdie) Título original: Good Time Estreno en Perú: 18 de enero Este sensacional thriller dramático dirigido por los Safdie Brothers tiene chances de lograr una nominación a Mejor a[...]



Globos de Oro 2018: “Three Billboards” fue la gran ganadora de la noche

2018-01-09T15:29:52Z

La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood entregó esta noche los Golden Globes. En esta nota listamos todos los ganadores en las 14 categorías de cine, e incluimos un pronóstico ...La Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood entregó esta noche los Golden Globes. En esta nota listamos todos los ganadores en las 14 categorías de cine, e incluimos un pronóstico previo sobre cada categoría. Recuerden que la ceremonia de premiación, conducida este año por el comediante y presentador de televisión Seth Meyers, empieza a las 8:00 p.m. hora peruana, y se podrá ver por TNT desde los siguientes canales: en DirecTV en el 502 y 1502; Movistar TV en el 102 y 730; Claro TV en el 22 y 590. Mejor película drama 3 anuncios por un crimen (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri) Otras nominadas: Dunkerque (Dunkirk) The Post La forma del agua (The Shape of Water) Llámame por tu nombre (Call Me by Your Name) Pronóstico acertado: Una de las categorías más reñidas e impredecibles. The Shape of Water es la película más nominada este año, lo que le da cierta ventaja. Call Me By Your Name también ha ganado muchos premios de los críticos y podría ser la ganadora. Pero me inclino a pensar que ganará Three Billboards Outside Ebbing, Missouri porque su argumento (una mujer intenta que se haga justicia después del asesinato y violación de su hija) puede resonar con la coyuntura actual que se vive en Hollywood: la ola de acusaciones de acoso y abuso sexual. Mejor película comedia / musical Lady Bird Otras nominadas: The Disaster Artist ¡Huye! (Get Out) El gran showman (The Greatest Showman) I, Tonya Pronóstico acertado: La competencia se reduce a dos candidatas con opciones de triunfo: Lady Bird y ¡Huye!, las cuales han ganado varios premios como mejor película durante la temporada. Sin embargo, Lady Bird encaja en el patrón de comedias independientes que la Asociación de Prensa Extranjera de Hollywood ha premiado antes en esta categoría. Mejor actriz (drama) Frances McDormand, Three Billboards Outside Ebbing, Missouri Otras nominadas: Jessica Chastain, “Apuesta maestra” (Molly’s Game) Sally Hawkins, The Shape of Water Meryl Streep, The Post Michelle Williams, All the Money in the World El pronóstico fue: Sospecho que los votantes se inclinarán por Sally Hawkins, quien ya ganó previamente el Golden Globe por la comedia de Mike Leigh “Happy-Go-Lucky”. Pero no sería una sorpresa si ganan Frances McDormand o incluso Meryl Streep. Mejor actor (drama) Gary Oldman, “Las horas más oscuras” (Darkest Hour) Otros nominados: Timothée Chalamet, Call Me by Your Name Denzel Washington, Roman J. Israel, Esq. Tom Hanks, The Post Daniel Day-Lewis, Phantom Thread Pronóstico acertado: Todo parece indicar que es el año de Gary Oldman, quien a pesar de ser uno de los actores más respetados de Hollywood, nunca ha ganado el Oscar ni el Golden Globe. Aunque podría dar la sorpresa Timothée Chalamet, quien en las últimas semanas ha ganado varios premios como mejor actor y actor revelación. Mejor actriz de comedia / musical Saoirse Ronan, Lady Bird Otras nominadas: Judi Dench, Victoria & Abdul Margot Robbie, I, Tonya Emma Stone, Battle of the Sexes Helen Mirren, The Leisure Seeker Pronóstico acertado: Con apenas 23 años, Saoirse Ronan compite por tercera vez por el Golden Globe y este año va como favorita para ganar este trofeo por primera vez. Podría dar la sorpresa Margot Robbie, quien ha sorprendido a todos con su impactante transformación en I, Tonya. Mejor actor de comedia / musical James Franco, The Disaster Artist Otros nominados: Steve Carell, Battle of the Sexes Ansel Elgort, Baby: El aprendiz del crimen (Baby Driver) Hugh Jackman, El Gran Showman (The Greatest Showman) Daniel Kaluuya, ¡Huye! (Get Out) Pronóstico ace[...]



Esta es la Mejor Película Peruana del 2017, elegida por el público

2018-01-05T16:06:52Z

Concluída nuestra encuesta anual, y tras una reñida competencia, los seguidores de Cinencuentro han elegido al Mejor filme peruano estrenado en la cartelera comercial en el 2017. Este es el ...Concluída nuestra encuesta anual, y tras una reñida competencia, los seguidores de Cinencuentro han elegido al Mejor filme peruano estrenado en la cartelera comercial en el 2017. Este es el resultado: Rosa Chumbe, el celebrado primer largometraje de Jonatan Relayze, obtuvo finalmente el primer lugar en nuestra encuesta, con el 33% de los votos. La película, protagonizada por Liliana Trujillo y Cindy Díaz, tuvo su primer encuentro con el público en el 2015, cuando fue estrenada en el Festival de Lima, donde obtuvo el Premio del Ministerio de Cultura a la Mejor Película Peruana. A partir de ahí, logró ser seleccionada para el Festival BAFICI en Argentina a inicios del 2016, donde logró un importante premio, el reconocimiento como Mejor actriz para la protagonista Liliana Trujillo. Si están en Lima en enero, podrán ver la película en el Centro Cultural del PUCP, en los siguientes horarios: Martes 16 a las 6:30pm; Jueves 18 a las 8:30pm; Sábado 20 a las 4:30pm y Miércoles 24 a las 6:30 pm. Aquí les dejamos algunos artículos y críticas sobre esta cinta que publicamos en los últimos meses: “Rosa Chumbe”: más personas, menos personajes, por Juan Luis Nugent. “Rosa Chumbe”: la fe verdadera es la que incorpora la duda dentro de sí, por Juan José Beteta. “Rosa Chumbe”, una mujer bajo la influencia, por Alberto Venero. “Rosa Chumbe”, o el poder de expresar lo que no se dice, por Julio Daneri. Bonus: Mencionemos el resto de resultados de nuestra encuesta, “WIK” con el 26% de los votos alcanzo el segundo lugar de la competencia, la cual inclusó lideró durante varios días. Mientras que en tercer lugar quedó “La última tarde”, con el 14% de los votos. “Rosa Chumbe” se suma así a la lista de ganadores de nuestra encuesta, en años pasados: “Rodar contra todo” (2016), “Magallanes” (2015), “Gloria del Pacífico” (2014), “El evangelio de la carne” (2013), “Lima Bruja” (2012), entre los más recientes. [...]



Las 20 mejores películas de 2017, para Juan Carlos Ugarelli

2018-01-04T03:19:53Z

De todas las películas que pude ver en 2017, quisiera rescatar veinte títulos que destacaron más que el resto: 10 estrenados en la cartelera y 10 del circuito alternativo. Además, ...De todas las películas que pude ver en 2017, quisiera rescatar veinte títulos que destacaron más que el resto: 10 estrenados en la cartelera y 10 del circuito alternativo. Además, comparto las cinco cintas que más me decepcionaron este año. Top 10 de la cartelera Comencemos repasando las diez mejores cintas que pude ver en la cartelera comercial entre enero y diciembre, incluyendo algunos títulos de 2016 que recién pudieron llegar a nuestros cines en 2017. 10. El Cliente (The Salesman, Irán) El director y guionista Asghar Farhadi construye nuevamente un guion extraordinario, con una estructura compleja y fascinante. El desenlace nos deja la sensación de haber asistido a un juicio en el que no hay ganadores absolutos, solo quedan unos cimientos fuera de lugar. 9. Una Mujer Fantástica (Chile) El cineasta Sebastián Lelio nos presenta a Marina, una mujer transexual dispuesta a enfrentar a una sociedad prejuiciosa, la cual no podrá frenar su insaciable búsqueda de afirmar su identidad y demostrar todas las formas en que es fantástica. La mejor cinta latinoamericana del año. 8. Huye (Get Out, Estados Unidos) Con esta excelente cinta de terror, el director Jordan Peele logra algo más interesante que simplemente asustar: incomoda y cuestiona, subvirtiendo las reglas del género. Una sátira social que pone el dedo en las llagas del racismo y la hipocresía. 7. Silencio (Silence, Estados Unidos) Martin Scorsese nos regala una de las cintas más hermosas de su amplia filmografía, una provocadora reflexión sobre la fe y cómo esta se relaciona con nuestra búsqueda de respuestas. 6. Nada Que Perder (Hell Or High Water, Estados Unidos) En este western contemporáneo, la crisis económica es el villano sin rostro que ronda en cada esquina. El guion está impregnado de diálogos punzantes y Jeff Bridges confecciona un personaje de antología. 5. Blade Runner 2049 (Estados Unidos) En un mismo año, hemos tenido en cartelera dos apasionantes cintas de ciencia ficción dirigidas por Denis Vileneuve: “Arrival” y “Blade Runner 2049”. En esta última, el guion complementa y actualiza los temas explorados por Ridley Scott en la cinta original. El director de fotografía Roger Deakins logra un magistral trabajo, al crear encuadres de una hipnótica belleza. 4. Dunkerque (Dunkirk, Reino Unido) Christopher Nolan firma una de las películas más logradas de su carrera. Esta cinta bélica desconcierta, impresiona y emociona con su historia de héroes anónimos, sus espectaculares encuadres aéreos y la magistral música de Hans Zimmer. 3. La La Land (Estados Unidos) El musical de Damien Chazelle rinde homenaje a los musicales clásicos, mientras construye su propio estatus de clásico instantáneo. Es una experiencia irresistible e inolvidable para todos los seguidores del cine musical. Su enorme mérito está en revitalizar este género con un puñado de memorables canciones e impecables números musicales que hacen flotar al espectador y llevarlo de paseo por las estrellas. 2. Luz De Luna (Moonlight, Estados Unidos) Este drama de Barry Jenkins nunca cede al camino fácil del sentimentalismo y, por el contrario, entiende que para contar una historia que se sienta auténtica hace falta dotar de humanidad a sus personajes y ayudarlos a conocerse a sí mismos. El protagonista Chiron realiza un viaje interior desde la agobiante oscuridad de la incertidumbre hacia la cálida luz de la certeza de saber quién es él en realidad. 1. Toni Erdmann (Alemania) Esta comedia de la directora Maren Ade narra la relación entre un pad[...]



Las 15 películas que más esperamos ver este 2018

2018-01-03T00:56:22Z

Acabado el 2017, nos vamos preparando para conocer que nos traerá la cartelera internacional en el 2018. Esta vez revisaremos algunos de los títulos más llamativos entre los ya anunciados ...Acabado el 2017, nos vamos preparando para conocer que nos traerá la cartelera internacional en el 2018. Esta vez revisaremos algunos de los títulos más llamativos entre los ya anunciados con anticipación, esperando que todos (o la mayoría) puedan ser estrenados en el Perú en algún momento del año. Tomando en cuenta a tus preferidos, directores, actores o temas, ¿qué otra cinta agregarías a esta lista? The Favourite (dir. Yorgos Lanthimos) El griego Yorgos Lanthimos, director de las celebradas “Dogtooth”, “The Lobster” y “The Killing of a Secret Deer”, se aleja un poco de las alegorías animales (o eso es lo que parece), para presentarnos un drama histórico-biográfico situado en la Inglaterra del siglo XVIII, escrito por Deborah Davis y Tony McNamara. Nos contará toda la historia alrededor de las maquinaciones políticas y personales en la corte de Ana de Gran Bretaña (Olivia Colman) durante su tiempo en reinado de Inglaterra, en una cinta que explorará cómo la intriga, envidia, pasión y traición atormentaron a su gente cercana. Con la premiada Emma Stone, quien interpreta a Abigail (la favourite de la Reina), Rachel Weisz y Nicholas Hoult. Es la segunda colaboración de Rachel Weisz con el director griego. First Man (dir. Damien Chazelle) Luego de tres cintas en las que el jazz fue pieza fundamental del argumento, Damien Chazelle (Whiplash, La La Land) cambia de aires para presentarnos la biopic del primer hombre que pisó la Luna, el estadounidense Neil Armstrong, quien será interpretado por Ryan Gosling. La película, escrita por John Singer (“Spotlight”), toma lugar entre los años 1961 y 1969, desde el inicio de las investigaciones y la aparición de los primeros inconvenientes para el viaje hasta la llegada de Armstrong a la Luna, su cobertura y riesgos posteriores. El reparto de la cinta lo completan actores como Claire Foy, conocida por “The Crown”, Kyle Chandler, Corey Stoll, Jason Clarke, Jon Bernthal, Pablo Schreiber, entre otros. Neil Armstrong será interpretado por Ryan Gosling. Ready Player One (dir. Steven Spielberg) Adaptación del conocido bestseller escrito por Ernest Cline. Steven Spielberg está a cargo de esta cinta que sigue la historia de Wade Watts (Tye Sheridan), un joven que habita una Tierra futurista, donde la realidad virtual se ha convertido en el principal medio para escapar de la desolación de un mundo inmerso en sobrepoblación, corrupción y contaminación. Todo se alborota con el anuncio de que la persona que encuentre un easter egg legendario escondido en Oasis, el juego más popular del mundo, se hará con la fortuna de su creador. Tanto Wade como corruptas corporaciones harán lo posible por ganar. También participan Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg, TJ Miller y Olivia Cook. width="560" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/q0jVqkg4F6I" frameborder="0" gesture="media" allow="encrypted-media" allowfullscreen> Roma (dir. Alfonso Cuarón) Se pensó que estaría lista para el 2017, pero habrá que esperar unos meses más. “Roma” marca el regreso de Alfonso Cuarón al cine de habla hispana después de casi diecisiete años. También es la primera película en mucho tiempo en la que el mexicano no trabaja con su compatriota Emmanuel Lubezki en la dirección de fotografía. Ese lugar ahora lo tiene Galo Olivares (“El vigilante”). “Roma”, que por decisión de Cuarón, es protagonizada por actores poco o nada conocidos, sigue a una familia mexicana de clase media durante los eventos del fam[...]



Análisis de la taquilla del cine peruano 2017 (parte 1)

2017-12-31T00:37:25Z

Se cierra el 2017 y salvo por “El gran León”, que aún puede mover las cifras del Top 5 de películas gracias a sus 44,566 espectadores el día de su ...Se cierra el 2017 y salvo por “El gran León”, que aún puede mover las cifras del Top 5 de películas gracias a sus 44,566 espectadores el día de su estreno (una relación que se explicará más adelante), ya contamos con datos suficientes como para tener un panorama bastante claro de cómo se movió el mercado cinematográfico peruano este año, el cual hasta el momento ha acumulado 4.9 millones de espectadores. A continuación pasaremos a ver qué nos dejan las cifras a nivel de asistencia general y de casa productora. Cabe resaltar que la mayoría de estas cifras son finales, salvo algunas excepciones, y que el análisis de estas no podría haber sido hecho sin el trabajo de recopilación de Maykoll Calderón, en su cuenta de Twitter @SoyAlPacine. Asistencia general y por casa productora El primer dato que resalta con respecto a la asistencia del 2017 es que, por primera vez desde el 2013 de “¡Asu Mare!”, una película peruana no supera el millón de espectadores. No solo eso, el 2017 es el primer año desde el 2013 en el que el estreno nacional más taquillero del año no fue fruto de Tondero, sino de AMA Producciones gracias a “Once Machos”, de Aldo Miyashiro. Las rachas están para romperse y AMA Producciones se encargó de impedir el quinto año seguido de hegemonía del pajarillo azul de Tondero. A primera vista, el cuadro preocupa por el evidente descenso de espectadores que ha sufrido el estreno peruano más taquillero durante los últimos tres años; sin embargo, este descenso no se ha visto acompañado por una disminución en la taquilla general, la cual lleva dos años de crecimiento estable y, si “El gran León” hace el trabajo y atrae 700 mil espectadores o más, sumará nuestro tercer año consecutivo de crecimiento. Sumamos potenciales 700,000 espectadores de “El gran León” y cerramos el 2017 con 5’630,995 espectadores, suficiente para haber superado el total del 2016. Junto con ello, este descenso de espectadores en el filme más exitoso trae consigo otro elemento positivo para el mercado: la homogeneización de las cifras en el ránking de estrenos peruanos anuales. ¿Qué quiere decir esto? Pues desde que el “boom” inicia en 2013 la dinámica en la taquilla de estrenos peruanos era así: un estreno millonario (de Tondero) que inflaba las cifras de la taquilla anual, acompañado por otros 4 estrenos que a lo mucho podían aspirar a atraer 100 mil ó 500 mil espectadores, en el caso más optimista, y otra serie de películas que no superaban los cinco dígitos o que tan solo lograban captar unos pocos miles (y hasta cientos) de asistentes. Dicho de otro modo, el mercado peruano basaba el éxito de su taquilla en torno al éxito anual de Tondero y la suma de las otras películas con asistencias nimias. Las diferencias escandalosas en el Top 5 de estrenos para 2015, ni sumando a los 4 filmes más taquilleros se lograría igualar las cifras del primero en asistencia. A partir del 2016, ese modelo cambia y en 2017 comienza a formarse un nuevo escenario. La diferencia entre la primera película a nivel de asistencia y la segunda ya no es abismal y el Top 5 de estrenos presenta distancias mínimas entre todas las cintas, lo que permite una distribución mucho más pareja de los espectadores entre todos los competidores. El éxito del mercado ya no depende solo de qué tan millonaria fue la asistencia de Tondero, sino de la captación conjunta de varias casas productoras. Tan solo 100 mil espectadores de diferencia entre cada puesto del ranking de asistentes del 2016 para[...]



Mis estrenos favoritos del 2017, por Amy Wong

2017-12-30T22:04:56Z

Otro año más que se nos va, otra serie de películas que llegan a nuestra cartelera local. 222 para ser exactos. Alguna data recopilada este año: 143 (64%) de estos ...Otro año más que se nos va, otra serie de películas que llegan a nuestra cartelera local. 222 para ser exactos. Alguna data recopilada este año: 143 (64%) de estos estrenos fueron producciones del 2017, 71 (32%) fueron cintas estrenadas originalmente el 2016, y el resto entre los años 2013-2015; con excepción del milagroso estreno del Castillo Vagabundo de Hayao Miyazaki, cuya fecha fue el 2004. De todas las películas estrenadas, 154 títulos (69%) fueron, tristemente, versiones dobladas; dejando solo 28 cintas (12%) que llegaron únicamente en copias subtituladas. Salvo unas cuantas excepciones de esas copias subtituladas [Aliados (5 semanas), Luz de Luna (6) y Manchester Junto al Mar (5) luego del Óscar, la cinta italiana Perfectos Desconocidos (6), Un Don Excepcional (7) y Hambre de Poder (7)], el promedio de estadía de una copia subtitulada fue entre una o dos semanas. Las cintas familiares, y sorprendentemente muchas de las películas de terror que nos llegaron este año (36, el 17%), vinieron en sus versiones dobladas únicamente. Así como las películas que se presentaron en su idioma de español original (38), de las cuales 13 fueron estrenos no-peruanos. La sorpresa del año las dieron Australia y Rusia, que llegaron a la cartelera con la premiada “Hasta el Último Hombre” de Mel Gibson, la animada “Blinky Bill El Koala”, “2:22 Premonición”, “Terror Profundo”, la otra cinta de amor canino “Siempre Estarás Conmigo”, y el extraño estreno mundial de “Una Loca y Divertida Boda 2”. Asimismo, Rusia se presentó con “Invasión: La Guerra ha Comenzado” (que aún se encuentra en cartelera), la animada “El Viaje Fantástico de Oz”, la de terror “La Novia”, la de superhéroes “Guardianes”, y los éxitos sorpresa “Terremoto” (que logró más de 90 mil espectadores en su primer fin de semana), así como “Ovejas y Lobos”, que se quedó 8 semanas en cartelera. (Nota: Toda la información de taquilla proviene de @SoyAlPacine) Las películas que tuvieron más larga estadía en nuestra cartelera fueron “Un Jefe en Pañales” [1,119,361 visitas], “Av. Larco” [774,864 visitas], y “Cómo Ser un Latin Lover” con 10 semanas en pantallas; seguidos por “Once Machos” [804,852 visitas], la película de amor canino “La Razón de Estar Contigo” [804,831 visitas], y “La La Land: Ciudad de Sueños” [200 mil visitas] (durante la temporada más alta del Oscar). Obviamente, la duración de estadía de una cinta no tiene correlación con cuantos espectadores obtuvo. Si están interesados en la lista de estrenos del 2017, pueden revisarla aquí. (Si conté algo mal, es porque es Jueves y se estrenaron las últimas 6 cintas del año xD ) *** Pero, bueno, sin más que añadir, aquí les presento mis estrenos favoritos del 2017~ 15. Loving Vincent Se hicieron una V&R Films :) Todavía sigue en cartelera~ width="1140" height="855" src="https://www.youtube.com/embed/iZqTyRUk3MI?feature=oembed" frameborder="0" gesture="media" allow="encrypted-media" allowfullscreen> 14. Baby: El Aprendiz del Crimen (Baby Driver) 13. Blade Runner 2049 Honestamente, creo que ésta es la película con mejor cinematografía que vimos en cartelera local este 2017. 12. El Seductor (The Beguiled) Me alegro al ver a Nicole Kidman teniendo un excelente año con “How to Talk to Girls at Parties[...]



Las películas favoritas del 2017, para Carlos Esquives

2017-12-31T16:53:09Z

Al ver el resultado de mi lista, me percato de una coincidencia que se repite (inconscientemente): el argumento como escenario épico. De “Silencio” a “La ciudad perdida Z”, de “Les ...Al ver el resultado de mi lista, me percato de una coincidencia que se repite (inconscientemente): el argumento como escenario épico. De “Silencio” a “La ciudad perdida Z”, de “Les cowboys” a “Zama”, de “A quiet passion” a (por qué no) “Jim & Andy” o la larga marcha del ánima en “A Ghost Story”. Muchas de estas historias nos compenetran a un mundo personal, la inserción a pensamientos, búsquedas y obsesiones ajenas. Sus protagonistas me conmueven o atraen por el trayecto humano, porque son incomprendidos, en algunos casos adelantados a su tiempo, casi siempre desterrados. Este año fue el de muchos descubrimientos o revaloraciones. Proyectos personales me obligan a ver películas vinculadas al cine de terror y el feminismo. Años después veo con otros ojos “Eaten Alive” (Tobe Hooper, 1976). Ahora aprecio más que nunca a Wes Craven. John Carpenter tenía una joya escondida llamada “Cigarette Burns” (2005). Vuelvo a ver las películas bajo la curaduría de Val Lewton. Me queda grabada una escena de “El silencio de Christine M.” (Marleen Gorris, 1982), así como el arranque de “Una canta, la otra no” (Agnès Varda, 1977). Me pongo al día en la filmografía de Ernst Lubitsch, Kenji Mizoguchi, Pedro Almodóvar y otros que tienen lo femenino como tema/protagonista nuclear. Descubro a Helen Holmes, el cine de Sally Potter, Margarethe Von Trotta, Laura Mulvey y Sarah Jacobson, además de otras feministas. Del cine reciente, “Silencio” y “Wind River” son por lejos lo mejor que he visto en el año. De un cine pasado vistos por primera vez, la selección me queda corta. Aquí la lista de películas (sin orden de preferencia) que no dudaría en buscarlas en un futuro para volverlas a ver cuántas veces sea necesario. [N.E.: Las películas que fueron reseñadas por el autor durante el año son enlazadas a su respectiva crítica. Para el resto, se incluye un breve texto] Cartelera comercial Un monstruo viene a verme (Juan Antonio Bayona, 2016) Hasta el último hombre (Mel Gibson, 2016) Nada que perder (David Mackenzie, 2016) Silencio (Martin Scorsese, 2016) “Jackie” (Pablo Larraín, 2016): nunca antes Pablo Larraín había generado reiterados planos frontales a su protagonista, ocasionalmente centrada, como ubicándola a la palestra, postrada en el banquillo, asediada por la prensa, los sabuesos del contenido controversial, exponiéndola al ojo del público, limitada entre dos referentes a la que la cultura estadounidense comúnmente la asoció: la mujer de cosecha artificiosa y la viuda de un ícono político. Jackie es un biopic que hurga buscando comprender a la ex primera dama desde un breve segmento de su vida, observándola desde su rol mediático y de mujer honrando a un caído. Es así cómo es que el entorno decorativo de la Casa Blanca se compagina con Jackie al liberar un doble significado, marca de frivolidad y huella de una época conclusa e irrepetible, ambas rindiéndosele tributo, mediático e histórico, respectivamente. La morgue (André Ovredal, 2016) Colosal (Nacho Vigalondo, 2016) “La ciudad perdida de Z” (James Gray, 2016): el retrato del lazo filial o hereditario en conflicto es recurrente en la fílmica de James Gray. En su última película, nuevamente vemos herencias impuestas y herederos resistiéndose a[...]



[Crítica] “Loving Vincent” es uno de los mejores estrenos del año

2017-12-28T19:31:45Z

Una obra de arte. No creo que haya otra manera de describir a “Loving Vincent”. Se trata del primer largometraje animado pintado a mano. El proceso de desarrollo de la ...Una obra de arte. No creo que haya otra manera de describir a “Loving Vincent”. Se trata del primer largometraje animado pintado a mano. El proceso de desarrollo de la cinta tomó cuatro años; durante ese tiempo, se grabó la película con actores de carne y hueso, para que luego, más de cien artistas pintaran al óleo cada cuadro a mano, imitando el estilo de Vincent Van Gogh. ¿El resultado? Uno de los filmes más hermosos que jamás haya visto, el tipo de película que simplemente se experimenta. Ahora bien, dichas cualidades visuales no servirían de mucho si es que la historia no justificase tremendo emprendimiento, y si bien pienso que el guion de “Loving Vincent” tiene algunos problemas, no creo que sean lo suficientemente graves como para malograr la experiencia en general. Los diálogos tienden a exponer mucho, con personajes diciendo justo lo que el protagonista necesita escuchar de la manera menos sutil posible. Y sí, a veces dicho diálogo suena muy moderno, como algo que dirían personajes contemporáneos. Pero a la vez, me gustó la estructura narrativa, y principalmente, me gustó la manera en que la cinta logra desarrollar a Van Gogh a través de lo que otros dicen de él. “Loving Vincent” nos cuenta la historia de Armand Roulin (Douglas Booth), un peleador empedernido. Su padre, el cartero Joseph (Chris O’Dowd) le encarga llevar la última carta del fallecido Vincent Van Gogh donde su hermano, misión que Armand decide cumplir a regañadientes. Desgraciadamente, una vez que llega a su supuesto objetivo, se entera que el hermano está muerto, lo cual lo lleva a visitar el último pueblo donde Vincent vivió. Una vez ahí, se verá involucrado tanto con la familia que acogió al famoso pintor —el doctor Gachet (Jerome Flynn) y su hija Marguerite (Saoirse Ronan)— como con la dueña del bar que frecuentaba, Adeline Ravoux (Eleanor Tomlinson). De esta manera, en vez de solo dedicarse a entregar la última carta del pintor, se pondrá a investigar la razón de su muerte, y a averiguar un poco sobre su tumultuosa vida, la cual se irá mostrando a través de flashbacks en blanco y negro. Primero lo primero: “Loving Vincent” es un logro artístico espectacular, un trabajo en conjunto como pocas veces se ha hecho. Cada cuadro de la película es una obra de arte, una pintura al óleo que logra reproducir el estilo de Van Gogh de manera impresionante. Obras como “La noche estrellada” o “Terraza de café por la noche” son utilizadas no solo para homenajear al artista, si no también como parte integral de la historia; la mayoría de personajes son basados en retratos pintados por Van Gogh, y son interpretados por actores que tratan de recrear a dichas personas tanto a través de expresiones faciales y actitudes, como con su vestuario. De hecho, resulta verdaderamente impresionante que la cinta sea capaz de mostrarnos las expresiones y movimientos de sus actores a través de la pintura de manera tan precisa. Puede que “Loving Vincent” sea considera como animación, y que funcione tan bien como funciona gracias al trabajo de 120 expertos en pintura al óleo, pero la verdadera alma del filme está en sus actuaciones, y en la manera en que el trabajo de sus protagonistas fue trasladado al mundo del óleo. Además, lo bello está también en las imperfecciones —trazos que se mueven o aparecen y desaparecen, cambios de color—, las cuales hacen de “Loving Vincent[...]



Más de 50 películas peruanas se estrenaron el 2017

2017-12-30T18:53:38Z

Revisamos como de costumbre la producción anual del 2017, y hemos encontrado hasta el momento un total de 53 nuevas películas de largometraje que han sido presentadas al público este ...Revisamos como de costumbre la producción anual del 2017, y hemos encontrado hasta el momento un total de 53 nuevas películas de largometraje que han sido presentadas al público este año, ya sea en el circuito comercial de multicines, donde se estrenaron 25 películas; asi como en el circuito alternativo o de festivales, que este año acogió a 34 películas. (Anotemos que seis de estas películas ya se habían presentado al público en años anteriores. Aquí pueden revisarlas al detalle). Recordemos que el año pasado fueron 48 los nuevos largometrajes estrenados, mientras que el 2015 se llegó a 62 películas, y el 2014 a 39. Revisemos aquí otros datos adicionales que obtenemos de este listado anual: Las primeras obras (óperas primas) suman 26 en total, un poco menos de la mitad del total. 20 de estas películas son documentales, y 33 son filmes de ficción. La mayoría de documentales se presentan en el circuito alternativo, solo 3 se vieron en multicines. La comedia se ha asentado como el género comercial más exitoso, desapareciendo prácticamente los filmes de terror. El musical y las historias de corte familiar o infantil ganaron más público este año. Solo 5 directoras mujeres estrenaron una película este año: Mariana Tschudi, Patricia Wiesse, María José Moreno, Eliana Otta y Ana Caridad Sánchez. 25 de estas películas fueron filmadas en distintas ciudades del país. 28 se rodaron en Lima. Un par de directores presentaron dos películas en el año: Alex Hidalgo y Aldo Miyashiro. Solo vimos un filme animado en el año: “Condorito”. Dos películas fueron grabadas en el extranjero: “Doble” y “Nadie sabe para quien trabaja”, ambas coproducciones con Colombia. “Rehenes” incluye entrevistas realizadas en Uruguay y Japón. Revisa a continuación las más de 50 películas peruanas estrenadas en el 2017: ESTRENOS COMERCIALES De los 25 largometrajes peruanos que llegaron a los multicines este año 20 son estrenos absolutos. Las cinco restantes son películas que vimos el año pasado en festivales, como “El soñador”, “WIK”, “La última tarde” o “La luz en el cerro”, o incluso hace dos años, como “Rosa Chumbe”. Este último caso ejemplifica muy bien lo difícil que continúa siendo el acceso al circuito comercial para las películas nacionales que no sigan las convenciones de géneros populares como la comedia, los musicales o las historias de corte familiar. Estas son todas las películas que estuvieron en la cartelera comercial en el año, ordenadas según su fecha de estreno: El soñador, de Adrián Saba. Una de las películas más esperadas del 2016 tuvo finalmente su estreno comercial a inicios del 2017. El primer filme peruano del año llegó el 26 enero. Cebiche de tiburón, de Daniel Winitzky. Comedia con un gran despliegue de producción, protagonizada por César Ritter, Pietro Sibille, Manuel Gold, se estrenó el 2 febrero. Es el segundo filme más taquillero del año (Ópera prima) Buscando Nirvana, de Enrique Mendoza. Comedia juvenil con Millet Figueroa, se estrenó el 23 febrero. (Ópera prima) Av. Larco, de Jorge Carmona. Musical basado en la obra de teatro del mismo nombre, con guion de Javier Fuentes-León. Esta super producción de Tondero, el tercer filme más taquillero del año, se estrenó el 30 marzo. WIK, de Rodrigo Moreno del Valle. [...]



Las mejores estrenos del 2017, para Sebastián Zavala

2017-12-24T19:29:08Z

Todos los años hago una lista de mis diez estrenos favoritas, y todos los años tengo mucho de dónde escoger. Este 2017 fue particularmente especial, tanto así que tuve que ...Todos los años hago una lista de mis diez estrenos favoritas, y todos los años tengo mucho de dónde escoger. Este 2017 fue particularmente especial, tanto así que tuve que incluir muchas de ellas como menciones honrosas. Es cierto que nuestra cartelera no es la mejor, y hay varias películas que estaba muy interesado en ver que nunca se estrenaron en nuestro país —como “The Big Sick”, la cual acabo de comprar por Amazon—, o que recién se proyectarán en cines el próximo año, cerca a la ceremonia del Óscar —filmes como “La apuesta maestra”, de Aaron Sorkin, “Las horas más oscuras”, con Gary Oldman haciendo de Winston Churchill, o “The Disaster Artist”, basada en la historia real sobre la grabación de “The Room”, una de las mejores malas películas jamás hechas. Hay mucho que me hubiese gustado incluir en esta lista, pero que simplemente no pude. En todo caso, esas tendrán que esperar hasta la siguiente; después de todo, he tenido que incluir varias películas del 2016 en esta lista por el simple hecho de que en el Perú se estrenaron recién este año. Así que si están leyendo esto desde otro país, he ahí la explicación. Sin mayor preámbulo, aquí va mi lista de las diez mejores películas que he visto este año en los cines. 10. Mujer Maravilla “Mujer Maravilla” es una genial película de acción, aventura y drama ligero, la cual me recordó en tono a filmes como el “Superman” de Christopher Reeve. Puede que visualmente sea más compleja, pero se acerca a temas complicados de una manera similarmente inocente, sin tomarse demasiado en serio, pero tampoco convirtiendo a la historia en una comedia caricaturesca. “Mujer Maravilla” terminó siendo el estándar con el que las siguientes producciones del Universo Extendido de DC fueron juzgadas, y por lo tanto una de las razones por las que “La Liga de la Justicia” terminó sintiéndose como una oportunidad malgastada. 9. La última tarde “La última tarde” es una manifestación de los ecos de la época del conflicto armado, y una denuncia de los problemas de nuestra sociedad, tanto los pasados como los actuales. También es una fascinante exploración de dos personajes que, a pesar de haber tenido una relación amorosa años atrás, no podrían ser más diferentes. La cámara de Calero, fluida y casi siempre en movimiento, sigue a Laura y Ramón, dos personajes que representan los fuertes contrastes que existen en el Perú. Y felizmente, el guion y el trabajo de D’Onofrio y Cáceres son lo suficientemente absorbentes como para que uno quiera seguir escuchándolos. 8. Una Mujer Fantástica Este filme es un estudio de personaje sobre una mujer que tiene que combatir contra viento y marea por derechos que, para otras personas, no podrían ser más básicos. El desenlace resulta satisfactorio porque hemos visto al personaje pelear tanto por casi dos horas, pero a la vez, resulta casi imposible no pensar qué todavía tendrá mucho más que hacer, y mucha más gente monstruosa, intolerante y violenta que enfrentar. Si algo nos demuestra “Una mujer fantástica”, es que todavía tenemos mucho qué aprender. 7. Baby: El Aprendiz del Crimen “Baby Driver” es un thriller sumamente original, una película de acción que me dejó emocionado y con ganas de correr, manejar, y sí, escuchar música. Lo mejor que puedo decir de la película es que es imp[...]



Perú en Rusia 2018: Revisamos el Grupo C, del fútbol al cine

2017-12-21T01:24:13Z

Rusia 2018 nos espera. La vuelta de Perú al Mundial de Fútbol, tras 36 años, ha generado una inmensa expectativa por poder comparar el nivel de nuestra esforzada selección con ...Rusia 2018 nos espera. La vuelta de Perú al Mundial de Fútbol, tras 36 años, ha generado una inmensa expectativa por poder comparar el nivel de nuestra esforzada selección con los rivales que enfrentaremos en la fase de grupos. Como sabemos, Perú comparte el Grupo C con Francia, Australia y Dinamarca, selecciones de buen nivel que harán más difícil la tan asiada clasificación a segunda ronda. Pero si bien el fútbol “es lo más importante entre las cosas menos importantes”, según Jorge Valdano, el cine es igual de importante para muchos de nosotros. Estos tres países rivales de Perú también han demostrado un alto nivel en muchas de las más importantes expresiones artísticas. Como el cine, por ejemplo. Hoy recomendaremos algunos clásicos junto a importantes filmes producidos en los últimos 15 años en estos países, con la esperanza de que con ayuda suya, estimado lector, podamos crear una lista más extensa antes del inicio del Mundial. FRANCIA Belle de Jour / Bella de día (Luis Buñuel, 1967) Todos hemos pasado por un momento de nuestras vidas en el que preferimos fantasear con la vida perfecta en lugar de hacerle frente a la dura realidad. Ya sea para olvidar traumas, dolores u ocultar el incómodo y natural miedo a crecer, los momentos de fantasía terminaban inevitablemente y enfrentar la verdad traía consecuencias que, dependiendo de cada uno, eran de gran ayuda o de terrible desilusión. En el cine existen muchos ejemplos de dramas y comedias basadas en esta forma de liberación personal, sus motivos y desenlaces. Es algo que Luis Buñuel atrapó magistralmente en “Belle de Jour”, cinta protagonizada por Catherine Deneuve, en la que interpreta a una mujer que cansada de su rutinaria vida de casada, accede a sus eróticas fantasías y emprende un proyecto de liberación: se convierte en prostituta de alta clase en los días, y mantiene su imagen de mujer ideal en las noches. Basada en la novela homónima de Joseph Kessel, “Belle de Jour” representó el regreso de Buñuel al cine francés tras los problemas que tuvo con “Simón del desierto”, su anterior película filmada en México, que terminó siendo solo un mediometraje por temas financieros. En “Belle de Jour”, Buñuel sí tuvo libertad creativa. Además de un final muy ambiguo, la cinta intercala escenas de la realidad con las fantasías eróticas de la protagonista, basadas en sus tendencias masoquistas. De esa forma, logra que el espectador analice cada momento de la película para determinar a qué grupo pertenece finalmente: si está pasando en verdad o es un sueño. Esto, junto a los valiosos juegos de cámara, la excelente puesta en escena y sus venenosas líneas de diálogo, hace de “Belle de Jour” una cinta excepcional situada muy lejos del festín vulgar de desnudos que pudo haber sido en manos de otro director. Un amour de jeunesse / Primer amor (Mia Hansen-Løve, 2011) Tercer largometraje de la realizadora Mia Hansen-Løve, que sigue la historia de Camille (Lola Créton) y Sullivan (Sebastian Urzendowsky), quienes cuando tenían 15 y 19 años, respectivamente, vivieron un apasionado romance. Al final del verano, Sullivan viaja a América del Sur, y tiempo después deja de comunicarse con Camille, quien siente que ha perdido al amor de su vida. Años después, ya adulta, Camille sigue la carrera de arquitect[...]



Encuesta: ¿Cuál fue la mejor película peruana del 2017?

2017-12-18T14:56:15Z

Como todos los años, les proponemos la acostumbrada encuesta sobre los estrenos peruanos del 2017. De los 25 filmes presentados en el circuito comercial este año, hemos armado una preselección ...Como todos los años, les proponemos la acostumbrada encuesta sobre los estrenos peruanos del 2017. De los 25 filmes presentados en el circuito comercial este año, hemos armado una preselección de 9 películas, aquellas que consideramos fueron las de mayor interés, tanto para el público como para la crítica y prensa especializada. Estas son las nominadas a Mejor Película Peruana del 2017, ordenadas según su fecha de estreno: El soñador, segundo largometraje del joven realizador Adrián Saba. Se estrenó el 26 de enero. Av. Larco, el musical de Tondero Films fue el segundo filme más taquillero del año. Se estrenó el 30 de marzo. WIK, la ópera prima de Rodrigo Moreno participó en el BAFICI 2016. Se estrenó en Lima el 20 de abril. La última tarde, el segundo largometraje de Joel Calero se estrenó el 27 de abril. Rosa Chumbe, logró el premio a Mejor actriz para Liliana Trujillo en el BAFICI 2016, se estrenó en Lima el 8 de junio. La hora final, sexto largo de Eduardo Mendoza, película sobre la captura de Abimael Guzmán, se estrenó el 14 de septiembre. Pacificum, documental que obtuvo el Premio del Público en el Festival de Lima, se estrenó el 28 de septiembre. La luz en el cerro, ópera prima de Ricardo Velarde, se estrenó el 26 de octubre. El sistema Solar, adaptación de una celebrada obra de teatro, se estrenó el 16 de noviembre. Para votar accedan a la encuesta haciendo clic aquí. Gustavo Borjas tiene su debut en el cine como protagonista de “El soñador”. André Silva es uno de los protagonista de “Av. Larco”, cinta dirigida por Jorge Carmona. Sandra, Zapa y Andres son los protagonistas de “Wik”. Katerina D’Onofrio y Lucho Cáceres, pareja protagónica de “La última tarde”. Liliana Trujillo es “Rosa Chumbe”, filme de Jonatan Relayze. Nidia Bermejo interpreta a la agente ayacuchana Gabriela Coronado, en “La hora final”. “Pacificum”, una aventura marina dirigida por Mariana Tschudi. Manuel Gold y Emilram Cossio en “La luz en el cerro”. Una cena navideña reúne a los personajes de “El sistema Solar”. [...]



[Crítica] Star Wars: Episodio 8 – Los últimos Jedi

2017-12-15T06:44:53Z

El estreno de una película de Star Wars siempre va a ser uno de los eventos más esperados del año. Luego de la divertida pero algo previsible “El despertar de ...El estreno de una película de Star Wars siempre va a ser uno de los eventos más esperados del año. Luego de la divertida pero algo previsible “El despertar de la Fuerza”, las expectativas hacia “Star Wars: Episodio VIII – Los Últimos Jedi” no podían ser más altas, especialmente considerando que Rian Johnson (talentoso director de “Looper”, y de algunos de los mejores episodios de “Breaking Bad”) se ha encargado del guion y de la dirección. No importa qué fuese a pasar, no todos los fanáticos estarán contentos con el resultado final. Está claro que Johnson ha tomado algunos riesgos. Mientras que la cinta anterior era, en muchos aspectos, demasiado parecida a la primera entrega de la franquicia, “Los Últimos Jedi” es extremadamente diferente a lo que se ha visto anteriormente. De hecho, rompe con varios esquemas ya establecidos de la saga, e incluso juega un poco con diferentes conceptos relacionados a la Fuerza, razón por la que muchos fanáticos ya la están declarando como una decepción total. La recepción por parte de la crítica ha sido, en general, positiva, pero la opinión de los seguidores más acérrimos está muy dividida. Pues a este crítico le gustan los riesgos, y aunque “Los Últimos Jedi” se trata de una película algo estirada y, por momentos, un poco disparatada, se trata de una gran entrega de la venerable saga, un filme que se dedica ha introducir giro tras giro, sorpresa tras sorpresa, para subvertir las expectativas de los fanáticos, y desarrollar una historia en la que pasan muchísimas cosas importantes, tanto a nivel macro, como en relación a las películas anteriores. Como le contaba a unos amigos al salir de la sala de cine, siento que he visto tres películas en una. Es imposible escribir sobre la película sin revelar muchos detalles, pero haré lo humanamente posible por no incluir spoilers. “Los Últimos Jedi” comienza pocos minutos luego del final de “El Despertar de la Fuerza”. La Resistencia, liderada por la General Leia (Carrie Fisher) y el comandante Poe Dameron (Oscar Isaac) está evacuando su base en D’Qar, pero han sido interceptados por la flota de la Primera Orden, liderada por el General Hux (Domhnall Gleeson). Mientras tanto, Finn despierta de su coma preocupado por su amiga Rey, y decide ir a buscarla. En el proceso conoce a Rose Tico (Kelly Marie Tran), una mecánica de la Resistencia. Con su ayuda, visitará el casino de Canto Bight, en donde tendrán que encontrar la manera de ayudar a la flota de la Resistencia a escapar de la Primera Orden. ¿Y Rey (Daisy Ridley)? Pues está en la isla del Primer Templo Jedi de Ach-To, en donde el maestro Luke Skywalker (Mark Hamill) se niega a entrenarla; tiene miedo de su potencial, luego de haber fallado con su último alumno, Ben Solo, alias Kylo Ren (Adam Driver). Sin embargo, poco a poco nuestra protagonista logrará convencerlo de que le enseñe las tradiciones de los Jedi; después de todo, necesitará su ayuda para poder regresar donde la Resistencia y por fin vencer a Ren, y a su misterioso maestro, el Líder Supremo Snoke (Andy Serkis). Luke no estaba bromeando en el trailer cuando lo escuchamos decir que “las cosas no saldrán como creen”. Si hay algo que diferencia a “Los Últimos Jedi” de las entregas anteriores de la saga, es que se [...]



[Crítica] “Coco”: sensibilidad y humor a lo Pixar

2017-12-11T05:50:10Z

Derribando muchos prejuicios, la estadounidense «Coco» (Lee Unkrich y Adrian Molina, 2017), trata a los mexicanos y a su cultura con un respeto y una empatía que ha dejado sin ...Derribando muchos prejuicios, la estadounidense «Coco» (Lee Unkrich y Adrian Molina, 2017), trata a los mexicanos y a su cultura con un respeto y una empatía que ha dejado sin argumentos incluso a los más nacionalistas y antimperialistas del país de Frida Kahlo. Camino a alcanzar los 30 millones de boletos vendidos en un país de 100 millones de habitantes, el decimonoveno largometraje de Pixar ha recibido la bendición de crítica y público en México y ya forma parte de su historia como la película animada más exitosa de todos los tiempos. Su éxito es aún mayor en dos aspectos adicionales y extracinematográficos. En primer lugar, rompe un poco, aunque sea simbólicamente, el cerco de desconfianza entre ambos países que viene siendo fortalecido por la política migratoria trumpista de tratar a los mexicanos a partir de sus estereotipos más negativos. En segundo lugar, contribuye a expandir la convicción de que el cine puede abordar cualquier tema desde cualquier punto de vista, pero que necesita hacerlo con humanidad y rigor. Es decir que, por ejemplo, es posible tratar las costumbres más arraigadas de un grupo social —o de la forma en que los otros las miran— sin caer en el prejuicio, el racismo, el reduccionismo, la afrenta o la risa fácil, lo que es una regla de sentido común no solo en las artes sino también en la vida. El día de los muertos Con «Coco» Pixar tomó el gran riesgo de contar desde dentro una festividad costumbrista representativa y muy apreciada por los mexicanos, de origen indígena y ahora sincrética, que además fue declarada por la Unesco como patrimonio oral e intangible de la humanidad en 2003. Lo hicieron llevados por la potencia de la idea de celebrar la muerte, un tópico poco común en la cultura estadounidense, a pesar de que la productora Darla K. Anderson, los directores y la mayoría de integrantes del estudio conocían de este apenas lo que un turista promedio. La sensibilidad demostrada por este grupo creativo en obras casi maestras como «Intensamente», «Up» y «Toy Story 3» los hizo entender fácilmente que lo primero que tenían que hacer para contar su historia era intentar comprender los sentimientos individuales y colectivos detrás de la superficie festiva y atractivamente turística de esa celebración. Para ello, desde 2011, como parte de un proceso que duró seis años, los directores viajaron varias veces a zonas famosas por sus celebraciones del Día de los Muertos, como Michoacán, Pátzcuaro y Janitzio, buscando convivir lo más cercanamente posible con familias de la zona. En esta entrevista, Lee Unkrich, codirector del filme, lo explica con claridad: «Para mí era vital que pasáramos el máximo de tiempo con familias. Teníamos que ser turistas hasta cierto punto porque viajábamos y veíamos diferentes ciudades y pueblos pero quería asegurarme de que no lo viéramos desde el exterior, de que estuviéramos con familias aprendiendo de una forma muy íntima la forma en la que estas personas lo celebraban y cuáles eran sus tradiciones. Queríamos ver el amor de estas familias y cómo interactuaban. Muchas de las cosas que hicimos en la película surgieron de eso. Recuerdo una familia en particular en la que no podía creer la cantidad de generaciones que vivían en una mi[...]



Festival Transcinema 2017: “Zama”, de Lucrecia Martel

2017-12-09T05:34:42Z

En el nuevo filme de Lucrecia Martel no existe el silencio. El sonido tiene presencia y función privilegiada en toda la trama. Este ofuscará. No hay intensión melódica, sino el ...En el nuevo filme de Lucrecia Martel no existe el silencio. El sonido tiene presencia y función privilegiada en toda la trama. Este ofuscará. No hay intensión melódica, sino el de la pura intromisión. El golpe vidrioso y el campaneo, el crujido, el chasquido, un disparo, el azote de las ramas en las botas o en los muslos, el pregón y demás voces en diferente volumen y distancia, que contrasta al susurro (lo provocador) del grito (lo perturbador); ninguno está en compás. El sonido da pauta al desconcierto, estimulado además por su redundancia. Tan reiterativo como el esclavo trayendo recados o el gruñido de un infante emitiendo quejidos en lugar de palabras. Tan repetitivo como el “acto fallido” de personajes duplicando enunciados que dictaron hacia segundos atrás o las insistentes peticiones para su transferencia del corregidor don Diego de Zama (Daniel Giménez) al gobernador. El sonido “barroco” es dialecto que Martel inscribe en este universo. Un eco poco transcendental, pero que, sin embargo, no deja indiferente. Y lo mismo se trasluce en las acciones de los personajes. El atractivo de la directora es consecuencia de la suma de sonidos y hechos; la composición de una creación que desorienta. Dicho esto, no es exacto decir que “Zama” (2017) es un punto de distinción en la filmografía de la argentina. Una película como “La ciénaga” (2001) se aprecia como un todo. Es la sumatoria de actos que otorgan una naturaleza ambigua a sus personajes; mientras tanto, el sonido (el de la lluvia imprevista, el chillido de los bichos en la cercanía de una ciénaga) estimulando esa turbación que agrieta un ambiente nocivo y decadente. “La niña santa” (2004) pueda ser interpretada como una tesis sensorial. Un instrumento “intangible” que emite una musicalidad cautivadora y enigmática sirve como metáfora de un llamado divino, el que por cierto también tiene fines perniciosos. La sola trama de “La mujer sin cabeza” (2008) es la de una mujer extraviada, desconcertada, padeciendo una realidad rasgada. En la fílmica ficcional de Martel prevalece la desorientación argumental y sonora en un sentido subjetivo, hasta abstracto, y “Zama” no es ajena a esa naturaleza. En la historia vemos a un corregidor confinado a un cargo que lo apartó de su familia. Diego de Zama no solo es vapuleado por la ingratitud del gobernante de su localidad ante su petición de ser trasladado, sino que también es perturbado por el acecho de un bandido y agobiado por la indiferencia de una mujer que pone freno a su deseo. Zama se siente desestimado y desorientado en un lugar en el que no quiere estar, y, para colmo, están esos sonidos que lo entumecen, lo sugestiona y confunden más. Toda una serie de eventos patentes y hasta enigmáticos conspiran contra el corregidor. Y aquí otro sello de Martel. Lo enigmático como fuerza sugestiva. Las palabras de un niño recién llegado al corregidor, ¿advertencia o simple delirio por una rara enfermedad?; los criados de un albergue deteriorado, ¿apariciones o simple decorado de un mal pago al corregidor?; el evasivo Vicuña Porto (Matheus Nachtergaele), ¿mito o realidad? “Zama” es sugerente también mediante una[...]



Festival Transcinema 2017: “Mariana” (Colombia) y “António e Catarina” (Portugal)

2017-12-07T00:46:45Z

“Mariana”, de Chris Gude (Colombia, 2017) En algún punto de la frontera entre Colombia y Venezuela, personajes merodean entre el paraje desolador, en donde realizan su rutina de contrabandistas, y ...“Mariana”, de Chris Gude (Colombia, 2017) En algún punto de la frontera entre Colombia y Venezuela, personajes merodean entre el paraje desolador, en donde realizan su rutina de contrabandistas, y de paso se mimetizan con el espacio de aire apátrida. “Mariana” se localiza entre el documental y una ficción plagada de tiempos muertos. El director Chris Gude desarrolla un concepto que me recuerda al de Sharunas Bartas; personajes desterrados asociados a un oficio ilegítimo, una especie de zombis tal vez fantaseando con hallar su lugar utópico, como la Gran Colombia, pero solo encontrándose con ruinas que gestan una metáfora de lo infecundo o no terrenal. Actualmente existe toda una producción sobre la enajenación territorial bajo similar modo de expresión espectral; desde Pedro Costa al cine de Lisandro Alonso, llegando a la reciente “All Cities of the North” (2016), de Dane Komljen. “António e Catarina”, de Cristina Hanes (Portugal, 2017) Existe algo interesante en el filme de Cristina Hanes, más allá de la puntualidad del diálogo entre sus dos únicos personajes. “António e Catarina” consta del registro de tres encuentros acontecidos en un espacio de tres años. Catarina visita a António. Una mujer en sus veinte se relaciona con un hombre a puerta de los setenta años. ¿Cuál es la relación entre estos dos personajes? ¿Es un lazo filial, amical o incluso amoroso el que los reúne? Y como para incrementar la duda de esa vinculación, el tiempo y la edad juegan su rol de alterar el carácter de las personas, especialmente el de António. Es mediante esto que el António del primer año parece una contraposición del tercero. La elipsis del tiempo ha generado un cambio invisible, aunque severo, que afecta a las dos partes. Lo que en principio simulaba una reunión amorosa, para el tercer acto sabe más a una reunión filial. “António e Catarina” no tendrá diálogos transcendentales, pero sabe subrayar sus premisas: la vejez, las relaciones humanas, la soledad. A propósito de este último, es interesante cómo a medida que pasa el tiempo, António mira de distinta forma su entorno. De pronto lo que sucede al otro lado de la ventana, ya no estimula al hombre. [...]



Star Wars: Episodio 6 – El retorno del Jedi (1983)

2017-12-11T05:51:51Z

Puede que esto suene como blasfemia para muchos fanáticos de la saga, pero para mí, “Star Wars: Episodio VI – El retorno del Jedi”, es la entrega más floja de ...Puede que esto suene como blasfemia para muchos fanáticos de la saga, pero para mí, “Star Wars: Episodio VI – El retorno del Jedi”, es la entrega más floja de la franquicia —después de “La amenaza fantasma”, por supuesto. Tediosa, previsible, y muy dependiente de lo adorables que pueden resultar ser los infames Ewoks para algunos, se trata de un filme incluso más parecido a “Una nueva esperanza” que la siempre criticada “El despertar de la Fuerza”, y una conclusión entretenida, visualmente espectacular, pero ligeramente decepcionante para la trilogía original de “Star Wars”. De hecho, recuerdo que de niño, cuando tenía las cintas de VHS de las tres películas originales, “El retorno del Jedi” era el filme que veía con menos frecuencia, y cuando lo hacía, adelantaba varias escenas que me resultaban aburridas. Todo lo que tenía que ver con los Ewoks, por ejemplo, me resultaba insufrible, así como algunas de las confrontaciones (o mejor dicho, conversaciones) entre el Emperador y Luke Skywalker. Cuando la película comienza, C-3PO (Anthony Daniels) y R2-D2 (Kenny Baker) están tratando de entrar al palacio del gángster Jabba the Hutt en el planeta Tatooine. Esto se debe a que él tiene el cuerpo congelado en carbonita de Han Solo (Harrison Ford), y la llegada de los droides no es más que parte de un plan de Luke Skywalker (Mark Hamill) y la princesa Leia (Carrie Fisher) para rescatarlo. Luego de mucha acción e intriga, y gracias a la ayuda de Lando Calrissian (Billy Dee Williams), nuestros héroes cumplen su cometido y logran escapar del desértico planeta. Pero ya en el espacio, terminan dividiéndose: Luke decide regresar donde el Maestro Yoda (voz de Frank Oz) en Dagobah, mientras que los demás se reúnen con la Alianza Rebelde para tratar de decidir como afrontar su más reciente problema. Pues resulta que el Imperio está construyendo una nueva Estrella de la Muerte, y el Emperador Palpatine (Ian McDiamird) ha llegado a dicha estación especial para supervisar los trabajos junto a su aprendiz, Darth Vader (James Earl Jones). Es por ello que los Rebeldes ven una oportunidad para acabar con la nueva Estrella y todos los líderes del Imperio de una vez por todas, pero como pueden imaginarse, nada de esto resultará fácil, y menos ahora que Luke sabe la verdad sobre su padre. El problema principal que tengo con “El retorno del Jedi” es que mucha de la atmósfera y seriedad que funcionaron tan bien en “El Imperio Contraataca” han sido reemplazadas aquí por un tono mucho más familiar e infantil. La resolución de la película es facilista, y depende de una revelación que, hoy en día, tiene sentido gracias a la existencia de las precuelas, pero que en los años 80 debe haberse sentido absurda y apresurada. De hecho, el giro narrativo final está manejado de manera torpe, una instancia que demuestra que Lucas quizás no haya tenido la saga entera planeada desde un principio, pero que mejora (ligeramente) gracias a las explicaciones dadas en “La venganza de los Sith”. Una razón más para argumentar que las precuelas mejoran varios aspectos de las películas originales. Adicionalmente, tenemos a los Ewoks, ositos de pelu[...]



La paisana racista: A propósito del estreno de “La paisana Jacinta: En búsqueda de Wasaberto”

2017-12-11T05:49:08Z

Como producto cinematográfico, «La paisana Jacinta: En búsqueda de Wasaberto» (2017) es un bodrio sin atenuantes. Provista de un guion plano y simplón, personajes mal construidos y prácticamente huérfana de ...Como producto cinematográfico, «La paisana Jacinta: En búsqueda de Wasaberto» (2017) es un bodrio sin atenuantes. Provista de un guion plano y simplón, personajes mal construidos y prácticamente huérfana de dirección, esta película dirigida por Adolfo Aguilar es interesante solo como objeto de estudio antropológico, sociológico o de derechos humanos. En efecto, desde la primera secuencia, aquella en los que se abusa de un dron para mostrar los paisajes de la sierra y una coreografía de baile, notamos a un director con poco oficio, escasos recursos creativos y deficiente manejo del lenguaje cinematográfico. No hay en el tratamiento visual o de la historia diferencia sustancial entre el producto televisivo rudimentario que se nos ha ofrecido por años y este de la pantalla gigante, por lo que la única justificación para ese tránsito debe de haber sido una oportunidad de negocio aprovechada sin ningún escrúpulo. Si no fuese porque la respuesta del público ha sido (in)comprensiblemente abrumadora (cerca de 300,000 personas la vieron en su primera semana, y a estas alturas se acerca ya al medio millón de espectadores), hubiera merecido el mismo destino de todas las películas mediocres que llenan nuestra cartelera comercial: la indiferencia. Racismo estructural Sin embargo, no podemos mantenernos indiferentes ante una obra que refuerza una de las mayores taras de nuestro país, contra la que no han podido ni 200 años de República. En el Perú la discriminación, y en particular el racismo contra amplios sectores de la ciudadanía, son estructurales. Eso significa que son conductas naturalizadas, que persisten como códigos sociales mayoritariamente aceptados. El racismo está tan presente que, como el aire que respiramos, se nos ha vuelto invisible. Pervive en la publicidad, allí donde los encartes y los carteles de Saga, Ripley y Wong se llenan de mujeres y hombres, niñas y niños rubios porque publicistas sin norte están convencidos de que se trata de “publicidad aspiracional”. Está en los cines donde un hombre con traje típico y rasgos andinos es impedido de ingresar porque el personal “cree que entró a pedir limosna”. Está en el Olivar de San Isidro, en Lima, donde un grupo de vecinos firmaron una carta de reclamo al alcalde por permitir que “personas que no son del distrito”, muchas como Jacinta, lo usen como si fuese “un parque zonal”. Está en las performances de los cómicos ambulantes de la calle, tan pródigas en tratar al negro como bruto y ratero, y al cholo como ignorante y ocioso. Y está en la televisión, en horario estelar, en casi todos los programas “de humor” y “reality” en donde se difunde sin rubor un mensaje retrógrado y violento que solo sirve para mantener nuestro subdesarrollo. Así somos y así seremos y hasta nos da risa que así sea. Eso es esencialmente «La paisana Jacinta», un personaje que no nos atrevemos a echar desde hace veinte años. Y deberíamos. La paisana racista Jorge Luis Luren Benavides Gastello (“JB”, 50 años) apareció en los años 90 como uno de los imitadores cómicos más destacados del medio, graci[...]



Conversamos con Nicolas Azalbert, crítico francés de la revista Cahiers du Cinéma

2017-12-04T01:04:48Z

A fines de octubre pasado estuvo en Lima el francés Nicolas Azalbert, crítico y redactor de la revista especializada en cine Cahiers du Cinéma, como invitado al 29° Festival de ...A fines de octubre pasado estuvo en Lima el francés Nicolas Azalbert, crítico y redactor de la revista especializada en cine Cahiers du Cinéma, como invitado al 29° Festival de Cine Europeo de Lima. Tuvimos la oportunidad de conversar con él sobre la mirada de los festivales europeos sobre el cine latinoamericano, la aparición de nuevas formas de producir y distribuir cine, las alternativas para acercar más al público a las cintas de autor, entre otros temas. Nicolas, ¿cómo crees que influye la mirada de los festivales europeos en la producción del cine de autor que se hace en América Latina? Yo estoy muy enojado con el Festival de Cannes, del cual se dice que es el más grande o el más importante. El programador Thierry Frémaux tiene una responsabilidad muy grande, porque cada película que él selecciona da una representatividad del país del cual esta proviene. Por ejemplo, las películas mexicanas que están en Cannes, como las de Amat Escalante, Carlos Reygadas o Michel Franco, para mí son películas obscenas y odiosas, que representan al ser humano como un cerdo. Yo rechazo totalmente esta mirada. Sin embargo, es el tipo de cine que decide mostrar Thierry Frémaux. Y es muy peligroso porque los futuros cineastas mexicanos, cuando ven lo que está en Cannes, se dicen: “Para ir a Cannes, tenemos que hacer lo mismo”. Y eso me parece muy malo. “En Europa, a la gente le tranquiliza ver los clichés que tienen sobre América Latina: violencia, miseria, narcotráfico” Cuando hemos entrevistado a directores peruanos, les hemos preguntado sobre este tema. Por lo general, dicen que ellos son muy libres y que hacen la película que quieren hacer. Entonces es difícil saber hasta qué punto esa influencia realmente se da en los directores latinos. Tengo un ejemplo muy concreto. Cuando Lisandro Alonso estrenó su primera película, “La libertad”, la proyectaron en Cannes, pero con una condición: que Lisandro saque el último plano de la película, en el cual se ve al protagonista riéndose y mirando a la cámara. La organización del festival le pidió sacar ese plano. A Lisandro todavía le duele muchísimo haber aceptado eso, pero obviamente era muy joven. Años después, el Festival de Cannes quiso repetir lo mismo con Lisandro para la película “Jauja”, pero esa vez Lisandro les dijo que iba a cambiar lo que le pidieron, pero no cambió nada y la película se proyectó así. Thierry Frémaux estaba enojadísimo, pero la película se proyectó como se debía. Para mí es inconcebible que un director de festival le pida a un director de cambiar algo a su película. O le gusta la película tal como es y la selecciona, o le molestan algunos detalles y no la selecciona. Pero ahora los programadores de festivales se convirtieron en una especie de dictadores que pueden decidir y hacer lo que quieran. “Las películas mexicanas que están en el Festival de Cannes, como las de Amat Escalante, Carlos Reygadas (en la foto) o Michel Franco, para mí son películas obscenas y odiosas, que representan al ser humano como un cerdo”. ¿Sientes que otros festivales europe[...]



Festival Transcinema 2017: “Did You Wonder Who Fired the Gun?”, de Travis Wilkerson

2017-12-02T22:48:53Z

Travis Wilkerson emprende un viaje personal con una sola motivación: averiguar los hechos que sucedieron aquel día en que su bisabuelo se vio envuelto en la muerte de un hombre. ...Travis Wilkerson emprende un viaje personal con una sola motivación: averiguar los hechos que sucedieron aquel día en que su bisabuelo se vio envuelto en la muerte de un hombre. Sin embargo; lo que inicia como un cuestionamiento a su antepasado, se va abriendo al cuestionamiento histórico de su nación. Y es que para hablar de los antepasados, es preciso hablar de la historia de estos. Alabama, 1946. Tiempo y lugar de un racismo institucionalizado. El bisabuelo de Wilkerson había asesinado a un hombre negro, y nunca recibió pena por eso. La pesquisa a un hecho impune y soterrado, es solo un caso más dentro de la historia. Es natural pues que la ruta de “Did You Wonder Who Fired the Gun?” (2017) vaya revelando otros crímenes, casos comunes y también escindidos. Lo cierto es que por muy difuso que sea alguno, la fechoría es evidente. Así como en “Matar a un ruiseñor” (1962), película a la que Wilkerson hace alusión, se aborda una injusticia colectiva indiscutible. No se precisan de pruebas cruciales para saber que el culpable siempre fue inocente. La diferencia es que en la realidad no existe ni si quiera juicio para la comunidad negra; mientras tanto, los blancos se salían con la suya. En el filme de Robert Mulligan vemos además a un padre amoldando la ética de sus descendientes; Wilkerson reprocha la ética de su antecesor. El director estadounidense juega el rol de detective, pero también el de abogado; uno objetivo. De pronto la palabra bisabuelo se deja de pronunciarse para solo convertirse en un nombre propio: el acusado que mancilló el honor de otros y el de su familia. Aquí no existe el tributo a los lazos de sangre, sino el tributo a las víctimas. “Did You Wonder Who Fired the Gun?” escapa del uso de la fuente puntual y los comentarios academicistas propio de recientes películas que de igual forma abordan el tema del racismo. Este documental se desarrolla mediante una pauta difusa conformada por vestigios abandonados y parientes sin registro. El discurso al que se asocia es maleable. El director se inclina a su eventual estilo de expresión –y de registro–, combinando géneros y modos de enunciación. De pronto su dialéctica evocativa, propia de un diario personal, se irrumpe por un lenguaje escabroso, propio del cine de la conspiración. De repente Travis Wilkerson parece ser transportado a una atmósfera del cine negro, solo que a colores y a plena luz del día. La sola evidencia de que existe una secta maligna dentro del territorio, estimula el suspenso, asfixia al forastero, quien se siente extranjero en su propio terruño. Aprende de primera mano lo que es ser un excluido de un territorio que no ha asimilado los Derechos Civiles. [...]



IDFA 2017: Entrevista con el director del documental mexicano “La libertad del diablo”

2017-11-30T20:40:50Z

El filme mexicano “La libertad del Diablo” (Devil’s Freedom) es un documental estremecedor pero vital, una denuncia contra la indolencia. Un documento artísticamente elaborado desde el dolor. Es el retrato ...El filme mexicano “La libertad del Diablo” (Devil’s Freedom) es un documental estremecedor pero vital, una denuncia contra la indolencia. Un documento artísticamente elaborado desde el dolor. Es el retrato de un país sumido entre la violencia de bandas organizadas y la corrupción de sus gobernantes, presentado a través de los testimonios de víctimas y victimarios, protegidos con una máscara especialmente diseñada para el filme. El director Everardo González cerró el año presentando su documental en el festival de cine documental más importante del mundo, el IDFA, en Ámsterdam. En un momento de descanso me concedió esta nutrida entrevista en la que conversamos de su documental, y con este referente abordamos situaciones afines en Perú y Latinoamérica. “Es una máscara que va adoptando personalidades distintas, que va mutando” Everardo, ¿el recurso de la máscara fue algo predeterminado o surgió con el desarrollo del proyecto? Fue determinado. En realidad nunca hubo una necesidad de guardar el anonimato de nadie. Fue una decisión estética que tenía unas implicaciones éticas y filosóficas. Por eso es este estilo de máscara que se usa. Es un tipo de máscara que va adoptando personalidades distintas, va mutando con las secreciones que provoca el dolor, se va volviendo incómoda pero sobre todo se vuelve permanente en la mente de quien ve la película. Y eso era lo que me interesaba mucho, una imagen que fuera permanente en la memoria. ¿Es una película de terror de la realidad? Sí, así es exactamente, por eso también este estilo de una máscara aterradora que integra a todos en un espacio de miedo. ¿Y qué efectos esperas en los que ven el documental? Primero, creo que se ha logrado algo importante para mí, que era mirar una película con respeto por el testimonio de aquellos que han pasado por procesos tan complejos en la vida y eso se ha generado mucho. Hay un silencio muy particular en las salas que se proyecta. La gente parece que asiste a un réquiem. Hay un respeto por lo que está sucediendo en la pantalla. Después yo quisiera que no solo se pensara en una realidad mexicana sino en una realidad que compartimos todas aquellas sociedades a las que se nos ha inyectado odio, miedo y obediencia que en el fondo son los grandes detonantes para que tengamos sociedades violentas. Entonces, es una película que sucede en el escenario mexicano pero que se puede repetir en muchos otros lugares; Palestina, Ruanda, Congo, Sierra Leona, Liberia, Paris lo ha tenido hace poco con atentados, el mismo EE UU. Y no se diga Colombia, Perú, Bolivia, El Salvador, Guatemala, Argentina durante las dictaduras, Brasil el día de hoy. Entonces eso es lo que cuenta, la realidad, nosotros como sociedades y como ciudadanos violentos, consumidores de la violencia. El director Everardo González (der.) en un Q&A luego de la proyección de su película en el IDFA. ¿La película se desarrolla solo en la parte norte de México, donde están activos los carteles? No, la historia habla de varias provincias del país[...]