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Simplemente Jazz





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Fela Kuti, la leyenda del rebelde incómodo.

Tue, 11 Nov 2008 04:41:00 +0000

  Hace algo menos de un mes, por recomendación de una amiga del Blog, Alejandra, de México, llegó a mis oídos la maravilla que les presento a continuación. Padre y creador del Afro-Beat, genio musical, multi-instrumentalista, activista y preso político, Fela Kuti es una de las voces que mas fuertes ha sonado desde el continente negro. En su música se pueden escuchar desde las improvisaciones y grandes arreglos de bronces propios del jazz americano, hasta esa simple e inocente alegría de la música nativa de su querida Nigeria, siempre con un contenido social relevante y en primera línea, que lo llevó a estar preso varias veces y a perder a miembros de su familia producto de la opresión dictatorial. Aún así, lo que más llama a escuchar a Fela son las grandes composiciones sobre líneas simples pero llenas de potencia y ritmo, que lo hicieron transformarse en el inventor de uno de los verdaderamente auténticos ritmos de la década del '70. Les dejo un artículo muy interesante publicado en el diario El País, autoría de Sergio A. Manrique. Finalmente un par de temas, ambos bastantes largos como casi todos los del nigeriano (aprox. 15 min. cada uno). En tiempos donde el derrumbe económico nos demuestra que el dinero y poder corrompen, siempre es bueno recordar a los soñadores, a los verdaderos artistas, quienes entregan su esfuerzo por un mundo mejor y no para llenarse los bolsillos de dólares. Alex.- Tenía 59 años cuando dejó de respirar, el 2 de agosto de 1997, en la ciudad de Lagos. Su muerte fue sórdida: se negaba a reconocer la causa de sus dolencias ("el sida es una enfermedad del hombre blanco") y sólo recurrió a tratamientos tradicionales. Testarudo, una de sus últimas canciones atacaba el uso higiénico del condón como contrario a la cultura africana. No veía relación entre su promiscuidad -llegó a tener 27 esposas- y el sarcoma de Kaposi que acabó con su vida. Sólo tras el entierro, que convocó a un millón de nigerianos, su hermano mayor hizo pública la naturaleza de su mal. Fela Kuti se escapa de nuestros esquemas. Fue un cantante de protesta, con todo lo que eso comporta en un régimen dictatorial como el de Nigeria. Sus piezas señalaban con el dedo los vicios de la sociedad poscolonial, ensañándose especialmente con los militares. Los uniformados demostraron su proverbial falta de cintura y le encarcelaron en varias ocasiones, por delitos que iban desde la tenencia de divisas a la posesión de marihuana. En 1977, tras popularizar el burlón Zombie, mil soldados arrasaron su República de Kalakuta, la comuna de Lagos donde vivía y trabajaba. Hubo violaciones y palizas; la madre de Fela murió a consecuencia de las agresiones. Pero Fela merecía algo más que solidaridad. Su afro-beat era arrebatador: un espeso potaje de funk, jazz y ritmos nigerianos, base para excitantes expediciones donde Fela tocaba teclados y saxos, aparte de cantar en pidgin, el inglés de la calle, o en yoruba, una de las lenguas nigerianas. En la música, no aceptaba compromisos. Ajeno a la idea occidental de la canción breve para la radio, editaba elepés con un tema por cada cara, que podían durar hasta 30 minutos. Cuando Motown quiso contratar sus servicios, se negó a considerar la idea de recortar su música. Típicamente, rechazó firmar -le pagaban un adelanto de un millón de dólares- con el potente sello estadounidense, tras consultar con un hechicero. Sus arrebatos eran temibles. Aunque trabajó con músicos blancos como el baterista Ginger Baker, se enfrentó con Paul McCartney en 1972: el ex beatle alucinó al escucharle ("la mejor banda en directo del mundo"), pero Fela se presentó en el estudio de Lagos donde grababa para recriminarle que qu[...]



Muere Richard Wright, fundador de Pink Floyd

Mon, 15 Sep 2008 21:01:00 +0000

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Si bien este es un blog de jazz, no puedo hacer menos que sumarme al triste luto por la pérdida de uno de los grandes tecladistas que haya tenido el rock progresivo, el gran Rick Wright, miembro fundador de una de mis bandas favoritas, Pink Floyd.

Será extrañado por muchos, olvidado por pocos.

Alex.-

El tecladista Richard Wright, miembro fundador de la legendaria banda de rock británica Pink Floyd, falleció a los 65 años víctima del cáncer.

Wright figuró en el primer álbum del grupo, "The Piper at the Gates of Dawn", grabado conjuntamente en 1967 con Syd Barret, Roger Waters y Nick Mason. De su autoría son piezas incluidas en varios álbumes clásicos de la banda como "The Dark Side of the Moon" y "Wish You Were Here". Un portavoz del fallecido músico señaló que su familia "anunció con gran tristeza que Richard murió después de una corta lucha contra el cáncer". El vocero no específico que tipo de cáncer padecía el pianista y tecladista.

Separación y reunión

Wright conoció a Waters y Mason cuando estudiaban Arquitectura en Londres. Juntos fundaron en 1965 "The Pink Floyd Sound" (como se llamó originalmente la banda) y también participaron en agrupaciones previas como Sigma 6. Pronto se convirtieron en referentes de la escena sicodélica londinense, anotándose un éxito con su disco debut en el que Syd Barret tuvo un papel protagónico. Barret abandonó la banda poco después del ingreso de Dave Gilmour en 1968. En la década siguiente la banda alcanzó una popularidad legendaria con discos como "The Dark Side of The Moon", que permaneció en la cartelera de Estados Unidos durante más de una década. Entre las contribuciones de Wright a ese album se incluyeron "The Great Gig in the Sky" y "US and Them".

La última reunión

Wright dejó Pink Floyd tras una pelea con Waters durante las sesiones de grabación de "The Wall" y no participó en "The Final Cut". El músico volvió a unirse a la banda en 1987, cuando pasó a ser liderada por el guitarrista David Gilmour y ya no contaba con la presencia de Waters. Wright, conjuntamente con Gilmour y Mason, continuaron dando giras como Pink Floyd. Su último disco de estudio, "The Division Bell", fue editado en 1994. En 2005 la banda se volvió a juntar por primera vez en 24 años para participar en el concierto de beneficencia "Live 8", que se llevó a cabo en el Hyde Park de Londres. Este mismo año Gilmour le insinuó a la BBC que el grupo podría reunirse otra vez para un concierto especial, pero descartó la posibilidad de otra gira.

Fuente: BBC




Medeski Martin & Wood nuevamente en Santiago!

Mon, 01 Sep 2008 05:03:00 +0000

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Mientras todos andan vueltos locos tratando de comprar entradas de valores estratosféricos para ver a una señora cincuentona cantando pop en un estadio de fútbol, tranquilito por los palos se aproxima un show de verdadera calidad mundial. Si señores. Una vez más tendremos la fortuna de contar en nuestra humilde ciudad de Santiago con estos monstruos del jazz norteamericano. Se trata del trío de jazz de vanguardia Medeski Martin & Wood. Ya hicieron de las suyas en el teatro oriente hace un par de años, y quienes tuvieron la suerte de asistir a ese evento, no me cabe la menor duda de que ya tienen comprada su entrada. Simplemente les puedo decir que es el mejor concierto de jazz al que he asistido. La capacidad de improvisación, el entendimiento y sincronismo entre los tres músicos, y la habilidad de fusionar el jazz de vanguardia, soul y funk de una manera única, son razones de sobra para pagar las luquitas, que lamentablemente en esta oportunidad son bastantes (la más barata a $14.000). Pero les aseguro que no se arrepentirán, mas que un gasto es una inversión.

Anote:
Medeski Martin & Wood
16 de septiembre - 21:00 Hrs.
Teatro Oriente, Providencia.
Entradas a la venta por Ticketmaster
Precios: De $14000 a $24000
Valores no incluyen cargo por servicio (sin cargos en boleterías del teatro)

Les dejo un par de videos para que sepan de que se trata,
Salu2, nos vemos allá! 
Alex.-

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Comentario de disco / A.M.O. Triyecto

Thu, 01 May 2008 22:35:00 +0000

Adentrarse en el género de Fusión puede ser peligroso. Abarca mucho y, por lo tanto, en ocasiones no es raro oír experimentos sonoros fácilmente olvidables. Claro, de ser tratado con inteligencia y talento, puede entregar grandes producciones. A.M.O. Triyecto es el primer disco del trío de jóvenes músicos integrado por OrionLion en piano, Miguel Fonseca en bajo y André Valenzuela en batería. El disco fusiona el lenguaje jazzístico con la estética del folklore latinoamericano, sobre todo chileno. Podemos encontrar desde ritmos altiplánicos (Vieja, ya viene el sol) hasta trazos de cueca del centro-sur del país –e incluso un guiño a Los Jaivas- (La fugitiva). En su mayoría el disco está bien logrado, si bien a ratos se extraña un sonido más afiatado entre los tres músicos, dando a ratos la impresión de que les vendría bien la inclusión de algún otro instrumento melódico, ya que el estilo en que Orion ejecuta el piano, si bien es muy interesante, deja algunos espacios que incomodan al oído (al parecer no suele afirmar sus solos con acordes en la zona más baja del piano). André Valenzuela es un buen baterista, que no abusa en la utilización de recursos en su instrumento y contribuye así a la creación un clima bastante liviano. Esto es destacable en un género plagado de bateristas más preocupados de su propio ego que de la eficacia sonora. Miguel Fonseca es un correcto bajista, que sabe cumplir inteligentemente su rol dentro del trío, arrimándose perfectamente a la batería de Valenzuela y mostrando su talento a la hora de ejecutar solos. Contribuye además con composiciones correctas y que funcionan –como Tal Vez, el tema más cercano a un jazz post bop- pero son sin duda las creaciones de OrionLion las que destacan, siendo este un músico con algo más de experiencia y con un disco ya a su haber. Ciudad de las grúas utiliza inteligentemente progresiones bastante pegajosas, que dan como resultado un sonido fácil de escuchar, y quizás el más comercial del disco. Vals para Catalina –la pista más larga, con 11 minutos de duración- cierra el disco, y esta balada es sin duda el tema mejor logrado, desde su composición hasta la interpretación de cada músico, destacando los matices logrados por el piano de Orion, que da la impresión de tocar con un sentimiento especial esta última pieza. A.M.O. Triyecto es en general un correcto disco debut, claro que con el correr de los años estos jóvenes músicos podrán pulir más su sonido y con la práctica lograr una cohesión que en ciertos pasajes del disco se extraña. Alex W. Levine Arriagada. [...]



El jazz y el sincretismo cultural en el nuevo continente: Hacia una identidad del Jazz Chileno

Fri, 28 Mar 2008 22:18:00 +0000

El jazz como género comienza a aparecer (hay que comprenderlo como un proceso, no algo que sucedió de la noche a la mañana) a finales del siglo XIX en la ciudad de Nueva Orleans, en el estado de Louisiana, Estados Unidos. La situación geográfica de esta ciudad, y el momento histórico son dos conceptos fundamentales para entender el nacimiento de esta forma de arte. Se hace por lo tanto necesario un poco de historia para poder entender su surgimiento. En los tiempos en que Louisiana era colonia francesa, su capital, Nueva Orleans, se encontraba en mano de españoles. La ciudad seguirá bajos su dominio hasta 1800, antes de pasar a Francia, por un breve periodo, de 1800 a 1803. En esa época se produjo una gran afluencia de esclavos provenientes de las islas del Caribe francesas y españolas, así como de la isla de Trinidad. Despues de la compra de Louisiana en 1803 por el presidente Jefferson, las culturas caribes, hasta entonces limitadas a este estado, penetran lentamente en las otras regiones del país. Pocos años después, se organizan las primeras danzas y manifestaciones musicales al aire libre en torno del Congo Square en el centro de Nueva Orleans. La gama desplegada se extiende desde las músicas africanas que han resistido el proceso de asimilación, hasta las melodías francesas y españolas mezcladas con ritmos africanos. Las constantes llegadas de refugiados del Caribe y de músicos europeos y sudamericanos daban colores más vivos a ese abanico. Luego de un tiempo de armonía, la segregación racial implementada en Estados Unidos en 1896 produce un profundo cambio en las costumbres musicales y culturales afroamericanas, en palabras del sociólogo Raymond Burke “cuando las autoridades prohíben la práctica pública de las danzas, los negros (y con ellos sus músicos) se refugian en las tabernas, abandonan los instrumentos africanos y toman los de los blancos: el piano y la corneta”.[i] Por lo tanto, Nueva Orleans funciona durante el siglo XIX como un caldo de cultivo en donde confluyen diferentes influencias culturales, desde los esclavos africanos, los músicos populares y clásicos de Europa (sobre todo de España y Francia), y los ritmos sudamericanos y caribeños, a los cuales nos referiremos como “latinos”. Bajo este punto de vista, sería un error pensar que el surgimiento del jazz años más tarde se debe sólo a la influencia negra. Nueva Orleans es uno de los tantos ejemplos del sincretismo cultural que suceden en el nuevo mundo, en donde es imposible disminuir el resultado sólo a una parte, a un elemento particular, que si bien tiene una gran influencia en el resultado final, no lo es todo. Es verdad que gran parte de las percusiones y ritmos africanos, además de algunas armonías, formarán la columna vertebral del jazz, pero el uso del sistema cromático europeo y el sistema de escritura musical, con sus respectivos tonos y medios tonos, o de instrumentos surgidos del viejo continente y ocupados en la música docta (como el piano o el contrabajo) o popular (como la guitarra española) son solo dos ejemplos claros y sólidos de la importancia que tendría el viejo continente en la aparición de la música de Nueva Orleans, ya sea el ragtime, el blues o el jazz. Incluso, como plantea Berenice Corti, el jazz no es siquiera el reflejo de un momento particular de la sociedad norteamericana como un todo, sino el resultado de esta confluencia de culturas en un sitio particular y un momento determinado. El jazz adquiere su valor en tanto reflejo de una nueva realidad, la realidad americana[ii], en la cual se integran muchas raíces provenientes de distintos lugares del mundo para formar una nueva realidad, que si bien las integra, busca ante todo una personalidad, una identidad propia que reúna e identifique a los habitantes como pertenecientes a este nuevo lugar, a este momento particular. Es imposible entonces pensar el jazz como un género esencialmente negro. El jazz de[...]



Somewhere in California...

Wed, 20 Feb 2008 01:06:00 +0000

Les dejo a continuación uno de los cortos de la película “Café y Cigarrillos” del director Jim Jarmush (Flores Rotas), titulado "Somwhere in California". Acá podemos ver a dos grandes referentes de la cultura musical popular norteamericana, nada más ni nada menos que a Tom Waits -un tanto rayado- y a un desconcertado Iggy Pop, en una conversación algo delirante. Imperdible.
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Alex.-




La elegancia de Marlango

Mon, 18 Feb 2008 18:50:00 +0000

Recuerdan a la bailarina en coma del filme “Hable con Ella” de Almodóvar? Bueno, aparte de ser una excelente actriz española (para verla, les recomiendo la película “Inconscientes”), es la frontwoman del grupo Marlango, quienes introducen en su música influencias de Tom Waits y una buena pizca de Jazz, con una propuesta que destaca por la elegancia y efectividad de sus composiciones. Les dejo un artículo aparecido en el diario El País sobre ellos para que lo revisen, y un par de temas para su escucha.Saludos,Alex.-Leonor Watling nació el mismo año en que Tom Waits publicaba su directo Nighthawks at the Diner, aunque no sería hasta 1979 cuando Waits cantase el tema que diese nombre a la futura banda de la actriz de Hable con ella. Leonor Watling tenía cuatro años y la canción hablaba de Suzie Marlango, una chica de jersey de angora que volvía loco a Waits en Nueva Orleáns. Siendo niña, Leonor aspiraba a ser bailarina, aunque con los años se encaminó al cine. Marchó a Londres a estudiar en el Actors Center, y a su regreso inició una etapa de televisión que desembocó en el cine. Primero se estrenó en Jardines colgantes y luego vino su consagración en La hora de los valientes (1998), de Antonio Mercero y por la que fue candidata al Goya como mejor actriz protagonista. La actriz reconvertida a cantante lidera un proyecto tan bonito como eficaz. Pero en esta conversión tiene mucha importancia Alejandro Pelayo, pianista cantabro y trotamundo de las teclas. Tras su paso por el Julliard School de Nueva York, Alejandro paseó sus composiciones por locales de Dublín y Madrid. Hasta que se cruzó con Leonor. El génesis de la historia arranca frente a un piano hace diez años. Ella y Alejandro pusieron las bases de lo que sería su primer trabajo. Luego, el tiempo, los azares y los ratos libres hicieron el resto. En 2002 Óscar Ybarra trasladó su residencia de Nueva York a Madrid, oyó la maqueta y se incorporó a la banda de trompetista. Dos años después salía Marlango, un disco que presentan por España, Portugal y visita el Pabellón de la Expo de Japón, allí vendieron 20.000 copias y fueron recibidos por el primer ministro. Su música tiene la virtud del pincel, se oye, se disfruta y se dibuja. Son sonidos oscuros de local de humo denso y cerveza en el suelo, sonidos que pueden ser la banda sonora de una película de David Lynch o de una novela de Paul Auster. Reminiscencias jazz que les valieron para actual en el festival Jazzlandia El éxito del grupo camina paralelo a la buena estrella de Leonor como actriz. Y aunque ninguno tiene al grupo como su actividad principal, Óscar por ejemplo toca con Los Coronas y ha producido el último trabajo de Marlango, todos lo reconocen como el lugar en el que disfrutan, su sitio de recreo. Tras despachar 100.000 copias de su primer disco en 2005 presentan Automatic Imperfection. Un trabajo acogido con expectación e interés, tan grato para los oyentes exigentes como exitoso en copias despachadas. El pasado 2007 se publicó The electical morning, su tercer trabajo que ahora presentan en gira española. "Este disco, por ejemplo, es un disco de momentos, es un disco polaroid", declara Óscar, hay más sonidos y es más experimentado. Han madurado y crecido en el mundo de la música. Se ha perdido el pudor y la inocencia de los primeros trabajos, pero se ha ganado ironía y perspectiva. Si la calle moldea a los buenos futbolistas, la carretera lo hace con los músicos. Y al final sacan tiempo para trabajar, para dar cincuenta conciertos al año, para colaborar con amigos y para grabar temas nuevos. Y todo empezó por la chica del jersey de angora, Suzie Marlango. [...]



El jazz se quedó sin Oscar Peterson

Sun, 13 Jan 2008 18:03:00 +0000

 La Navidad blanca canadiense se ha visto ensombrecida por la muerte de uno de los genios del piano de jazz, Oscar Peterson, quien falleció el lunes 24 de diciembre de un fallo renal en su domicilio, en las afueras de Toronto, a los 82 años de edad. Oscar Peterson había nacido el 15 de agosto de 1925 en un distrito pobre de Montreal y su padre, ferroviario, le permitió convertirse en músico siempre que llegara a ser "el mejor". El pequeño Oscar comenzó a tomar clases de piano clásico a los 6 años de edad. Peterson, uno de los pianistas más virtuosos del llamado "jazz moderno", llegó a ser conocido en todo el mundo por sus solos improvisados de gran rapidez y depurada técnica pianística, que provenía directamente del estilo de Art Tatum. Fue el primer ciudadano canadiense contemporáneo cuya efigie figuró en sellos postales de su país, y recibió el título de Miembro de la Orden de Canadá, la condecoración civil canadiense de mayor prestigio. Gigante del jazz Ello debido en parte a la fama mundial y a la gran influencia que Peterson tuvo sobre músicos de la segunda mitad del Siglo XX. En el año 1949 era un músico totalmente desconocido en los Estados Unidos cuando actuó por primera vez en el famoso Carnegie Hall, de Nueva York. La impresión que causó a público y críticos de jazz fue tan grande, que uno o dos años después ya estaba considerado como uno de los "gigantes" de este tipo de música. Fue el productor y promotor de jazz Norman Granz quien lo contrató para sus famosos conciertos llamados "Jazz At The Philharmonic", que condujeron a la fama y al disco a muchos músicos de comienzos de los años 50. Su estilo personal, que tenía elementos del be-bop con raíces en la tradición pianística desde el Boogie-Woogie, le llevó a grabar decenas de álbumes con tríos, cuartetos y conjuntos mayores. Tocó con la mayoría de los "gigantes" del jazz y participó en todos los más importantes festivales mundiales de jazz. Entre los numerosos músicos con quienes tocó se destacan Ray Brown, Herb Ellis, Stan Getz, Dizzy Gillespie, Milt Jackson, Billie Holiday, Harry "Sweets" Edison, Charlie Parker, Joe Pass, Ben Webster, Lester Young, Barney Kessell, Niels Pedersen, Louis Armstrong y Ella Fitzgerald. Galardones Durante su carrera musical, Oscar Peterson recibió innumerables premios y honores académicos, entre ellos galardones Grammy y la prestigiosa International Jazz Hall of Fame, que sólo se da a los músicos de jazz más influyentes, como Duke Ellington o Charlie Parker. Peterson fue también un refinado compositor. Entre otras obras escribió la elogiada "Suite canadiense", en 1964. Fue también un interesante vocalista de jazz, aunque no cantaba muy frecuentemente. Sin embargo, cuando lo hacía, su sonoridad vocal recordaba mucho a la de Nat King Cole. Canadiense puro Peterson pasó gran parte de su vida tocando en los Estados Unidos y Europa. También realizó giras por Japón y otros países del lejano Oriente. No obstante siempre regresaba a Canadá, país del que se sentía orgulloso En 1960 creó en Toronto --donde se había radicado-la "Escuela Avanzada de Música Contemporánea", pensando en ayudar académicamente a los jóvenes que se interesan por estudiar música. Fue siempre también la estrella de los famosos festivales de jazz canadienses de Toronto y de Montreal (siendo este último uno de los más importantes del mundo). En 1993 un accidente de cierta gravedad le alejó de los escenarios musicales, pero retornó a ellos luego de un corto tiempo, en forma gradual. Sin embargo, hasta el momento de su muerte, nunca pudo volver a usar su mano izquierda como lo hacía antes. Su discografía como pianista, director de conjuntos o simple participante en grupos de otros músicos, supera los dos centenares de álbumes. fuente [...]



Comentario de disco. Fusión Judá – A Paso Firme (2007).

Wed, 28 Nov 2007 04:37:00 +0000

Fusión Judá lleva ya siete años de vida, es un grupo integrado por familiares y amigos, quienes luego de mucha espera, y como ellos mismos afirman producto del “clamor popular”, entregan este año al mercado su primera placa, A Paso Firme, grabada en vivo en la Sala Master de la Radio Universidad de Chile. Un poco más de una hora de música dividida en trece temas, en donde llama la atención a primera vista el uso de instrumentos como el saxo alto y la flauta traversa por su correspondiente manera de trabajarlos en las composiciones, evocando a ratos sonidos más cercanos al jazz que al rock. En su sonido se notan influencias de grupos similares como Fulano o Congreso. Destacable por sobre todo son las percusiones de todo tipo, desde la inteligente batería de Daniel Trujillo (aunque lamentablemente en la grabación se pierde un poco el sonido) hasta las congas y otras percusiones menores, en donde el multi-instrumentalista Juan Montecinos (quien ejecuta además la flauta traversa a la perfección) asombra con un gran dominio del lenguaje fusionista, dando a ratos la impresión de ser el “guaripola” que conduce esta marcha latina. Al escuchar la guitarra de Enrique Vasconcelos y el tipo de distorsión que ocupa, es clara la influencia del Gato Alquinta y el legado que dejó para la música chilena y por sobre todo a los revisionistas de la fusión latinoamericana. Si bien cumple de buena manera su trabajo con la eléctrica, es con la guitarra acústica con la que Vasconcelos logra una calidez sonora que se agradece en los parajes más lentos del disco (como “Viento recio”, tema en el que su hermano Felipe lo acompaña con un precioso trabajo en la melódica) y con la cual le brinda un toque más folk a las composiciones. Si bien Lucas Flores demuestra un excelente dominio del instrumento, a ratos abusa del sonido percutivo de su bajo, momentos en los que tal vez debería tomar un rol secundario (como sucede en “Sigueme”, “Mano de Dios”). En el disco destacan temas como “Bienvenido a mi vida”, en donde el soleo del joven pianista Felipe Vasconcelos y el saxofonista Dany Montecinos le brindan a la agrupación tintes más cercanos al jazz. En ”Sublime Gracia” Juan Montecinos y Enrique Vasconcelos demuestra su talento en variedad de flautas, alcanzando además el grupo uno de los temas mejor logrados del disco con un inteligente uso de las percusiones, junto con “Kamisaki” en donde el rock y los ritmos andinos conducidos por Trujillo, y la potencia del saxo de Dany Montecinos se integran en el tema más consistente de la placa. En este, su primer disco, Fusión Judá demuestra la solidez de sus músicos (se nota que llevan bastante tiempo tocando juntos) y la personalidad que logran aportar cada uno a las composiciones y arreglos. Sólo se extraña a momentos un trabajo más cuidado en el arreglo de algunos temas, o el mejor sonido que podría otorgar una grabación de estudio. Fuera de eso, queda claro que han logrado lo más difícil, como lo es crear una original manera de fusionar tan variados ritmos, desde los australes sonidos de nuestra natal Sudamérica, pasando por el son y la salsa caribeña, el síncope nacido en New Orleans hasta el rock progresivo británico. Un viaje por diferentes tierras, distintas eras, por una ruta que ya recorren a paso firme.Alex Levine.- [...]



Bye Joe...

Wed, 12 Sep 2007 02:54:00 +0000

Joe Zawinul 7 de Julio de 1932 – 11 de Septiembre de 2007 Ya que la vida del hombre no es sino una acción a distancia, Un poco de espuma que brilla en el interior de un vaso; Ya que los árboles no son sino muebles que se agitan: No son sino sillas y mesas en movimiento perpetuo; Ya que nosotros mismos no somos más que seres (Como el dios mismo no es otra cosa que dios) Ya que no hablamos para ser escuchados Sino que para que los demás hablen Y el eco es anterior a las voces que lo producen, Ya que ni siquiera tenemos el consuelo de un caos En el jardín que bosteza y que se llena de aire, Un rompecabezas que es preciso resolver antes de morir Para poder resucitar después tranquilamente Cuando se ha usado en exceso de la mujer; Ya que también existe un cielo en el infierno, Dejad que yo también haga algunas cosas: Yo quiero hacer un ruido con los pies Y quiero que mi alma encuentre su cuerpo. (“Solo de piano”, Nicanor Parra).____________________________________________________ Joe Zawinul, quien saltó a la fama como uno de los creadores del ''jazz fusion'' y tocó con Miles Davis, murió la madrugada del martes, dijo una vocera de un hospital. Tenía 75 años. Zawinul estuvo hospitalizado desde el mes pasado. Una portavoz de la Clínica Wilhelmina de Viena confirmó su deceso sin proporcionar detalles. Su manager, Risa Zincke, dijo que Zawinul padeció un raro tipo de cáncer de piel, según la Austria Press Agency (APA).Zawinul fue reconocido internacionalmente como el tecladista de Davis en exitosos álbumes como ''In A Silent Way'' y ''Bitches Brew'', y fue el eje central tras el llamado ''jazz eléctrico''. En 1970, fundó la banda Weather Report y produjo una serie de discos que incluyen ''Heavy Weather'', ''Black Market'' y ''I Sing the Body Electric''. Tras la desintegración del grupo, fundó Zawinul Syndicate en 1987. Zawinul, quien nació en la capital austríaca de Viena y emigró a Estados Unidos en 1959, es acreditado por integrar al jazz el piano eléctrico y el sintetizador. A principios de este año, viajó a Europa para celebrar el 20o aniversario del Zawinul Syndicate. Se sometió a tratamiento médico al terminar su gira, dijo el mes pasado la Asociación Hospitalaria Vienesa en un comunicado. El presidente de Austria, Heinz Fischer, declaró que la muerte de Zawinul representa la pérdida de un ''embajador musical'' conocido y querido en todo el mundo. ''Como persona y a través de su música, Joe Zawinul será inolvidable para todos nosotros'', manifestó el mandatario en un comunicado. El canciller austriaco Alfred Gusenbauer alabó su ''modo poco pretencioso de tratar al público'' y dijo que Zawinul nunca fue ''cegado por las superficialidades''. ''Dondequiera que tocó, impresionó con su interpretación'', dijo Gusenbauer en un comunicado. El hijo del músico, Erich Zawinul, expresó que su padre no sería olvidado. '' (Su memoria) perdurará'', dijo, según APA. Zawinul tocó con Maynard Ferguson y Dinah Washington antes de unirse por nueve años al gran saxofonista Cannonball Adderley, según una biografía publicada en su sitio de Internet. Con Adderley compuso varias canciones importantes, entre ellas el éxito funky ''Mercy, Mercy, Mercy''. Zawinul entonces realizó una breve colaboración con Miles Davis, cuando éste incursionaba en la onda eléctrica, y Davis debutó en el área con una melodía de Zawinul, ''In a Silent Way''. Los planes del funeral no se revelaron de inmediato, pero el alcalde de Viena Michael Haeupl dijo a la prensa que recibiría una tumba honoraria en la capital. __________________________________________ Otro gigante que perdemos acá abajo, otro que ganan allá arriba.Que envidia.[...]



Christian Gálvez / América Luz

Mon, 10 Sep 2007 04:26:00 +0000

Muchos sabemos lo importante que fue este año recién pasado para Christián Gálvez. El eximio bajista chileno pudo tocar al lado del gran Stanley Clarke, quien impresionado con el talento del muchacho (y créanme, impresionar a Clarke como bajista no es nada fácil), lo invitó a integrarse a su banda para su gira europea, y producto de esto decide su posterior radicación en Norteamérica. Se fue, pero no sin antes despedirse, y claro, lo hace de la única manera que lo sabe hacer: con música. En “América Luz” (2006) Gálvez cambia sus acostumbradas piruetas circenses con el bajo eléctrico por un escenario en donde, a pesar de tener una verdadera big band de apoyo, es mucho más intimista. En su despedida Galvez quiere agradecer a sus raíces, a su tierra, al continente que lo cobijó y del cual obtuvo marcadas influencias en su música, y por esto deja por un momento su clásica tonalidad post-bop a que nos tiene acostumbrados por un disco con marcadas raíces folk-pop, abriéndose a un público mucho más amplio. Sí, somos muchos los que tenemos alguna discriminación con esa palabra “pop” tan relacionada con bodrios como MTV o boy bands, pero si ponen a un músico que desborda talento y con un gran sentido del gusto musical, es un apellido que mucho no importa. En esta oportunidad las influencias del bajista van desde una Samba brasilera hasta el Son cubano, pasando por el obligado Latin Jazz. Además, en palabras del propio bajista, en este disco descubrió un nuevo instrumento, su voz, que a pesar de no ser lo más destacable de su música, sabe utilizar inteligentemente en ciertos parajes del disco. Dentro del repertorio, destacables son “Gente morena”, con un bello arreglo de cuerdas, una pista bastante pegajosa, o la notable “El saltarín”, un latin jazz de tomo y lomo como pocas veces escuchamos de jazzistas chilenos. En la balada “Mi cielito” trabaja una bella línea de bajo acompañada por el seguimiento vocal del mismo Gálvez. En “Zamba pa’ la vida” es donde mejor suena su voz, que inteligentemente acompaña de coros para poder apoyarla. En este disco Galvez nos demuestra otras de sus genialidades como músico, que además de su talento para la composición y arreglos, posee una gran flexibilidad como interprete. Y ojo, “América Luz” no es un adiós, sino un hasta pronto. Alex W. Levine.Les dejo un par de temas ya nombrados arriba, primero "Mi gente morena" y a continuación "El saltarín". Y para finalizar, un video de su reciente presentación en la SCD de Plaza Vespucio a donde tuve la suerte de asistir. No es un tema del disco pero es un clásico "Metrallazo de bajo" de esos que sólo Gálvez puede entregar, asi que vale la pena verlo. [...]



Adiós Maestro: Falleció Luciano Pavarotti

Thu, 06 Sep 2007 07:26:00 +0000

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*A pesar de que este es un Blog dedicado al jazz, creo que la muerte del gran tenor Luciano Pavarotti enlutece a todo el mundo de la música, por lo cual creo adecuado informar esta triste noticia. Descanza en paz, Maestro.
Alex Levine.-

Esta noche, a los 71 años de edad, falleció en su casa el destacado tenor italiano Luciano Pavarotti.

La noticia fue confirmada por su representante Terri Robson. "El gran tenor Luciano Pavarotti murió hoy a las 05.00 hora local (0300 GMT) en su casa en Modena", dijo Robson en un comunicado, donde agregó que "el Maestro luchó una larga y dura batalla contra el cáncer de páncreas que finalmente se llevó su vida".

"A tono con el estilo que caracterizó su vida y su trabajo, siguió siendo positivo hasta finalmente sucumbir a las últimas etapas de su enfermedad", concluyó.

Ayer en horas de la tarde, los medios locales habían dado cuenta del deteriorado estado de salud del artista, que padecía un cáncer de páncreas y cuya condición había empeorado considerablemente.

De hecho, fuentes no identificadas habían asegurado que Pavarotti estaba inconsciente y que sus riñones ya no funcionaban.

Hasta el momento se desconoce cuando será los funerales y donde serán enterrado.

El tenor estrella, que fue operado el año pasado de un tumor en el páncreas, abandonó hace unos días el hospital en su ciudad natal, Módena.

El célebre tenor tuvo que suspender en marzo del año pasado un concierto en Chile, a raíz de su enfermedad. Esa sería la tercera actuación de Pavarotti en Chile. En diciembre de 1991 se presentó ante 20 mil personas en el Estadio San Carlos de Apoquindo; cuatro años después, en enero de 1995, actuó en el Estadio Regional de Concepción, frente a 12 mil espectadores.

EL RECONOCIMIENTO QUE NO ALCANZO A RECIBIR

Luciano Pavarotti recibiría una distinción muy especial: el "Premio per l'Eccellenza nella Cultura Italiana" (Premio a la Excelencia en la Cultura Italiana) que el Ministerio de Cultura en Roma otorgará en su primera edición al cantante, enfermo de cáncer, informan hoy medios locales.

El tenor se había manifestado "conmovido y agradecido", en una primera reacción. "El premio me da la posiblidad de seguir celebrando la magia de una vida para el arte", explicó el cantante.

El honor, que consiste en una medalla honorífica y un diploma, será concedido en el futuro dos veces al año.

Fuente: La Tercera

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Las visiones interiores de Stevie Wonder

Tue, 04 Sep 2007 07:49:00 +0000

  Siempre ha existido una cierta alergia entre los melómanos, especialmente los del lado mas jazzero, a la palabra POP. Me puedo incluir fácilmente entre aquellos, pero recientemente me he dado cuenta de que se puede hacer buena música, vendiendo millones de discos y ganando todo premio que se cruce por delante. ¿En qué me soporto para decir tal afirmación, para muchos aberrante? Dos palabras señores, STEVIE WONDER. Stevie Wonder, así es, ese músico que muchos conocen más por su ceguera o los chistes en torno a esta, que por su música. Nacido como Stevland Hardaway (cáchense el nombrecito, como no ser artista), deslumbró a temprana edad a los ejecutivos de Tamla (Motown) contratándolo a la corta edad de 12 años, bajo el pseudónimo “Little Stevie Wonder”, del cual posteriormente el músico extraería el “pequeño” conservando su nombre artístico. No les voy a dar la lata con su biografía, aunque les recomiendo que la lean (está llena de historias interesantes, como que estuvo a punto de morir en un choque, quedó en coma y respondía moviendo sus dedos sólo cuando su mánager le cantaba al oído la letra de “Higher Ground”, luego de un tiempo despertó pero perdió el sentido del olfato, contando así con solo tres de los cinco para el resto de su vida). Sólo para que sepan de qué les hablo, Wonder es multi-instrumentalista (por lo que sé toca teclados, armónica [como pocos], bajo eléctrico, y batería), es reconocido mundialmente como uno de los compositores mas importantes de la música popular norteamericana, y cuenta con una voz privilegiada. Firmó en los 70s un contrato millonario, el mayor hasta esa época, por 13 millones de dólares por 5 años con Motown. Cuenta con 22 Grammys, un Óscar, y una larga historia de números uno en el Billboard norteamericano y británico. Destaca también el contexto social de su música, en la cual impregna su preocupación por los derechos civiles, sobre todo en la entonces discriminada minoría afro-americana. ¿A qué suena Stevie Wonder?, ¿A quién se parece Stevie Wonder? Simplemente, a nadie. Creó su propio estilo de hacer música popular (como su maestro e inspiración Ray Charles) llevándolo a ser uno de los grande innovadores de la música negra. Personalmente considero que es un ejemplo de vida, que demuestra que los impedimentos físicos son sólo un obstáculo en el camino, pero que con talento y esfuerzo son ampliamente superables. Este tipo tiene un DISCAZO con mayúsculas, que es “Innervisions” del ’73. No acostumbro a subir discos pero haré una excepción ya que creo que es una pieza de música que es casi un patrimonio de la humanidad, uno de esos discos “de isla desierta”. Escuchen también “Songs in the key of Life” y “Fulfillingness' First Finale”, que componen junto al ya nombrado el llamado periodo clásico de Wonder, sin duda el mejor del músico. Bájelo, no sea… Bueno, si aún no se animan, les dejo dos temitas para que se tienten. Para los mas “puristas” les va uno que compuso en honor a Duke Ellington y que aparece en “Songs in the…”, Sir Duke. Y una de mis favoritas, Living for the City, de “Innervisions”. Además un par de videitos con sus amiguis, Tony Bennet y Ray Charles. Señoras y señores, esto es buena música sin apellidos, sólo con un nombre: Stevie Wonder.[...]



Comentario de Discos: Hiromi Uehara - Time Control

Sun, 24 Jun 2007 06:49:00 +0000

 Japón, y en general los países orientales, se han caracterizado por entregar músicos técnicamente muy avanzados pero que a menudo dejan mucho que desear en cuanto a improvisación y swing, ambas características tan propias del jazz, y razón por la cual quizás no hay muchos jazzistas conocidos en occidente proveniente de esas latitudes. Hiromi Uehara es la gran excepción. Criada primero como pianista clásica, fue un encuentro con Chick Corea cuando ella tenía sólo 17 años lo que cambió definitivamente su switch hacia el jazz. Poco después viajaría a la prestigiosa escuela de Berklee en Boston, EEUU, para desarrollar sus cualidades como pianista y compositora. Su primer disco fue una verdadera revelación para el mundillo del jazz y la colocó como la virtuosa más importante dentro de su instrumento en el estilo (por favor, nadie nombre a Diana Krall o Norah Jones). Su ópera prima, Another Mind (2003), es un fantástico disco en donde demuestra de forma sensacional sus grandes dotes como pianista, pero aún más, las alucinantes composiciones que esta tímida asiática de entonces sólo 23 años fue capaz de realizar. Composiciones que tanto en calidad como en rapidez, quizás se pueden esperar de músicos con vasta experiencia en el género. Luego vendría un disco con tonalidades funkys, Brain (2004), y otro más centrado en la balada jazz, Spiral (2005), ambos de también calidad superior. Time Control (2007), al igual como pasa con los tres anteriores, es absolutamente distinto. Mucho más centrado en la precisión y la sincronización entre los músicos (quizás de ahí su nombre), tiene un formato que lo puede acercar más a la experimentación progresiva (Time Difference, Time Control), aunque también destacan bellas baladas en donde la guitarra del maestro David Fiuczynski se encarga de entregar virtuosos solos (Time Travel). Es un disco fresco, en donde la pianista demuestra una faceta menos purista que en sus anteriores esfuerzos, y en donde se consolida como una talentosa compositora, con grandes capacidades creadoras (no olvidemos que prácticamente desde el 2003 viene sacando un disco por año, algo poco usual en el jazz). Además de la estrella que es Hiromi, la calidad de estos cuatro discazos no sería posible de no ser por los tremendos músicos que la acompañan. En la batería aparece Martin Valihora, músico eslovaco (también de las aulas del Berklee) que puede ir desde una ametralladora a la Deniss Chambers, hasta una sensibilidad mucho más bop cuando las baladas lo precisen. En el bajo un inglés con mucho groove y rapidez de ejecución, pero nunca tan astringente como un Victor Wooten, como buen británico mantiene una elegancia característica. Finalmente, el ya nombrado David “Fuze” Fiuczynski, maestro de las seis cuerdas de bastante bajo perfil pero muy apreciado por los otros guitarristas (tiene un disco en donde Medeski, Martin & Wood hacen de su banda de soporte, algo más que decir?). En resumen, Hiromi Uehara es una jazzista con talento desbordante, que con sus ya cuatro discos, cada uno diferente del otro pero iguales en virtuosismo, trae vientos de cambio al jazz fusión, y amenaza con convertirse en una tormenta. Para que la cosa sea justa y puedan apreciar la variedad de estilos que entrega esta chica, les dejo un video por cada álbum en orden sucesivo. XYZ de su primer disco Another Mind, Kung-Fu World Champion del segundo Brain, Reverse de Spiral y finalmente Time Out del recién salido del horno Time Control. [...]



Los sonidos marinos de Steve Turre

Sat, 19 May 2007 05:53:00 +0000

“Con esto ya lo he visto todo” es una frase cliché que es cada vez menos aplicable al jazz. Hemos visto, desde los inicios del fusión, o incluso remontándonos a la época dorada del latin jazz (con Dizzy Gillespie tocando con Chano Pozo) como se han ido integrando decenas de nuevos instrumentos continuamente al escenario y estudio del músico jazz. Hace unos tres años, nos visitó en Santiago el arpista colombiano Edmar Castañeda, quien junto con el grupo brasileño Trío da Paz nos dejo a muchos impresionados como un instrumento tan folk como el que ejecutaba, podía quedar tan bien en una formación jazz si se contaba con el talento requerido. Bueno, y que hablar otros instrumentos, steel drums, armónicas, melódicas, diferentes tipos de flautas, saxos contrabarítonos, oboes, clarinetes bajos, cornos ingles, entre muchos otros que no fueron diseñados para el jazz, pero que con éxito o no mucho, se intentaron introducir. Hace ya unos 7 años que tengo un increíble disco de jazz, con Dizzy Gillespie a la cabeza de un selecto grupo de músicos, entre ellos Paquito D’Rivera, Arturo Sandoval, Flora Purim, Airto Moreira, Claudio Roditti, en fin, un “all stars” de músicos latinos, tocando en vivo en el Royal Festival Hall de London. 4 años atrás encontré su versión DVD en una disquera y no dudé en comprarlo. Había un tema que siempre me intrigaba, ya que no podía percatarme que instrumento sonaba. Al ver el DVD, por fin pude darme cuenta de qué sonaba: Una concha de caracol! Raro instrumento, si es que se le puede llamar así, pero sonaba excelente dentro del grupo. El responsable: Steve Turre, un estadounidense descendiente de mexicanos, pueblo del cual serían originarios estos particulares sonidos. El gringo es un excelente tromobonista (fue titular de la banda de Saturday Night Live) y bien que sabe soplar estos reacondicionados vientos surgidos desde el fondo del mar. Si quieren escucharlo centrado en esta beta, consíganse el disco “Sanctified Shells”.   A continuación una breve bio extraída del sitio apolo y baco. Después de estudiar música en la Universidad durante la segunda mitad de los años sesenta, el trombonista Steve Turre, empezó a actuar en San Francisco con el multiinstrumentista Roland Kirk en 1970. Se pasó toda esa década alternando apariciones y encuentros con Art Blakey y sus Jazz Messengers en 1973; con Thad Jones y Mel Lewis al año siguiente, con Woody Shaw en 1974 y con Chico Hamilton en 1975.      A finales de los setenta estuvo de sideman con el maestro Ray Charles, con el bluesman Van Morrison y con otros artistas relacionados con el rock. Sus grabaciones para la Blue Note con Chico Hamilton y para el sello Muse con Woody Shaw fueron lo mas destacado de esa frenética actividad musical. También fue muy destacable su participación con la "Thad Jones-Mel Lewis Big Band" en el festival de jazz de Monterey.      En los años ochenta su prestigio aumentó cuando participó con los grupos Dizzy Gillespie United Nations Orchestra, con la Lester Bowie's Brass Fantasy y con la The Timeless All-Starts. En 1995 volvió al festival de jazz de Monterey y a su nombre comenzó a grabar discos en 1987 con el sello Stash; con el sello Verve, entre 1995 y 1999; y últimamente con el sello Telarc, entre 2000 y 2003. Con éste ultimo sello firmó en 2001, el que muchos consideran su mejor álbum hasta el momento de titulo: TNT (Trombone-N-Tenor).   Temitas los que les dejo: “Dizzy Shells”, del conciertazo del que les hablé con Dizzy Gillespie.   Y "All Blues", en un programa de TV norteamericano.   Saludos, Alex W. Levine.-[...]



Pulso + Jazzimodo en el Club de Jazz

Mon, 12 Mar 2007 19:53:00 +0000

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Medeski Scofield Martin & Wood / Out Louder

Wed, 28 Feb 2007 20:38:00 +0000

El ascenso de Medeski Martin & Wood (MMW) al Olimpo del jazz fue vertiginoso e inesperado, sobre todo para ellos. Se juntaron casi de casualidad para tocar un día como cualquier otro en Brooklyn, y de inmediato la química del trió apareció, un tipo de jazz juguetón, fresco y de mucha potencia surgió de la mezcla de los tres entonces desconocidos músicos. Ya han pasado 16 años de eso, y hoy podríamos decir que es uno de los grupos más relevante de la fusión mundial. Sus discos (en su mayoría impecables) integran ritmos latinos, del funk y el blues con la electrónica y principalmente, claro, el jazz. Es un grupo que supo realizar un crossover a un público menos purista, agradando a auditores en su mayoría joven y no siempre tan conocedor del tema. En su último disco de estudio, integran en sus filas a uno de los guitarristas más perfectos técnicamente y con un estilo, que al igual que ellos, es absolutamente nuevo dentro de lo que se conocía antes de su aparición, por supuesto hablo de John Scofield. No vale la pena mencionar la importancia de este último en la renovación del jazz norteamericano de los últimos 12-15 años, junto con figuras como Metheny o los hermanos Marsalis entre otros. El guitarrista ya había grabado un disco acompañado por el trío, pero justamente es acá en donde surge la diferencia entre el ya nuevo clásico A Go Go (1998) con Out Louder (2006). En el disco de hace ya 9 años, Scofield llevaba las riendas, ocupando sus composiciones y arreglos propios, y utilizando a MMW como una banda de apoyo, en cambio en su más reciente placa, es un integrante más del cuarteto. Esto sin duda es un factor positivo para los auditores, ya que el nivel de composiciones de Medeski y la calidad de arreglos del trío son una suma perfecta al talento de Scofield. Se nota de inmediato, sobre todo en la sección rítmica, donde el trío mete mucho más la mano que en A Go Go. Destaco sobre todo el feeling de la sección rítmica, Wood en los graves y Martin en las percusiones son los que hacen la diferencia en este tipo de fusión, bastante fresca y ligadas a ritmos modernos, como el funk y la electrónica. En fin, un disco redondo, de lo mejor que salió el 2006. Sin duda estos son músicos para escucharlos en vivo, como ya pudimos apreciar al trío neoyorkino en marzo del 2006, y a Scofield hace muy poco en el Providencia Jazz (enero del 2007). Les puedo decir que son dos de los mejores conciertos a los que e asistido, mejor ni pensar escuchar al cuarteto en vivo, sin duda debe ser asombroso. Recomendación absoluta escuchar previamente A Go Go para hacer las comparaciones de rigor. Los dejo con un breve análisis de los temas del disco, y algunos audios para que puedan apreciar el sonido de la placa. 1. Litttle Walter Rides Again El disco comienza con un tema bien funky, en donde destaca el ritmo groovie que marca la batería de Billy Martin y la ya acostumbrada frescura del Hammond de Medeski. Este tema demuestra lo bien que funciona Chris Wood en el bajo eléctrico por sobre el acústico en este tipo de fusión mas juguetona, un poco mas animada a lo que son los primeros y últimos discos del trío, de cortes mas ambientales. 2. Miles Behind Quizás una respuesta al “Miles Beyond” de la Mahavishnu Orchestra, es un tema de un corte mas rockero, con Scofield gritando wha whas a través de su Gibson Signature, apoyado sobre el Fender eléctrico de Wood, un tema de tempo bastante acelerado, con distorsiones en prácticamente todos los instrumentos. Un lucimiento para Scofield y digno tributo fusionista a su alguna vez mentor y jefe, Miles Davis.[...]



Providencia Jazz 2007: 3° Noche (Tube Factory & John Scofield)

Sun, 11 Feb 2007 23:48:00 +0000

Y llegó la última noche del Providencia Jazz, con dos bandas internacionales, una que prometía y otra que con solo oír los nombres del trío ponía los pelos de punta. La velada comenzó con una desconocida banda (por lo menos para mi), "Tube Factory", desde Finlandia. Hablando con amigos, muchos coincidimos en que sólo por el nombre deberían ser algo así como los potentes "Pink Freud", una buena banda fusión salida de tierras nórdicas. Gran decepción, los de Tube Factory no podrían tocar un jazz más tradicional, un gélido aporte para esta versión del festival. Pasaron rapidito y sin gloria. Estos grupos hacen pensar, ¿para qué traer gente de tan lejos, si acá en chile hay por lo menos 30 músicos de jazz que podrían igualarlos y fácilmente superarlos (tanto en composición como en ejecución)? Bueno, no fueron más que una fría previa para el plato de fondo de la noche y de todo el festival.Luego de unos 15 minutos de interrupción entraron en escena entre un mar de aplausos el nuevo trío de John Scofield (lo estrenaba acá en Chile). En la batería el mas joven pero para nada por esto sólo una promesa, Kendrick Scott es una máquina en los paños, algo así como un Dennis Chambers con un gran sentido del swing, un verdadero talento a sus escasos 26 años. En el contrabajo, un líder natural y quizás el mejor contrabajista del medio jazz en el mundo, John Patittucci. Este ya experimentado contrabajista (Chick Corea Electric Band) es simplemente alucinante para verlo tocar en vivo, tiene una rapidez en el mástil que es asombrosa si pensamos que no se equivoca prácticamente nunca, una máquina el gringo, a quien ya lo pudimos apreciar hace un tiempo en nuestra capital cuando vino con Wayne Shorter. Muchos pensaron, porqué no se llamara "Patittucci trío", y bueno, es que el cabecilla de todo esto no es ni mas ni menos que uno de los mejores guitarristas de jazz del mundo, el maestro John Scofield. Scofield creó un sonido absolutamente diferente dentro de lo que es la guitarra jazz, comparable con pocos, como Django Reinhardt (con su jazz gitano), Wes Montgomery (el gran exponente del estilo "octavado"), o Pat Metheny (con la melosa "synth guitar"). Su forma de tocar con acordes "al borde", en un tono bastante crudo comparado con la clásica guitarra cálida del jazz, y composiciones llenas pegajosos de ritmos funkys y fusionados, lo ha hecho ganarse un puesto a los que pocos pueden postular.Los gringos salieron a escena y la vieja frase "El todo es mas que la suma de las partes" tomó sentido en pocos minutos. Scofield no para de renovarse, y a su clásica forma de trabajar las seis cuerdas, agregó una montonera de efectos, con los cuales incluso soleaba consigo mismo (ver video), cosa que al parecer gran parte del público jamás habíamos escuchado, por la cara de impresión de muchos, Scott a su vez manejaba la batería como un reloj de cuarzo, y Patittucci nos dejaba a todos con la boca abierta con sus ametralladores soleos. Al verlos en vivo, repasando parte de la productiva carrera del guitarrista, el trío sonaba como una orquesta, la potencia de los tres monstruos llegó hasta el otro lado del río, en donde las galerías colmadas de fanáticos de la buena música se unieron a un Parque de las Esculturas casi repleto para dar un cierre como se merecen estos tres artistas y estos tres días de celebración de la buena música, los buenos artistas y el buen Jazz.Les dejo primero un par de temas clásicos del guitarrista, "Polo Towers" del discazo funky Uberjam, y "Hottentot", del disco A Go Go, en donde se acompañó de los monstr[...]



Gálvez se fué a Yuesei

Fri, 09 Feb 2007 02:11:00 +0000

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Fuente: La Tercera, 7 de Febrero del 2007.

Alex W. Levine.-



Providencia Jazz 2007: 2° Noche (Contracuarteto & Escalandrum)

Mon, 29 Jan 2007 19:06:00 +0000

La segunda noche del providencia jazz era un tanto predecible. Buena música, baja asistencia. Es común ya en las distintas versiones del festival, que los días que tocan músicos menos conocidos la gente menos asiste. Pero grandes sorpresas han surgido de estos menos conocidos para nosotros los chilenos. Pasó el 2005 con Trío da Paz, excelente grupo brasileño radicado en New York, y el 2006 con Pink Freud, a mi gusto uno de los grupos más vanguardistas dentro de la escena del jazz actual, simplemente increíbles.El jueves se presentaban los nacionales Contracuarteto y los trasandinos de Escalandrum. Comenzaron la jornada los chilenos, con los hermanos Félix (batería) y Roberto (contrabajo) del reconocido clan Lecaros encargados de la parte rítmica, y Andrés Pérez (s.tenor) y Cristián Gallardo (s.alto), ambos salidos de la cantera de la Conchalí Big Band, completaban esta extraña formación para un cuarteto jazz. Lo que pusieron en escena es lo que ya muchos saben, cada integrante de esta formación toca a un nivel que los hace competir con cualquier número internacional. Andrés Pérez es una máquina en el tenor, por algo es de los saxofonistas con más proyectos dentro del medio, Félix es reconocido por los mismos músicos y bateristas como un virtuoso en su instrumento. Lo de Cristián Gallardo es otra cosa, este saxofonista está tocando a un nivel realmente impresionante, utilizando su alto como una metralleta de melodías y sonidos perfectamente hilados, que no por su rapidez, pierde la consistencia. Notables los muchachos de Contracuarteto, un verdadero orgullo para la escena santiaguina.Escalandrum es un grupo que tuve la suerte de conocer previamente a que se presentaran en el Providencia Jazz. La sorpresa al escuchar su más reciente LP, Misterioso no es menor, la frescura que introducen a esta música es notable, gracias al notable manejo que tiene la sección rítmica, integrada por el líder y baterista Daniel Pipi Piazzolla, nieto del revolucionario del tango, Astor Piazzolla, y el contrabajista Mariano Sivori. El manejo del tempo de ellos dos es esencial para lo que desempeñan la sección de bronces, con un talentoso Gustavo Musso en el saxo soprano, un impecable Damián Fogiel en el tenor, y lo que hace en gran parte la diferencia en este grupo, el clarinete bajo de Martín Pantyrer. Este instrumento poco usual actualmente en el jazz le da un soporte a los bronces para improvisar que es realmente notable y esencial para esta frescura que brinda Escalandrum(si quieren escuchar un excelente clarinetista bajo, escuchen las pocas grabaciones que dejó Eric Dolphy). El pianista Nicolás Guerschberg, aparte de ser un excelente intérprete, es el autor de la gran parte de los temas, así que su labor en el grupo es esencial. Sincronización perfecta, que a veces podía caer en una falta de improvisación, pero que se sacrifica en parte por la perfección en la interpretación de los temas. Lo argentinos junto con Scofield, me atrevo a decir que fueron lo mejor de esta versión del Providencia Jazz.Esta fue por lejos la más completa jornada del festival, pensando en que ambos números se lucieron y dejaron con una gran sensación a la mayoría de los asistentes, haciéndonos sentir a todos que en este rincón del mundo, el jazz va por muy buen camino. Lamentable que los amantes de esta música que fueron los otros dos días al festival, seguro movidos sólo por los nombre reconocidos de los norteamericanos que se presentaron, no vinieran a esta, hace pensar, realmente a los de las prim[...]



1 Año de Simplemente Jazz...

Thu, 25 Jan 2007 21:44:00 +0000

Y fue hace ya un año, dentro del aburrimiento y el calor de enero del 2006, cuando se me ocurrió comenzar un nuevo blog, un blog de jazz. Era una idea de hace tiempo, el poder escribir sobre uno de los temas que más me apasionan, y el 25 de enero pasado inauguré Simplemente Jazz con un post sobre una breve historia del estilo.

Este año musicalmente ha sido redondo, muchos pudimos apreciar talentos de peso, como Medeski Martin & Wood, Stanley Clarke, Airto Moreira, Frank Gambale, Dave Holland, Scott Hendersson, Jean Luc Ponty, Pink Freud, John Patittucci, John Scofield, Al Di Meola, etc. Una seguidilla de monstruos del síncope que visitaron nuestro país en un año lleno de buena música, sin duda un buen año para comenzar el blog. También pude apreciar la calidad del jazz en Chile, que puedo decir sin dudar que no le debemos envidiar nada a músicos de otras latitudes. Entre ellos, La potencia de Contracuarteto, el free-jazz de la Pacific Ensemble de Martin Joseph, el jazz experimental de Moderfokin, Los excelentes proyectos de Paz Court (The Beatles; y Violeta Parra & Victor Jara), la big band Quintessence, la metralleta del bajo Christián Galvez, etc.

Además tuve la suerte de conocer a los buenos muchachos de Vivojazz, sitio web al que ahora me he integrado a full, con quienes nos la estamos jugando por la difusión del jazz de nuestra capital, Santiago de Chile, y dentro de lo que se puede, del país. Un proyecto que ya va a cumplir un año también y que sin duda ha sido un éxito rotundo. También he conocido gente que ha estado relacionada con el tema, ya sean músicos o simplemente gente a la que le gusta el jazz. Por eso un saludo a Pancho Gallardo, Seba Iturbe, Leo Hernandez, Enzo Vespa, Paz Court, Claudia Aranda, etc. Mis agradecimientos especialmente a todos quienes continuamente visitan el blog, como Karina, Oscar, Gonzalo, Gabriel, Julio, y a todos los que han colaborado para que este lleve ya más de 9000 visitas en estos doce meses.

Y que se viene para el año?, bueno, seguir humildemente con el sitio, posteando cosas interesantes sobre música tanto de nuestro país como del extranjero, poder seguir escuchando buenos números y seguir realizando un trabajo de difusión y educación sobre este tema que a tantos nos fascina y apasiona.

Saludos!

Alex W. Levine.-



Providencia Jazz 2007: 1° Noche (Al Di Meola)

Mon, 22 Jan 2007 17:46:00 +0000

El miércoles pasado fue el día en que se dio inicio al gran vento jazzístico del verano y quizás del año, el festival Providencia Jazz, en su ya sexta versión, este recién iniciado 2007. La parrilla programática era prometedora, el primer día tocaba la gran luminaria de la guitarra fusión de los 70-80 del siglo pasado, el norteamericano Al Di Meola. Se presentaría con su banda, integrada en gran parte por músicos latinoamericanos, en el marco de su gira mundial del disco "Conequence of Chaos". La producción del festival, por el nivel de preparación previa prometía ser mejor que la de otros años, sin embargo una temprana gran decepción fue el lugar destinado a quienes cubríamos el festival, ya que el espacio destinado a los acreditados estaba ubicado directamente a un lado del escenario, motivo por el cual se podía apreciar poco y nada del desempeño de los artistas en escena, detalle a lo menos grave para quienes deben reportear a medios de información sobre esto mismo. Pasando este detalle, a las 21.15 comenzó el festival, con el anfitrión Jorge Aedo dando la bienvenida a los asistentes (si, el mismo otrora numero uno numero uno numero uno numero uno jejeje), imposible no haber tomado en cuenta la pifiadera de la gente ubicada al otro lado del rió al momento de que les pregunto como estaban, claramente una manifestación provocada por el cobro de $1500 pesos por una paupérrima posición, que era lo único gratis que iba quedando en el providencia jazz, un pena pensando que alguna vez era un festival abierto para todo tipo de personas, y no sólo para aquellas que podían desenfundar unos cuantos billetes para escuchar a estos excelentes artistas. Pocos minutos después aparece la estrella de la noche, con su guitarra eléctrica (la misma que usa Santana) y algunos problemas de sonido (jamás se escuchó el bajo eléctrico, a lo más en una par de solos) entregándonos algunos singles de sus más nuevos registros discográficos, y de vez en cuando algún tema un poco mas antiguo y reconocible. No es sorpresa que Di Meola se ha movido cada vez más hacia estilos más populares, alejándose en demasía de ser la alguna vez estrella de Return to Forever, formación integrada por monstruos de la talla de Stanley Clarke y Chick Corea, banda que moldeó el Fusion Jazz post-Miles Davis(junto con Weather Report). No, el Di Meola que vimos es el más cercano al mundo pop, estilo destinado a un público mas fácil y amplio, pero no a los amantes del jazz. Esto se notó por el frió recibimiento que tuvo en un principio ante el público, cosa que cambió sólo con sus dos temas finales, cuando interpretó un tema de Astor Piazzolla, y concluyó la noche con un potente tema fusión de tiempos ya pasados. Buen artista, es cierto, pero quizás el camino que tomó hace ya un tiempo no es el preferido de muchos, entre quienes me incluyo. Lo más rescatable fue poder darse cuenta de los grandes músicos que lo acompañaron, que como ya dije eran en su mayoría sudamericanos, entre ellos de nacionalidad argentina y cubana. A opinión personal, lo mejor de Di Meola fue cuando tomó la guitarra acústica, instrumento en el cual es un máquina expendedora de notas y melodías. El show tuvo una buena duración, aproximadamente dos horas, y dejó a la mayoría del público satisfecho, lejos sí de una quizás esperada efervescencia ante un artista de tal currículum.Les dejo un temón de los tiempos de Di Meola con Return to Forever, "The Musician", de su d[...]



Concierto: Paz Court Trío

Wed, 10 Jan 2007 02:32:00 +0000

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La musica no se detiene. Me toma de la mano y me lleva acelerada por la vida a infinitos lugares llenandome de cada sentimiento y pensamiento posible en lo humano.

La musica no se detiene, y de su mano Este Viernes 12 de Enero , me presentare Junto a Diego Urbano en Vibrafono y Nicolas Rosenthal en Percusiones , en el Bar Thelonious (Bombero Nuñez 336 Bellavista) a las 21 hrs. para repetir lo que fue nuestro homenaje a Violeta Parra y Victor Jara.
Jazz, pop, Folklore y electronica fusionados para rememorar a quienes han sido el pilar de nuestra querida musica chilena.

Los espero invitandolos este año 2007 a adentrarse en este mundo del arte y la musica, a salir a las calles, a engolosinarse, a fluir con la vida y todo lo que lleva dentro y que el arte expresa haciendonos sentir, pensar, vivir.

Un abrazo!!
Paz.-

Paz Court - Te Recuerdo Amanda (Victor Jara)
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Alex W. Levine.-



Claudia Acuña dará concierto gratuito durante Santiago a Mil

Mon, 08 Jan 2007 17:29:00 +0000

Sólo hace algunos días llegó a nuestro país Claudia Acuña, donde de paso aprovechó de cantar una pieza en el club Miles, y hasta esta mañana aún no había certeza del motivo de su visita. Hoy se confirmó que la llegada de la destacada cantante de jazz radicada en Nueva York se debe a que será parte del programa de Santiago a Mil.La noche del sábado 13 de enero, la artista ofrecerá un concierto gratuito y al aire libre en las afueras de la Iglesia San Vicente Ferrer de Los Domínicos (Av. Apoquindo 8600). De esta manera se inaugura la inclusión de la música durante el ya tradicional festival de la cultura que domina las actividades de enero.Lady croonerPero no sólo se trata de un concierto habitual de jazz como los que Acuña ya ha ofrecido antes en teatros operáticos como el Municipal, espacios reducidos como el Club de Jazz y festivales multitudiarios como el Providencia Jazz. En esta ocasión, Acuña se plantará además frente a la conocida orquesta de jazz de adolescentes Conchalí Big Band, para actuar por primera vez en Chile como lady crooner.Claudia Acuña destacó que esta presentación junto a la orquesta “será una bonita unión entre dos equipos”. Y respecto del programa que presentará esa noche, la cantante no quiso adelantar nada. “Será una sorpresa” se limitó a decir, aunque se sabe que Acuña se ha manifestado musicalmente cada vez más alineada con la raíz latinoamericana que con el swing norteamericano.La cantante agregó que aún se está viendo la posibilidad de agregar más conciertos durante el festival en otras comunas y que no se descarta ampliar la temporada junto a la orquesta de jazz. Porque un tema importante para Claudia Acuña es la “accesibilidad” de su música y por eso mismo afirma “que para mí es un sueño volver a la calle"."Yo siempre miraba de lejos el festival de teatro y soñaba con que algún día se incluyera la música en este evento”, señaló la cantante de jazz, según la cual Santiago a Mil “más que un festival de teatro, es un carnaval de las artes”.Sin embargo, Carmen Romero, directora general del Festival Internacional Santiago Mil, especificó que éste seguirá siendo sólo un festival de las artes escénicas.“La presentación de Claudia Acuña es como un broche que de aquí en adelante queremos agregar al Festival”, agrega Romero. La idea es que se incluya sólo un número musical dentro de la programación y que éste “sea inédito o de un carácter especial”.El año decisivoLa conexión entre Claudia Acuña y la Conchalí Big Band era un proyecto que la cantante resguardaba en silencio desde sus anteriores visitas al Teatro Municipal en 2004 y a San Carlos de Apoquindo en 2006. Su interés por integrarse a proyectos nacionales estaba latente después de una década de acción en Estados Unidos y Europa.Después de cantar junto al pianista Moncho Romero en temporadas de jazz en Santiago, y de haber participado en el primer Festival de Jazz Vocal de 1992 (donde salió segunda tras Rachel) Claudia Acuña emigró a Nueva York para construir su carrera musical. Corría 1994 cuando se instaló en la capital mundial del jazz. Ahí conoció al pianista Jason Lindner, su histórico socio musical, y alcanzó resonancia entre los ejecutivos del sello Verve que la vieron como una figura latinoamerica "exótica" para el mundo anglo.En 2000 debutó con el disco Wind from the south y dos años después grabó Rhythm [...]



Imperdible del mes: Providencia Jazz 2007

Sat, 06 Jan 2007 18:54:00 +0000

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