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Cultura



Cultura



Published: Wed, 21 Feb 2018 05:09:53 GMT

Last Build Date: Wed, 21 Feb 2018 05:09:53 GMT

 



Muriel Spark, la escritora que tuvo la suerte de no ponerse de moda

Wed, 21 Feb 2018 01:36:43 GMT

(image) «Ella no era una persona a la que le pasaban cosas. Ella hacía que las cosas pasasen», esta frase de una novela de Muriel Spark podría definir su personalidad. Considerada una de las escritoras británicas más brillantes del siglo XX, Edimburgo la homenajea en el centenario de su nacimiento. Spark (Edimburgo 1918-Florencia 2006) logró fama internacional tras publicar en 1961 «La plenitud de la señorita Brodie», una novela ambientada en los años treinta que cuenta la relación de la maestra Jean Brodie con seis niñas a las que intenta educar en la libertad y en la búsqueda de la propia felicidad. «La plenitud es escurridiza. Cuando crezcáis, pequeñas niñas, debéis estar alerta para reconocerla en cualquier momento de vuestra vida en que aparezca. Entonces debéis vivirla al máximo», aconseja Brodie a sus alumnas. Traducida a varios idiomas, fue adaptada al teatro, al cine y a la televisión. Alcanzo tal éxito que en 2005, la revista «Time» la situó entre las cien mejores novelas en inglés desde 1923. Spark desarrolló un prolífica obra con otras 21 novelas, poemas, ensayos, relatos cortos y hasta su propia autobiografía. Sabrina Leruste, coordinadora de los actos del centenario, contó que el hecho de que «La plenitud de la señorita Brodie» sea su única novela ambientada en Edimburgo «hace que la gente la relacione con ella» y se haya creado un vínculo entre la ciudad y su obra. El objetivo de las exposiciones, recitales y el resto de actos a lo largo del año es, según su organizadora, homenajear «la riqueza de su trabajo y el increíble impacto que tuvo en la literatura». «Era alguien sagaz y ocurrente, y creo que hay una cierta perspicacia en su obra de la que la gente muchas veces no se da cuenta. Se ganó reputación de ser 'difícil', una palabra que nunca se usaría para definir a un hombre artista. Definitivamente, fue muy decidida y eso quedó patente en su trabajo», destacó Leruste. Naturaleza inquieta De naturaleza inquieta, Spark vivió y escribió en Rodesia del Sur (ahora Zimbabue) hasta donde siguió a su marido, con el que tuvo un hijo y del que meses después se divorció. Volvió al Reino Unido y se estableció en Londres, luego en Nueva York, donde colaboró con la revista «The New Yorker», se mudó a Roma y finalmente a la Toscana, donde pasó sus últimos días acompañada de su inseparable amiga, la artista Penelope Jardine. En 2008, dos años después de su muerte, el periódico británico «The Times» la situó en el octavo puesto en su lista de los 50 mejores escritores británicos desde 1945. Colin McIlroy, comisario de la exposición «El estilo internacional de Muriel Spark», consideró que si bien la autora bebió del trabajo del escocés Robert Burns o de las escritoras inglesas Mary Shelley y Emily Brontë, «lideró la vanguardia y supo crear un estilo único». «La novela arquetipo de Spark es sagaz, ingeniosa, trágica, normalmente con saltos hacia atrás y adelante, extremadamente divertida y con dosis de filosofía y moral», afirmó el responsable de la muestra que alberga la Biblioteca Nacional de Escocia. Este enamorado de la obra de Spark resaltó que la escritora genera entre los lectores la misma contradicción que ella misma plasmó en sus trabajos. «Para algunos, ha sido la mejor escritora moderna de Escocia y para otros, está sobrevalorada. Lo mismo pasa en sus novelas, encuentras contradicciones divertidas, pero inquietantes», resumió. La exposición, que se puede visitar hasta mayo, reúne manuscritos de la autora, objetos personales, parte de su correspondencia con escritores y personalidades contemporáneas, así como multitud de recibos, facturas y documentos que Spark conservó durante toda su vida y que conforman el mayor fondo de la institución. «Cada novela es diferente y te pilla por sorpresa, porque nunca es lo que parece. Spark supo reinventarse en cada libro», opinó Leruste.



La lengua de los judíos expulsados de España en 1492 tendrá una academia asociada a la RAE

Wed, 21 Feb 2018 01:36:04 GMT

Después de dos intensas jornadas de diálogo, la Real Academia Española dio ayer su beneplácito para la creación de una Academia del Judeoespañol, esa lengua –conocida popularmente como ladino– que los judíos se llevaron consigo tras su expulsión de España en 1492 y que ha servido como elemento identificador de la cultura sefardí. De llegar a buen puerto, esta iniciativa supondría la creación de la Academia número 24, que completaría el objetivo de «cubrir todo el espectro de la hispanidad», tal y como afirmó Darío Villanueva, director de la RAE. A pesar de que se trata de un compromiso que todavía necesita tiempo para materializarse, que todavía solo existe sobre el papel, los implicados hablan de una decisión trascendente para la cultura. «A veces no nos damos cuenta de la historia que se va componiendo en el presente. Hoy es uno de esos días. Hoy se materializa un sueño para muchos. El judeoespañol no es solo patrimonio de los judíos, sino de toda la hispanidad», sentenció David Hatchwell , presidente de la Fundación Hispanojudía, antes de apuntar que esta iniciativa enmienda «un error histórico». Una lengua comunitaria De aquella comunidad de judíos expulsados nació una lengua propia, heredera del español pero con rasgos singulares. «Lo único que conservaban era el español antiguo que entonces se hablaba en la península ibérica. ¿Cómo se convirtió en judeoespañol? Es un proceso largo, que duró generaciones. Adoptaron el español antiguo y lo escribieron –y este es el fenómeno más curioso– en caracteres hebreos», explica Shmuel Refael Vivante, correspondiente de la RAE y miembro de la Autoridad Nasionala del Ladino y su Kultura. De hecho, el término popular por el que se nombra a esa lengua hoy en día –ladino– proviene de aquel fenómeno. «El proceso de adoptar el español y hacerlo judeoespañol viene del verbo ladinar. Ladinar quiere decir tomar los textos escritos en hebreo antiguo y reescribirlos de nuevo con letras hebreas, pero en español», continúa Vivante. Así, el judeoespañol siempre fue una lengua con mucho peso en la cultura, sobre todo como elemento identificador. La comunidad sefardí encontró en él un nexo de unión a un pasado traumático común, pero también a unas raíces propias y queridas. «El fenómeno del judeoespañol no es el del uso de una lengua para comunicarse unos con otros, sino un elemento identificador. Si tú y yo estamos hablando en aquel idioma especial de los expulsados, quiere decir que nosotros venimos del mismo lugar, que tenemos la misma herencia, que estamos conectados a un grupo étnico bastante exclusivo en la sociedad judía», subraya el experto. Además, se trata de un grupo tan exclusivo como ilustre. Raíces sefardíes tenía el filósofo Baruch Spinoza o el economista David Ricardo, uno de los principales fundadores de la teoría cuantitativa del dinero. También dos titanes de la pintura moderna, Amedeo Modigliani y Camille Pissarro, pertenecían a esa etnia. Y en la literatura sería injusto no mencionar a Primo Levi, que nos legó un testimonio imprescindible del Holocausto. «Hoy en día el judeoespañol sigue sirviendo como elemento identificador de los sefardíes dentro de la sociedad israelí, que está compuesta de muchísimos inmigrantes de diferentes países de todo el mundo», sostiene Vivante. Además, parte de la potencia sociocultural del judeoespañol en la actualidad se debe a su influencia en la música, donde ha adquirido, incluso, trascendencia internacional gracias a artistas como Yasmin Levy. «A la gente les gusta oír las cantigas en judeoespañol y através de esa música conocer la cultura sefardí», concluye. La academia del ladino será una realidad en otoño de 2019 Después del compromiso adoptado por la RAE ayer, ahora es el momento de que la Autoridad Nasionala del Ladino i su Kultura, órgano oficial del judeoespañol, negocie con el Estado de Israel la creación efectiva de la nueva academia. Según explica Darío Villa[...]



Wim Mertens: el compositor «clásico» que reinó en la Ruta del Bakalao

Wed, 21 Feb 2018 01:32:25 GMT

Wim Mertens lleva toda su vida intentando explicar, sin mucho éxito, su obra. En 1983, ya dudaba durante una entrevista para un pequeño fanzine belga llamado ADN: «Estoy influenciado por la música clásica, pero también por Philip Glass, Michael Nyman y Steve Reich. Y también escucho música popular, así que debo estar en algún lugar entre todo eso… creo. Pero, dónde exactamente, no lo sé». Tres años antes, cuando todavía no había trabajado con orquestas sinfónicas ni grabado aquel primer disco de electrónica experimental basado en los microprocesadores de las máquinas de pinball —«For amusement only»—, ya había tomado la decisión de que todo lo que quería transmitir debía deducirse solo de sus composiciones. «Lo que ves, es lo que escuchas», repetía. Y aún así, nada. Ahora, casi cuatro décadas después, cuando le preguntamos si ha dejado de sentirse un outsider, al ser rechazado por los sectores más puristas de la música clásica y ser considerado muy clásico para las corrientes contemporáneas, su respuesta es más contundente: «No tengo nada que ver con la música clásica, nunca he querido asociarme con ella. Y es cierto que me gusta involúcrame y trabajar con músicos de orquestas sinfónicas que han tenido formación clásica. Yo mismo la he tenido, pero llegué a la conclusión de que tiene un carácter muy institucional y se relaciona con sus músicos de una forma muy autoritaria. Tampoco hago pop. A mí me gusta alterar todos esos parámetros para desarrollar un camino propio donde haya sorpresas. Intento que mis conciertos se llenen de vida», asegura el compositor belga de 64 años, que actúa esta semana en Azpeitia (23 de febrero), Elche (24) y Alcalá de Henares (25), y el mes que viene en Jaén (2 de marzo), Valencia (3), Barcelona (14) y Huelva (16). Mertens, sin embargo, ha alimentado toda esa confusión al emprender las aventuras más variadas, tales como sus composiciones para cine, teatro, danza e, incluso, para un desfile de Dior, cuando aún dirigía sus colecciones el pronscrito John Galliano. También mediante los continuos cambios de registro en sus más de setenta álbumes, en los que se ha presentado solo al piano, con gigantescas orquestas de cámara o en formaciones inusuales con 10 pícolos, 13 clarinetes o 10 trombones-bajos. «No vivo en el siglo XVIII. Intento que mi música tenga flexibilidad para que pueda ser presentada de diferentes formas. Eso es lo que ocurrió con «Struggle For Pleasure»: la compuse en 1982, fue escogida por Peter Greenaway para la banda sonora de El vientre del arquitecto en 1986, y usada después por una importante compañía telefónica para un anuncio», explica. Al exigente autor belga —que abandonó temporalmente el conservatorio con dieciocho años para estudiar Ciencias Políticas: «Nunca quise tener una técnica perfecta, pero sí más información sobre los cambios sociales y políticos que han afectado a la música en sus diferentes épocas»— no le incomoda «en absoluto» que aquella famosa composición fuera usada con fines comerciales: «Fue una nueva experiencia para mí y, además, me trajo una audiencia que de otra manera no habría conocido mi obra». Tampoco le disgustó que los «remixes» de esa canción y de «Maximizing the Audience», compuesta en 1984 para una obra de teatro de Jan Fabré, «The Power of Theatrical Madness», se convirtieran en himnos de la Ruta del Bakalao. «Fue todo un shock recibir desde Valencia la primera versión en 1986, pero en sentido positivo. No podía creérmelo. Nunca pensé que mi música, realizada con instrumentos clásicos, pudiera transformarse en techno. Me sentí orgulloso». En este sentido más rupturista, Mertens recuerda con especial emoción el día que, en 2012, fue a presentar a Guimaraes la pieza clásica que había compuesto para orquesta sinfónica, con motivo de la declaración de la ciudad portuguesa como capital europea de la cultura. «Allí estaba yo, junto al aclamado dire[...]



«Fractura», en los paisajes desolados de Fukushima

Wed, 21 Feb 2018 01:32:16 GMT

Vuelve a darnos Andrés Neuman una novela de largo aliento, como ocurrió antes en «El viajero del siglo» (2009). Es una novela en cierto modo coral, pues varias son las voces que narran la vida de su protagonista, un ejecutivo japonés, el señor Watanabe, quien siendo muy niño vio morir a su familia cuando las explosiones de las bombas nucleares de Hiroshima y Nasagaki -de ambas han quedado huellas en su biografía- y ahora le ha tocado vivir, ya anciano y jubilado, el terremoto y tsunami que provocó la gran fuga nuclear de Fukushima, que, por otra parte, quiso el destino que coincidiera con los veinticinco años exactos de la de Chernóbil. La novela contará la historia de su vida, con cinco narradores. Un narrador externo en tercera persona comienza contando al lector la existencia de claustro, ensimismada, de este señor mayor que ha elegido vivir en el centro de Tokio, solo, ajeno a casi todo, blindado, apenas en contacto con la realidad, salvo sus conexiones a internet. La parte tanto del comienzo como sobre todo el viaje que decide hacer -al final casi de la novela- a los paisajes desolados de las cercanías de Fukushima cuentan entre las mejores páginas que le he leído. Parece mentira que siendo él un autor tan joven haya sido capaz de meterse en la piel de su personaje.Aquí reside lo mejor La emoción contenida, los diálogos con los viejos que han quedado en esos pueblos cercanos a la central nuclear, la soberbia descripción del paisaje fantasmal de objetos, casas, barcos, playas, carreteras rotas, pueblos casi deshabitados, está narrado con una mezcla de plasticidad y reflexión, como si la poesía residiera en lo que Watanabe, que es muy parco en la expresión de sus sentimientos, va anidando en sus silencios, en su manera reflexiva y desesperanzada lucidez. La dimensión de artista de Neuman cobra su mayor altura en esta visita a la vejez de su personaje. Parece mentira que siendo él un autor tan joven haya sido capaz de meterse en la piel de su personaje. Aquí reside lo mejor de esta obra, y con solo esas páginas (las iniciales en el apartamento de la capital y el viaje a la región devastada), la novela ya merecía estar en el lugar alto en el que a mi juicio se encuentra. Historia de mujeres Es por ello que el lector lamenta que no tenga igual calidad alguna de las narraciones superpuestas o entreveradas de las cuatro mujeres que han tenido relación sentimental con Watanabe, quienes en primera persona van contando la experiencia con él: la primera, el amor estudiantil en París; la segunda, una muy interesante periodista de Nueva York; la tercera, una mujer sarcástica en Buenos Aires y la última, una enfermera en Madrid. Ignoro si por la acumulación o bien porque Carmen, andaluza algo castiza y ciertamente graciosa, es la que viene a romper la tonalidad y el «punctum» dramático que la novela había ido consiguiendo durante el viaje de Watanabe, el caso es que más habría ganado que perdido si las retrospectivas hubieran terminado en Buenos Aires. La idea de esta estructura de planos sucesivos no es en absoluto mala (excepto el pegote mal ensartado del periodista Pinedo). Permite a Neuman tres cosas: decir a Watanabe desde dentro y desde fuera, reflexionar sobre las posibilidades e imposibilidades de las identidades culturales (sobre todo de la cultura japonesa, tan distinta a las occidentales de sus amantes). Por último, acoge la feliz idea de que la Tierra es un «ontinuum» en que convivimos y padecemos todos, de manera que un terremoto en Valdivia se vive en Japón, y también le abre a un repaso de algunos de los movimientos sociales que han removido el siglo XX y sus terremotos culturales. Asistimos a los albores del sesentayocho parisino, al Nueva York vibrante de la vida cultural y mestiza, también a la transformación social que supone la crisis ya evidente de la cultura de la información, a algunos coletazos de la dictadura argentina y por último a la crisis española. [...]



Luís Paulo Montenegro: «Mi colección es un cuerpo en movimiento»

Wed, 21 Feb 2018 01:32:03 GMT

El coleccionista Luís Paulo Montenegro recibió ayer en una gala en el Teatro Real uno de los premios «A» al Coleccionismo que entrega anualmente la Fundación ARCO para reconocer su labor en el mundo del arte. El brasileño, vicepresidente de Katar Ibope Media, centro de estadística de Brasil, comenzó su colección en el año 1999, cuando adquirió la obra La india Caraña de Cándido Portinari. Montenegro explica que desde la infancia ha tenido interés por coleccionar. «Siempre he sido un coleccionador natural. Guardaba sellos, después piedras extrañas y más tarde discos y DVD’S», comenta a ABC. Hoy en día, este talento natural de Montenegro se ha elevado a la máxima potencia. Ahora, su colección cuenta con más de 400 obras, que tienen como pilar central el arte brasileño moderno. Aun así, el coleccionista afirma que no tiene un parámetro concreto a la hora de elegir una nueva pieza. «He ido descubriendo con el paso del tiempo que mi colección es un cuerpo en movimiento. Es más una metamorfosis que una evolución», apunta. También destaca que para integrar una obra nueva esta debe «hablar» con el resto del conjunto. «Las nuevas piezas deben aportar armonía», dice. Es la primera vez que se exhiben las obras de Montenegro, y España es el lugar elegido para el debut. La Fundación Santander acoge dentro de su sala de arte madrileña desde el pasado 19 de febrero la exposición Visiones de la Tierra. El mundo plateado, un paseo por el modernismo, el concretismo y el arte contemporáneo brasileño e internacional. La cita muestra 218 obras de la colección de Luís Paulo Montenegro firmadas por 107 artistas. Entre los creadores se pueden encontrar algunos nombres relevantes dentro del arte moderno de su tierra como Alfredo Volpi, Lygia Clark o Lygia Pape. Además, esta muestra obras de artistas internacionales como Andy Warhol, Alexander Calder o Willem de Kooning. Arte brasileño Rodrigo Moura, anterior director de arte y programas culturales del Instituto Inhotim, el mayor centro de arte al aire libre de Latinoamérica, ha sido la persona encargada de elegir los trabajos que integran la exposición. El también brasileño contó con total libertad para seleccionarlas. «Yo defendí la presencia de las esculturas de Gonçalo-Fonseca y Moura estuvo de acuerdo», explica Montenegro. «Me siento muy honrado de que sea Madrid el lugar donde se exponga mi colección por vez primera. Es una ciudad que tiene una cultura primordial en las artes occidentales», apunta. Aunque su colección está centrada en el arte brasileño, para Montenegro es esencial que estas obras muestren un espíritu de multiculturalidad. «La mayoría de las piezas pertenecen a artistas que han hecho toda su carrera en Brasil, un país formado por inmigrantes», apunta el vicepresidente. Artistas como Alfredo Volpi, De Fiori o Pancetti son creadores italianos que se criaron en Brasil. Esto radica en una fuerte influencia europea en su labor, que Montenegro considera igual de importante para su conjunto de piezas que la influencia latinoamericana. «España es un lugar en el que se podrá empatizar con la selección», explica. «En los últimos 10 años el arte brasileño ha sido descubierto por el mercado mundial», enuncia Montenegro. Artistas patrios han tenido una gran proyección. Lygia Clark expuso en el MoMA, así como Mira Schendel mostró su obra en el Tate Modern de Londres. «Espero que la exposición de la Fundación Santander contribuya a continuar con la internacionalización del arte brasileño», dice el coleccionista. También, apunta a artistas contemporáneos, como Cildo Meireles, Vik Muniz o Beatriz Milhazes como piezas centrales que ayudan a la consolidación de este cariz internacional del arte latinoamericano. «La pelirroja con el colgante», de Modigliani es parte de la colección Alicia Koplowitz - EFE Los otros galardonados Colección Alicia Koplowitz: Posee una colec[...]



Chus Martínez: «El arte tiene un potencial similar al de las células madre»

Wed, 21 Feb 2018 01:31:51 GMT

Escribir más y encontrar alianzas que visibilicen la importancia de la educación es lo que Chus Martínez (La Coruña, 1972) espera del futuro. La directora del Instituto de Arte de la FHNW (Basilea) presenta hoy la nueva línea de investigación de ARCO que, por primera vez, no es un país, sino un concepto. Parafraseando a Borges, «El futuro no es lo que va a pasar», afirma la primera parte del título de esta línea de investigación. ¿Qué es entonces? Nuestro interés en el futuro radica en pensar que se trata de una noción temporal que posee la capacidad de revelar rasgos de un tiempo que está por venir. Lo interesante es pensar el futuro sin futuro o sin asumir que ese concepto tiene capacidad alguna de predicción. El futuro puede pensarse como una simultaneidad de realidades que multiplican miles de rasgos que han existido a lo largo del tiempo. Es esta la idea de futuro que el arte activa. «… Sino lo que vamos a hacer», continúa. ¿Puede argumentarlo? «Hacer» aquí no se refiere a las medidas que vamos a tomar o a las tareas que vamos a emprender. Entiendo que «hacer» nombra en un sentido general la totalidad de la actividad humana. Nuestra vida está marcada por los deberes y los deseos, y el futuro es asumirlos. ¿Cómo surgió la idea de tratar el futuro? La idea surgió de la dirección de ARCO. Tras una larga etapa dedicada a las representaciones nacionales existe la necesidad de un replanteamiento. Por primera vez en 37 ediciones, la línea de investigación será un concepto. ¿Cuáles son los objetivos de este giro? La sección «Futuro» redunda en nuestro deseo de que el arte produzca «rasgos» que nos dejen ver lo que vendrá, una sección a la que probablemente muchos se acercarán pensando que hay más futuro ahí que en el resto de la feria. Ese peligro está y el reto es afrontarlo sin miedo. Lo que se va a ver nada tiene que ver con un showroom de próximas temporadas. Tengo la confianza de que aun aquellos que esperan eso se sentirán cómodos. ¿Es el arte un medio para condicionar el futuro? Sin duda. Sé que a oídos de muchos esta afirmación les parecerá exagerada. Sin embargo, el arte tiene un potencial similar al de las células madre. En su origen no pertenecen a ningún órgano, pero pueden llegar a formar parte de cualquiera. El arte no es el arte de ahora, tampoco es el arte de algunos, ni una cuestión de gusto, aunque pueda ser todo ello y, por ende, lo necesitamos. Si hubiera una gran inversión en educación, en modos de relacionar el arte con los medios y la autonomía que este tipo de visiones necesita, nuestro futuro sería distinto. No es un sueño utópico, solo es costoso e implica un grado de autonomía del que nunca hemos gozado. Además del espacio en ARCO, Madrid acoge diferentes iniciativas en instituciones como La Casa Encendida. ¿En qué consisten? Hay una tradición de hacer concordar los programas de las instituciones en la ciudad con la feria. Este efecto de amplificación puede ser muy positivo para el público. De algún modo esto huye de la reducción de la feria a un evento para crear la sensación de que los programas y la ciudad se abren a un debate del que se puede participar de muchos modos, no solo como coleccionista. Rosa Lleó, co-comisaria del proyecto - ABC La Naturaleza, tema principal de «Más allá de La Bola de Cristal» Las comisarias Chus Martínez, Rosa Lleó y Elise Lammer dirigirán el seminario Más allá de La Bola de Cristal el próximo viernes. Se trata de una jornada teórica organizada en dos sesiones que continúa la dinámica de ARCO de dar espacio a la palabra, las presentaciones de diferentes puntos de vista y el debate. «Para los artistas y los profesionales ver y poder hablar con otros es muy importante. Para el público, la idea es que participen de ese encuentro y motivarles a que se interesen por muchos otros, tan ac[...]



ARCO 2018: 37 años en la suela de los zapatos

Wed, 21 Feb 2018 01:31:41 GMT

Ahora que nuestros teléfonos móviles miden nuestros pasos, imaginen los kilómetros y kilómetros que podría sumar en su dispositivo aquel que se ha «chupado» los 37 años que cumple ARCO en la presente edición. Pabellones y pabellones; pasillos y pasillos; estands y estands. Infinitos kilómetros, que equivaldrán, seguramemte, a varias vueltas al mundo. Por eso hay quien cambió hace mucho tiempo los zapatos de lujo por las zapatillas de felpa para atravesar los días de feria y las caminatas -con charlas incluidas- de los feriantes. Tal es el caso de la incombustible Juana de Aizpuru, fundadora de todo este tinglado artístico y escénico allá en el año 1982. Ella es el vivo ejemplo de la comodidad por encima de todas las cosas. De la supervivencia por los siglos de los siglos. Llueva, haga viento, nieve o luzca el sol. Caiga la feria en pleno día de los enamorados -como hace años- o haya tenido que desplazarse en el calendario poco a poco por exigencias de la competencia internacional o de los «caprichos» de un mercado del arte (local) a ratos millonario, a ratos más pobre que las ratas. Con una línea bien quebrada, como las empresas que sobreviven haciendo alpinismo en su gráfica de resultados. Digan lo que digan en las ruedas de prensa, cuando la mayoría de las veces lo que cuentan suena a mentira piadosa, ARCO las ha pasado canutas en más de una ocasión. 1982, arranca ARCO. El 10 de febrero es el día. Juana de Aizpuru (en el centro) fue la directora en su primera etapa, hasta 1986Los más veteranos del lugar -aún queda alguno/a más que Juana de Aizpuru al pie del cañón- recordarán aquel primer ARCO del 82 en el Palacio de Exposiciones de la Castellana, de Madrid. Una auténtica revolución. En España, no sé si había aterrizado el arte contemporáneo, pero sí el tiempo de la Movida (promovida). Luego, vendría el Palacio de Cristal de la Casa de Campo. Sedes provisionales hasta que llegó el asentamiento definitivo -como quien habla de un ignoto territorio por explorar- de Ifema y la maduración de ARCO como un negocio a prueba de bombas y de crisis. Lo que se dice pasar, ARCO ha pasado por todos los conflictos que en el mundo ha habido y habrá: de guerras en Irak y crisis del petróleo al famoso grito del «No a la guerra». Y las distintas obras y artistas que por allí han desfilado han dejado su granito de arena en un álbum que, en ocasiones, ha disfrutado más con el escándalo y la gresca que con el verdadero arte. Álbum de prensa Antológicos resultan aquellos tiempos -ya casi olvidados por la estabilidad presente- en que las «vecinas» de estand (léase galeristas) se peleaban por un quítame allá esas pajas: que si tú estás mejor colocada que yo, que si esos chill out ahuyentan a los verdaderos coleccionistas, que si las moquetas resultan mortales para nuestros pies y lo que no son nuestros pies, que si no se puede permitir la entrada a tanto público ajeno (no profesional) a este mundo y que sólo viene a cachondearse del prójimo... En resumen, que no puede haber tanto aficionado por ahí suelto. ¡Por Dios, seámos profesionales y tomemos el arte en serio y como una industria cultural de verdad! Esta fue una de las cantinelas más sonadas (y con razón, porque de este «tinglao» vive y malvive mucha gente) de la última década. Subamos el precio de las entradas a lo estratósferico. Parece que ya pasó el tiempo de las quejas y hasta de las fotos escandalosas de ese arte que sólo se sostiene en el espectáculo. ARCO, a sus treinta y pico años, se ha hecho mayor, muy mayor, por el bien suyo y para aburrimiento del respetable con un poco de entendimiento y sin parné en el bolsillo. Pero sigue teniendo mucho gancho y atestando sus pasillos en sus fines de semana. Y los amigos y conocidos te siguen pidiendo pases como si aquello fuera la romería de Quejo. Menos mal que los coleccionistas de ver[...]



¿Qué futuro le espera a ARCO 2018?

Wed, 21 Feb 2018 01:31:26 GMT

Por haber podido colarme en su montaje (aunque de algunos estands como en el de Horrach Moyá a uno le echen con cajas destempladas precisamente por eso. Nota mental: una obra de arte no la activa el espectador;_la activa el estar colgada en vertical en una pared), creo que hoy, y antes de que ARCO abra las puertas de su 37ª edición, puedo decirles algo que solo la muchacha del anuncio de la lejía Neutrex tenía hasta ahora el privilegio de soltarles: Vengo del «futuro». Aunque he de añadir que lo mío mucho mérito no tiene. A partir de este miércoles, cualquiera de ustedes se lo podrá clamar a sus congéneres a los cuatro vientos (y hasta hacerse selfies con el cartel que hay a la entrada), dado que la feria de arte contemporáneo de Ifema ha decidido sustituir el habitual espacio dedicado al país invitado –un clásico desde principios de los noventa– por un concepto. Este concepto. Y muy posiblemente el de «futuro», en ARCO, sea efímero –pues ya se rumorea que para 2019 volveremos a tener a Perú reclamando ese espacio–, y para nada nuevo. Sin irnos muy lejos, recordemos como la sección que también ocupó el hueco del país invitado en el 35º aniversario y que luego derivó en Diálogos en 2017 se tituló Imaginando otros futuros. Caótico, deslabazado El caso (que yo soy muy de andarme por las ramas): he estado en el futuro y no me ha gustado lo que he visto. Lo he encontrado coático, deslabazado. Al futuro «hay que subirse» y, aunque tiene paredes, no cuenta con estands (el diseño se debe a Andrés Jaque). Su apariencia final es muy parecida a la de un campo de fútbol o una selva tropical brasileña. Los contenidos, debidos a tres comisarias (Chus Martínez, Rosa Lleó y Elise Lammer), no se los revelaré yo, se lo dejo a ustedes, de Dalí en adelante. Pero al bajar de allí uno mira con mejores ojos a los históricos de Guillermo de Osma o Leandro Navarro... Futuro efímero Si les soy sincero, más futuro encuentro yo en otras secciones de la feria: como en la carta del tarot que siempre está dispuesta e echarnos Marina Vargas en el estand de Javier López & Fer Francés, en los personajes vidoeproyectados de Tony Oursler en Moisés Pérez de Albéniz o las fotografías retrofuturistas de Christto & Andrew en Spai Tactel. Todo futuro se construye, se fantasea, desde el presente. Y ese presente puede tener connotaciones políticas (como las fotos en plan juego del ¿Quién es quién? de los «presos políticos» pixelados por Santiago Sierra en Helga de Alvear; sin duda, una de las piezas que más controversia le generará en esta edición a la prensa, a la caza y captura –todavía– de la controversia en una feria de arte). O puede tener connotaciones sociales. El papel de la mujer Y en cultura, ese presente «connotado» pasa este año por la visibilización de la mujer en el cine, en el arte, en la vida... Tanto, que la repetición sistemática de Carlos Urroz a micrófono abierto de que todos los comisarios de este ARCO son mujeres (completan la lista Stefanie Hessler e Illaria Gianni en Opening y Catalina Lozano y las Corral en Diálogos) termina sonando a pose. Sobre todo cuando otra feria paralela se cuelga «el logro» (o el titular) de contar con más artistas que «artistos» en su nómina. Protagonistas Por eso, para titulares buenos, los que arroja Concha Jerez desde Aural, recuperando la voz de grandes mujeres a las que solo se visibiliza una vez muertas: Desde sus esquelas. O los que pueden escribir creadoras como Sonia Navarro en T-20, reivindicando una actividad asociada a lo femenino como la costura. Aunque, a decir verdad, yo me he echo muy fan de esa anciana que le escupe al joven sabelotodo en el vídeo de Ragnar Kjartansonn de I8 Gallery (Me and my mother), en su día en el Palais de Tokyo. Porque aunque mucho se hable de futuro en este ARCO,[...]



Los independentistas catalanes «se cuelan» en ARCO como «presos políticos»

Tue, 20 Feb 2018 22:58:12 GMT

No hay año en ARCO (bueno, el pasado fue una excepción) en que algún artiste no monte su particular show. Nuestros Truman patrios son Eugenio Merino (el que inmortalizó a Damien Hirst disparándose un tiro y a Fidel Castro como un zombie, metió a Franco en una máquina de Coca-Cola y a punto estuvo de crear un conflicto diplomático con Israel con otra de sus piezas) y Santiago Sierra, cuyo «NO» a la exministra Sinde (o sea, su negativa a recibir el premio Nacional de Artes Plásticas) se convirtió en una obra de arte que colgó en ARCO. Atrás quedaron los tatuajes que hacía a prostitutas a cambio del precio de una dosis de droga, los encierros de trabajadores en la bodega de un barco, o el veto a extranjeros para entrar en el pabellón español en la Bienal de Venecia de 2003, sin duda su proyecto más logrado. En 2013, Santiago Sierra, junto con Jorge Galindo, colocaron bocabajo los retratos del Rey Juan Carlos y todos los presidentes del Gobierno español desde la Transición como forma de protesta en «Los encargados». 80.000 euros más iva La última «santiagosierrada» es colgar en el estand de la galería Helga de Alvear en ARCO su particular galería de 24 retratos de los que él denomina «presos políticos». ¿Cómo no iba a colarse el «procés» en la feria? Una plataforma como ésta resulta impagable. Los 24 retratados aparecen con la cara pixelada, un número identificativo y un texto explicativo glosando sus «méritos». Están desde Jordi Sánchez y Oriol Junqueras, hasta miembros de la ilegalizada organización juvenil de la izquierda abertzale Segi, los dirigentes del diario «Egin», clausurado en 1998; o los titiriteros de «La bruja y Don Cristóbal». Para quien quiera colgar en el salón de su casa tan insigne galería de retratos, la serie, una pieza única, está a la venta por 80.000 euros, más iva, de nada. El «preso político» Oriol Junqueras - GALERÍA HELGA DE ALVEAR Además, Santiago Sierra y Ediciones El Garaje S. L. han hecho una edición especial de 500 ejemplares de un libro de gran formato con dichos retratos. Ala venta, en el estand de Helga de Alvear por diez euros. El proyecto «Presos políticos en la España contemporánea» será presentado por el artista el sábado en el pabellón 9 de Ifema. Entre los ponentes, junto a Sierra, Pablo Mayoral, de la comuna de expresos del franquismo. ¿Quién duda del valor artístico de este proyecto y de que ARCO es el foro más adecuado para este tipo de actos? Por si aún no nos hubiera quedado clara su postura política, en una nota explica Santiago Sierra lo que piensa al respecto: «La presencia de presos políticos dentro de las cárceles constituye la piedra de toque que desacredita a cualquier gobierno que pretenda definirse como democrático. Con esta serie lo que proponemos es visibilizar la existencia de tales presos políticos en el estado español». Helga de Alvear: «¡Ay, Santi, qué estás haciendo!» En conversación telefónica con ABC, la galerista Helga de Alvear reconoce que no vio la pieza de Santiago Sierra hasta este lunes y que ese mismo día por la noche acudió la policía a ARCO: «Se pasó por el estand en la feria, echó un vistazo a la pieza y se marchó». Desde entonces, dice, no ha tenido ninguna otra visita sorpresa. El «preso político» Jordi Sánchez - GALERÍA HELGA DE ALVEAR ¿Cómo se gestó la obra? «Santiago me dijo: “Voy a hacer una obra para ARCO”. Pensé: “¡A ver qué hace!” Cuando la vi no me lo podía creer: ahí estaba Junqueras. ¡Ay, Santi, qué estás haciendo! Pero es Santiago Sierra. Él no pregunta, lo hace. No hay nada que hacer. Imposible, intragable, lo que quieras, pero es conocido en todo el mundo y, para mí, es el mejor artista español. Aunque no vende nada. Nadie quiere sus obras encima del sofá de su salón. La pi[...]



La Infanta Doña Elena: «Amar el arte de la tauromaquia es amar a España»

Tue, 20 Feb 2018 21:47:19 GMT

Amar la Tauromaquia es amar «a esta España donde todos cabemos en enriquecedora convivencia, asentada en el respeto mutuo». Así lo afirmó esta noche Su Alteza Real la Infanta Doña Elena, tras recoger el X Premio Taurino ABC en nombre de los aficionados, que han sido los galardonados en esta edición por mantener viva la pasión por el arte de los toros. La entrega del galardón se celebró en la Casa de ABC, el periódico de los toros que cumple 115 años de «alternativa», y reunió a toreros, ganaderos, empresarios, apoderados, académicos, artistas, periodistas y aficionados a la tauromaquia, el arte más puro de las artes. La Infanta fue recibida a pie de coche por la presidenta-editora del periódico, Catalina Luca de Tena; el director, Bieito Rubido, y los ministros de Defensa, María Dolores de Cospedal, y del Interior, Juan Ignacio Zoido. Ya dentro del edificio, Doña Elena recibió el saludo del consejero delegado de Vocento, Luis Enríquez; el presidente de Plaza 1, Simón Casas, y el consejero delegado de Nautalia, Rafel García Garrido. La Infanta compartió un aperitivo con los invitados y se fotografió con los toreros en el Patio Andaluz, antes de pasar a la Biblioteca, donde se celebró la ceremonia. Tras contemplar un emotivo vídeo con lo más destacado de la temporada, Catalina Luca de Tena abrió la velada. Resaltó «el trascendental papel de los aficionados, que mantienen la ilusionada pasión por el arte de los toros», y ensalzó el apoyo de la Infanta Elena, «con su fiel asistencia a muchas plazas». Con este galardón, ABC reconoce su defensa inquebrantable a la Fiesta, un espectáculo de masas respaldado por más de cinco millones de espectadores en 2017. «Cualquiera de nosotros hemos visto a Doña Elena en decenas de festejos. Y no sólo en los de carteles más vistosos, en Las Ventas o en la Plaza de los Toros sevillana, sino también en cosos como Ávila, Illescas, o Chinchón; y, especialmente, en algunos, amenazados de prohibición, como San Sebastián o Palma de Mallorca». Una actividad de riesgo La presidenta-editora de ABC consideró «especialmente oportuno agradecer la constancia de los aficionados, en unos años en los que la crisis económica ha afectado a todos los espectáculos». Ante los asistentes, que colgaron el cartel de «no hay billetes» en la Biblioteca, Catalina Luca de Tena ensalzó el esfuerzo, la ilusión y la pasión con la que la afición acude a las plazas en tiempos nada fáciles. «Últimamente, además, ser aficionado a los toros se ha convertido en una actividad de riesgo, por los lamentables e inciviles actos de muchos antitaurinos, que no respetan una actividad perfectamente legal y reconocida como uno de los grandes valores del patrimonio cultural español». En su discurso, Luca de Tena hizo hincapié en «la defensa a ultranza de ABC a la Fiesta» y recordó a Victorino Martín Andrés, «extraordinario criador de reses bravas». El broche fue por todo lo alto: «La Tauromaquia es un arte profundamente enraizado en el pueblo español. Mientras los aficionados sigan sintiendo esa ilusionada pasión, ningún ataque podrá prevalecer contra lo que, en el mundo entero, se ve como una de las principales señas de identidad de nuestra nación». Fue en ese momento cuando Luca de Tena pidió a Enrique Ponce –«gran triunfador de la pasada temporada, maestro indiscutible y ganador de este galardón en 2010»– que subiera a entregar el premio. En medio de una ovación, la Infanta recogió el trofeo, la divisa de ABC, y tomó la palabra. Doña Elena glosó de bella manera «el arte de la tauromaquia, lugar de encuentro de un maravilloso espectáculo». «El torero, los subalternos, la gente de la plaza con sus diferentes funciones, los aficionados, el toro de lidia, el caballo... Todos se reún[...]



Doña Elena: «Mi pasión por los toros viene por mi familia... Afición que transmito a mis hijos»

Tue, 20 Feb 2018 21:46:30 GMT

(image) Su Alteza Real la Infanta Doña Elena ha recogido en la noche de este martes en la Casa de ABC el X Premio Taurino de ABC, en representación de los aficionados. Doña Elena ha pronunciado el siguiente discurso: «Buenas noches, me alegra volver otra vez a esta casa de ABC, tan ligada a la defensa de los valores de España, su cultura y su historia. Agradezco mucho que el jurado de este Premio Taurino, en su décima edición, haya otorgado su premio a los aficionados, y pensado en mí, como su representante, para recogerlo. El arte de la tauromaquia es el lugar de encuentro de un maravilloso espectáculo. El torero, los subalternos, la gente de la plaza con sus diferentes funciones, los aficionados, el toro de lidia, el caballo. Todos se reúnen en la plaza, y se produce una obra de arte viva en la que todos participan activamente de una u otra forma. Un arte que en España se lleva produciendo en cada corrida desde hace unos cuantos siglos hasta formar parte de nuestra cultura. Y que a lo largo de este tiempo hemos ido extendiendo por diferentes países. Mi pasión por los toros viene transmitida por mi familia: mis abuelos los Condes de Barcelona; Don Juan y Doña María, una extraordinaria aficionada con la que tuve la enorme suerte de compartir numerosas tardes de toros; y también, por supuesto, por mi padre, el Rey Don Juan Carlos, con el que comparto igualmente esta afición y le acompaño siempre que puedo. Mi presencia en las plazas de toros es frecuente y asisto con entusiasmo y asiduidad, cuando me es posible, para poder disfrutar de mi afición. Afición que transmito a mis hijos, con los que comparto numerosas tardes, en las que ya escucho sus «sabios comentarios taurinos». Estas asistencias me permiten también acercarme a numerosos aficionados, a los que agradezco sinceramente su cercanía y el gran cariño que me manifiestan, cada vez que estoy con ellos en una plaza de toros o en sus alrededores. Respeto los gustos de cada cual, y por eso me siento orgullosa de querer y de apoyar, en la medida de mis posibilidades, el espectáculo de la Tauromaquia. Amarlo, es sin duda, amar en una de sus muchas y riquísimas facetas, a esta España donde todos cabemos en enriquecedora convivencia, asentada en el respeto mutuo. No quiero despedirme sin tener aquí un recuerdo especial para uno de sus miembros más significativos, Victoriano Martín Andrés que tanto hizo por nuestra Fiesta y que nos dejó el año pasado» Termino mi intervención dando las gracias, en mi nombre y en el de la afición, a la que tengo el honor de representar, a ABC, por su apoyo a la fiesta y al Jurado de estos premios, por otorgarnos este reconocimiento en el que se reconoce su importante ayuda para seguir manteniendo viva esta tradición, tan nuestra.



Catalina Luca de Tena: «Ser aficionado a los toros se ha convertido en una actividad de riesgo»

Tue, 20 Feb 2018 21:40:08 GMT

La presidenta-editora de ABC, Catalina Luca de Tena, ha pronunciado las siguientes palabras durante la entrega del X Premio Taurino ABC, que ha recogido la Infanta Doña Elena en representación de los aficionados: «Alteza, ABC cumple este año 2018 ciento quince años de vida. Y a lo largo de su historia, ha mantenido una defensa a ultranza de la fiesta de los toros. Quien revise la hemeroteca no tiene que esforzarse mucho para ver los centenares de portadas, crónicas y entrevistas que adornan de esencia taurina estos ciento quince años de vida periodística. Buena prueba de ello son los maestros de la crítica que han ocupado la tribuna de ABC, como Gregorio Corrochano, Antonio Díaz Cañabate, Vicente Zabala o, actualmente, Andrés Amorós. Todas las grandes firmas de ABC también han publicado memorables artículos taurinos: desde Azorín o Pemán, hasta José María de Cossío o Antonio Burgos. Y además de este Premio, ABC de Sevilla organiza anualmente el Manuel Ramírez de Periodismo Taurino, que se ha concedido, entre otros, a Mario Vargas Llosa, Tristan Garel Jones, o Esperanza Aguirre. Señora ministra de Defensa, señor ministro del Interior, autoridades, señoras y señores: celebramos hoy la décima edición de este Premio Taurino de ABC, que ha distinguido a grandes ganaderos y matadores. Y quisiera recordar hoy aquí muy especialmente a ese extraordinario criador de reses bravas, que fue Victorino Martín-Andrés, quien obtuvo este galardón en 2012 y que nos dejó el pasado mes de octubre. Esta vez, el Jurado ha querido resaltar el trascendental papel que desempeñan los aficionados a los toros. Sin ellos, evidentemente, no podría existir la Fiesta. Resulta especialmente oportuno agradecer su constancia, en unos años en los que la crisis económica ha afectado a todos los espectáculos. Según las estadísticas, han sido más de cinco millones los espectadores que han asistido a los toros durante la temporada 2017, en España. Últimamente, además, ser aficionado a los toros se ha convertido en una actividad de riesgo, por los lamentables e inciviles actos de muchos antitaurinos, que no respetan una actividad perfectamente legal y reconocida como uno de los grandes valores del patrimonio cultural español. El Jurado, presidido por Javier Benjumea, y compuesto por José María Álvarez del Manzano, Andrés Amorós, Albert Boadella, Pilar González del Valle, Victorino Martín, José Ramón Márquez, Joaquín Moeckel, María Dolores Navarro, Juan Antonio Ruiz «Espartaco» y François Zumbiehl, subrayó el especial mérito de la afición por su constante apoyo a un espectáculo absolutamente azaroso e imprevisible. El aficionado a los toros es el tenaz perseguidor de un sueño, que sólo algunas veces se produce. Además, ese aficionado encarna una serie de valores que rebasan lo estrictamente taurino, porque la Fiesta, no lo olvidemos, es espejo y escuela de la vida: profundo respeto al toro y al torero; conocimiento de la técnica; sensibilidad estética; educación y criterio… Por todo ello, el Jurado decidió premiar, como reza el acta, «a los aficionados, que mantienen la ilusionada pasión por el arte de los toros». Y decidió también, por unanimidad, que fuera la Infanta Elena, que tanto apoya a la Fiesta con su fiel asistencia a muchas plazas, quien recogiera este galardón en nombre de los aficionados. Cualquiera de nosotros hemos visto a Doña Elena en decenas de festejos. Y no sólo en los de carteles más vistosos, en Las Ventas o en la Plaza de los Toros sevillana, sino también en cosos como Ávila, Illescas, o Chinchón; y, especialmente, en algunos, amenazados de prohibición, como San Sebastián o Palma de Mallorca. Alteza, la Tauromaquia es un arte profunda[...]



Ramoncín, sobre el himno de Marta Sánchez: «Ha evidenciado un conflicto sin solución»

Tue, 20 Feb 2018 20:18:48 GMT

(image) El cantante Ramoncín ha dado su opinión sobre la polémica acerca de la letra de Marta Sánchez para el himno de España en una entrevista con este periódico, y como era de esperar no dejará a nadie indiferente. «Ella es una artista y puede hacer lo que le salga del arco del triunfo», asegura el músico madrileño. «Tiene el derecho y la libertad de hacer una versión del himno de España o de lo que le parezca, y no voy entrar en la letra ni en sus consideraciones poéticas, tengo mi opinión y me la reservo, pero sé que ella la habrá escrito de tal manera que pueda cantarla con el corazón». Lo que según él ha evidenciado la controversia generada «es el conflicto que tiene este país, un conflicto real, que no se ha terminado de solucionar en cuarenta años de democracia». Ramoncín cree que «es asombroso que no tengamos una bandera consensuada y un himno consensuado. Es imposible entenderlo», y a la vez asegura: «Me encantaría ver una bandera de España y emocionarme, pero no me emociono, lo siento mucho. Y habrá gente que cuando lea esto se mosquee conmigo, pero ese es su problema. Es una cuestión de sentimientos. Aquí hay gente que le parece de puta madre que se cocine un Cristo y luego le parece fatal que se haga una letra para el himno, y al revés exactamente igual. Y eso lo que demuestra es que el país está partido por la mitad emocionalmente, religiosamente, políticamente, y que hay una especie de franquismo psicológico instalado en algunas partes. Tenemos una derecha que considera una anomalía que gobierne la izquierda, y tenemos una izquierda que considera que intelectualmente son mejores que los demás. Así no hay manera de consensuar nada. Luego llega el Presidente del Gobierno y dice que cómo nos ha gustado el himno a todos los españoles. Es que oiga, eso no es así. ¿Por qué lo lleva usted más allá? Marta Sánchez estaba en Miami, dice “voy a hacer esto, voy a volver a España y voy a partir la pana”. Y eso lo ha conseguido, pero a ella hay que dejarla al margen de este debate. Son los demás los que han montado el debate. Y no vamos a tener madurez como país hasta que se solucione este asunto. Es lo que decía Haro Tecglen, es un mal país. Vamos muy bien de sol y de buen tiempo, tenemos muy buena comida, nos encanta nuestro barrio… pero hay un conflicto que no sabemos resolver. Por alguna razón, psicológica o lo que sea, hay una serie de ciudadanos que no sentimos ni el himno ni la bandera. Yo además tengo un problema, y es que cuando lo escucho canto la letra de Pemán porque es la que aprendí en el colegio. Dirán que la letra de Marta Sánchez es una mierda, un ripio, pero es que la de Pemán…». Respecto a la iniciativa puesta en marcha para hacer oficial la letra de Marta Sánchez, Ramoncín cree que «los que lo han propuesto han perdido la cabeza, porque a los catalanes les gustará otra cosa, a los vascos otra.. Así no se va a poder consensuar nunca, y seguiremos con el “oe, oe, oe” en los eventos deportivos. ¿Si creo que Marta Sánchez no habría hecho esta versión de no estar pasando lo que pasa en Cataluña? Eso creo, sí. A mí me da nosequé pasear por Madrid y ver tanta bandera española. Que me parece estupendo, pero si la reivindicación es que Cataluña es España me gustaría verlas acompañadas por senyeras. Pero no. En Pintor Rosales lo que puedes ver es un balcón del que cuelga una bandera de España con el pollo de San Juan. ¿Te imaginas un balcón de una avenida de Berlín con una bandera nazi colgando? Aparece la policía en cuestión de minutos, la retira y le abren un proceso judicial al tipo que le haya colgado. Pero eso no pasa en España, qué le vamos a hacer».



Penélope Cruz ataca el machismo de los cuentos infantiles: «Que le jodan a Cenicienta»

Tue, 20 Feb 2018 17:13:22 GMT

(image) Penélope Cruz asegura estar educando a sus hijos «en el respeto» a través de «erradicar el machismo de los cuentos infantiles». Y lo hace cambiando todos esos finales de «vivieron felices y comieron perdices». Ella misma lo ha afirmado en una entrevista para la revista «Porter Edit», donde no ha podido ser más clara: «Que le jodan a Cenicienta y a la Bella Durmiente». La actriz, ganadora de un Oscar, enfatiza en la importancia que tienen los cuentos clásicos para los pequeños, ya que las historias de Pinocho, Caperucita Roja y tantos otros «son las primeras historias que los hijos escuchan de boca de sus padres». «Cuando leo cuentos de hadas a mis hijos por la noche, siempre estoy cambiando los finales, siempre, siempre, siempre, siempre. Que le jodan a Cenicienta, a la Bella Durmiente y a todas las demás. Hay mucho machismo en esas historias y eso puede tener un efecto en la forma en que los niños ven el mundo. Si no tienes cuidado, empiezan a pensar: 'Ah, entonces los hombres deciden todo'», relata. De esta manera, en las «reediciones» de la actriz, las heroínas rechazan propuestas de matrimonio: «En mi versión de Cenicienta, cuando el príncipe dice: '¿Quieres casarte?', ella responde: 'No, gracias', porque no quiero ser una princesa. Quiero ser astronauta o chef », ejemplifica Cruz, que anima a otros padres a seguir su ejemplo y educar a sus hijos de forma diferente. «Tienen que cambiar las reglas» En su entrevista, Cruz también apoya el movimiento #MeToo, pidiendo un cambio «en las reglas de nuestra industria y todas las demás en las que las mujeres están siendo reprimidas». La madrileña recuerda que Hollywood tiene una actitud muy diferente entre hombres y mujeres; «Desde la edad de 25 años, (los periodistas) me han estado preguntando si tengo miedo a envejecer. Es una locura de pregunta y siempre me negué a responder. Nunca le harían esta pregunta a un hombre».



«El público»: palabras bajo la arena

Tue, 20 Feb 2018 16:28:23 GMT

(image) Más de cuarenta años representando teatro español lleva la compañía japonesa Ksec Act. Arrabal, Cervantes, Lope, Valle-Inclán, Calderón… Y sobre todos –traducidos por Yoichi Tajiri, gran impulsor de esta iniciativa– Federico García Lorca. «El público» es la séptima aproximación al autor granadino de este formidable elenco que sumerge en los códigos del teatro noh el torrente surreal, los enigmas candentes y las pulsiones homoeróticas del inquietante texto, que Lorca escribió en el gozne entre los años 20 y 30 del pasado siglo. En una reciente entrevista, José Luis Gómez me comentaba la importancia de mantener el legado universal tejido por las voces y experiencias de multitud de gente de la escena y que irriga manifestaciones teatrales diferentes a través de las épocas. Y citaba un crecido caudal alimentado, entre otros, por el «Fushikaden» de Zeami, el trabajo teórico de Stanislavski, los golosos datos sobre los cómicos que Agustín de Rojas introduce en «El viaje entretenido», los textos de Luigi Riccoboni, la cartas de Louis Jouvet en el Conservatorio… Zeami (1363-1443), padre del teatro noh, escribió varios manuales de teoría teatral impregnados de la espiritualidad de su cultura y dedicados específicamente a la formación de autores de esa modalidad escénica japonesa, pero cuyas premisas son útiles y reveladoras para cualquier intérprete. Esta deslumbrante puesta en escena de «El público» está permeada desde luego por el aliento de Zeami y la música gestual del teatro noh, pero también hierve en ella ese legado transcultural, pues transmite ecos y estremecimientos de Bertolt Brecht y Grotowski, el estupor metafísico de Beckett y los paisajes expresivos del Odin Teatret, el lenguaje ancestral de la pantomima y el aliento de la Comedia del Arte, Tadeusz Kantor y la crueldad abisal de Artaud… Un compendio de sabiduría teatral vertido sobre el escenario para acercarse a las claves misteriosas y anticipadoras de «El público». Tajiri, que firma una versión bastante aligerada de texto, coloca el enigmático «Solo del Pastor Bobo», situado a veces en otras adaptaciones tras el cuadro tercero, como cierre del espectáculo para subrayar el juego de caretas de los personajes. El montaje se abre con una impactante escena de quietud y silencio, con los rostros de los actores transmutados en máscaras que se exasperan en un grito inaudible. Son el público, ese ente plural de cientos de ojos y bocas, un anhelante cuerpo colectivo que llama a las puertas del director tal vez en busca del hondo teatro verdadero que está bajo la arena. La dirección de Kei Jinguji rastrea los secretos que atesora el texto y exhuma con meticulosa pasión y fascinante entrega las palabras colocadas bajo la arena por Federico García Lorca en esta obra compleja e hipnótica. Los intérpretes realizan un bello y potente trabajo cimentado en su coordinación y expresividad, y que, desde esa teatralidad tan lejana, acierta en la diana del corazón. «El público» (****) Autor: Federico García Lorca. Traducción: Yoichi Tajiri. Dirección: Kei Jinguji. Escenografía: Kei Jinguji e Hirofumi Suzuki. Iluminación: Tsuruyo Noritake. Vestuario: Yoshiro Masaki e Hiroko Ishiguro. Intérpretes. Senko Hida, Tomoko Hirai, Chieko Imaeda, Mamoru Kubokawa, Masaya Nagano, Koji Nagasawa, Oni Onishi, Yyaoi Saito, Todayoshi Sakakibara, Mayu Shibata, Yushi Tamagawa, Yoshiteru Yamada, y Kenjo Yoshida. Teatro Valle-Inclán. Madrid.



El Gobierno propondrá que 2019 sea el Año Internacional del Español

Tue, 20 Feb 2018 14:15:02 GMT

(image) El Gobierno propondrá que 2019 sea declarado Año Internacional del Español, según ha anunciado en el Congreso el ministro de Cultura, Íñigo Méndez de Vigo, que ha comparecido en la Cámara Baja para presentar en la Comisión de Cultura el programa «El español, lengua global», un proyecto de Estado dirigido a su promoción como herramienta de oportunidades y lengua del conocimiento de 570 millones de hablantes. Un plan que fue presentado por el presidente del Gobierno, Mariano Rajoy, el pasado 24 de enero y que contempla la creación de un programa Erasmus iberoamericano, la designación de «embajadores» del español y desgravaciones fiscales de hasta un 90% para su promoción. «¿Por qué se ha presentado ahora el plan? Era el momento para hacerlo porque tenemos un desafío que es el Brexit, donde una gran potencia con una lengua dominante va a salir de la UE y otros mandatarios hablan de poner lo mío lo primero», ha argumentado el ministro. También ha recalcado la ocasión que supone la revolución digital, ante la que «la universalización del conocimiento tiene la oportunidad de hacerse en español; no lo dejemos a otras lenguas». El ministro ha dicho que no se trata de un proyecto para potenciar la cultura española, como ha asegurado la oposición, sino de la cultura «en español» y ha insistido en que no es un plan excluyente: «El mundo iberoamericano está llamado a participar y contribuir de una forma decisiva». «Esta opción no es excluyente. No es una apropiación de España del español o la cultura en español», ha destacado Méndez de Vigo, que ha enfatizado que el programa está abierto a todas las instituciones. Asimismo, ha defendido que el desarrollo de este proyecto dependa del Alto Comisionado para la Marca España y Promoción del Español, que ha reformado su nombre para esta labor, y ha explicado que «no hay que crear instituciones, a no ser que sea estrictamente necesario», por lo que pretenden aprovechar la existencia de una estructura ya existente.



«Evocar la figura de Unamuno es como hacer el rey Lear»

Tue, 20 Feb 2018 11:52:25 GMT

José Luis Gómez (Huelva, 1940) se ha asomado ya al espejo de varios grandes personajes españoles de las primeras décadas del pasado siglo. Visitó las páginas del Diario de un poeta recién casado de Juan Ramón Jiménez, en la Real Academia leyó las crónicas de Valle-Inclán sobre la Primera Guerra Mundial y se confrontó con Manuel Azaña en un espectáculo que recuperará cuando concluya el que ahora le ocupa, Unamuno: venceréis pero no convenceréis , estrenado el pasado miércoles en «su» Teatro de la Abadía. En él se mide a otra de esas figuras, Miguel de Unamuno, en un cara a cara tejido con palabras del irreductible vasco que parecen escritas ahora mismo. Gómez gasta barba blanca y expresión concentrada para acercarse al personaje. Mientras conversamos en su casa, próxima a donde los pavos reales del parque de la Fuente del Berro despliegan el arcoiris emplumado de su seducción, me lo imagino con boina y abrigo largo y pienso que, sin salir de ese tiempo del 98 que suele frecuentar, también podría ser un excelente Pío Baroja. Pero regresemos a don Miguel. ¿Cómo nace la idea de enfrentarse a Unamuno sobre un escenario? Hice la película La isla del viento (Manuel Menchón, 2015), centrada en la estancia de Unamuno en Fuerteventura, y naturalmente en ella se permean todos sus grandes temas, la educación, la fe, la religiosidad… En mis lecturas para sumergirme en el trasfondo de Unamuno, descubro en sus últimos meses en Salamanca algo que me sobrecoge: cómo este hombre apoyó el golpe del general Franco. Me empiezo a plantear un montón de cosas y me documento muchísimo de la mano de Manuel Menchón y Jean-Claude y Colette Rabaté, que son considerados los mayores estudiosos de Unamuno en el mundo. Llego a la conclusión de que el famoso incidente en el paraninfo de la Universidad de Salamanca, cuando se enfrentó a Millán Astray el 12 de octubre de 1936, solo puede ser un acto de expiación y si no, no lo entiendo. A partir de eso, me queda el gusanillo o la mosca detrás de la oreja y me lanzo a leer. Me proponen en Salamanca que haga allí el acto del Paraninfo, circunscrito prácticamente al «Venceréis pero no convenceréis», un par de poemas y la famosa carta a Quintín de Torre donde habla del general Franco, la represión y otras cuestiones del momento. Ese material se me quedó y, al hilo de muchos acontecimientos del presente español, me doy cuenta de que sigue habiendo una asignatura pendiente: no se entiende que la democracia española no haya sido capaz de afrontar el perdón, la reparación y la reconciliación profunda con respecto a la guerra civil. He vivido demasiados años en Alemania y asistí a cuando ese país, en los años 60, afrontó el tema de la memoria histórica de forma radical, a machamartillo, y asusta un poco que todavía nosotros no hayamos podido hacer un trabajo similar. Hay razones que se pueden esgrimir: el régimen de Hitler y el Tercer Reich termina aplastado por la bota aliada y rusa, y Franco muere de su propia enfermedad en su lecho. Esto es así. Y la Transición, algo que hay que ensalzar una y otra vez, es el producto de muchas transacciones, lo que inevitablemente conlleva amnesia y amnistía, palabras con la misma raíz griega que significa olvido. Pero eso no es óbice en mi opinión para afrontar de manera honrada y reparadora todas las heridas del pasado que siguen vivas. No es concebible que una asociación para la recuperación de la memoria, que se dedica realmente a exhumar a los injustamente asesinados y fusilados, no tenga ninguna ayuda del Estado, funciona con ayudas de entidades extranj[...]



Mary Beard pide a las mujeres del #MeToo que olviden los acosos del pasado y se centren en el futuro

Tue, 20 Feb 2018 11:47:18 GMT

(image) Mary Beard nunca ha temido el qué dirán. Y, quizás por eso, siempre hace mucho ruido. Ahora, la historiadora británica, una referencia en el estudio del mundo clásico, ha hecho autocrítica y ha criticado la actuación del movimiento #MeToo. En su opinión, las defensoras de esta causa están demasiado centradas en los incidentes aislados de la mala conducta masculina. Por ello, sostiene, deben hacer más que simplemente coleccionar hombres caídos como Weinstein. ¿Qué deben hacer? Según Beard deberían centrarse en priorizar la protección de las mujeres en el entorno laboral, en lugar de retomar cualquier caso histórico de acoso sexual «fuera de contexto». Con su clásico humor británico, la historiadora bromeó diciendo que incluso apoyaría una amnistía para esos casos del pasado si eso asegurase que los hombres se comporten adecuadamente en el futuro. Lo dijo en una entrevista con «Radio Times» con motivo de la presentación de su última serie con la BBC, «Civilisations». Ahí, el periodista le preguntó por sus opiniones sobre el movimiento #MeToo, a lo que respondió que estaba contenta de que el acoso sexual se estuviera debatiendo públicamente. Sin embargo, expresó su inquietud de que las reputaciones de los hombres se vieran arruinadas por incidentes sexuales excepcionales de décadas anteriores. «Creo que hay una tendencia a elegir los eventos y sacarlos de contexto», afirmó. «Tal vez estamos demasiado preocupadas por ejemplos aislados de comportamiento cuestionable por parte de los hombres. Todos tenemos algunos comportamientos casuales erróneos que lamentamos, ¿verdad?», añadió. «Es difícil no sentirse un poco complacida con la caída de Harvey Weinstein. Él era muy grande. Fue derribado, y eso fue empoderador. Pero mi objetivo no es solo coleccionar su cabeza, sino asegurarme de que esto no vuelva a suceder».



Cuando las esvásticas llegaron a Barcelona

Tue, 20 Feb 2018 11:21:53 GMT

El Santo Grial, cuenta la leyenda, podría estar escondido entre las escarpadas y enigmáticas rocas de la montaña de Montserrat, así que para allá que se fue Heinrich Himmler, el siniestro líder de las temibles SS, siguiendo los pasos de una de las más esotéricas obsesiones wagnerianas. Del Grial, claro, nada se supo –en realidad, la documentación de la época sostiene que lo que buscaba Himmler era el esqueleto de un íbero que guardaba el museo de la abadía, abonando así las teorías nazis de que los íberos descendían de una raza nórdica–, pero sí que existe una cuenta detallada de lo que le costó al Ayuntamiento de Barcelona el desembarco del mandamás nazi en octubre de 1940. A saber: más de 13.000 pesetas de la época (música, piano y tabaco incluidos) para sufragar la estancia y el banquete de gala en honor del Reichsführer de las SS. Fue una visita relámpago, sí, pero a Himmler aún le dio tiempo de visitar la checa musealizada de la calle Vallmajor, dejarse agasajar por las juventudes falangistas en el Poble Espanyol y comprobar que el despliegue de esvásticas y símbolos de la Alemania de Hitler en edificios públicos de la capital catalana no desmerecía al de fortines nacionalsocialistas como Múnich o Berlín. Una Barcelona desconocida y chocante –las fotografías del Palau de la Música, el paraninfo de la Universidad de Barcelona o la fachada del Parlament decoradas con gigantescas esvásticas pone los pelos de punta– que puede descubrirse en el castillo de Montjuïc, donde la exposición «Nazis y fascistas. La ocupación simbólica de Barcelona» da buena cuenta de la omnipresencia de la Alemania nazi y la Italia de Mussolini durante los primeros años de la posguerra. En realidad, la muestra se puede visitar desde finales del año pasado y tenía previsto echar el cierre esta misma semana, pero el éxito de público –más de 80.000 visitantes– ha llevado a prorrogarla hasta el 30 de abril. Una nueva oportunidad para acercarse a una exposición que se nutre del material que destapó el libro «Nazis en Barcelona», de Mireia Capdevila y Francesc Vilanova. Celebración del aniversario de Hitler en el Palau de la Música - ABC «Barcelona, esa ciudad rojo-separatista, tenía que ser redimida. Hacía falta que expiase sus pecados rojos y republicanos», puede leerse en uno de los textos de una muestra que reconstruye minuciosamente un rastro de esvásticas y brazos en alto que incluye desde celebraciones del cumpleaños de Hitler en el Cine Coliseum a exhibiciones gimnásticas de las juventudes hitlerianas, partidos de hockey entre combinados de la Falange y las juventudes hitlerianas, visitas de nazis «ilustres» como Gustav Adolf Schee, aparatosas celebraciones como el Día de Acción de Gracias a Dios por la cosecha o la conmemoración de la llegada de Hitler al poder… Con un mapa introductorio que sitúa y localiza los puntos clave de la Barcelona nazi –ahí figuran, entre otros, el Banco Alemán Transatlántico, la residencia del cónsul general, el Hogar Deportivo Alemán o el Mercado Permanente de Artesanía Alemana–, la exposición recupera también instantáneas de la Exposición del Libro Alemán, en el que las cruces gamadas compartían protagonismo con ejemplares expuestos de «Mein Kampf», o de la Exposición de Arquitectura Moderna Alemana, con la fachada del actual Parlament ornamentada con tres gigantescas esvásticas. Inquietantes imágenes También la visita de Himmler queda perfectamente documentada, ya sea a través de inq[...]



Así es la letra del himno de España de Marta Sánchez

Tue, 20 Feb 2018 10:13:34 GMT

(image) Hace algo más de año y medio, Marta Sánchez comenzó a escribir una carta de amor a la tierra donde nació: España. Llena de nostalgia, ese sentimiento que no hacía más que crecer con el paso de los kilómetros, la cantante alumbró un texto cargado de pasión y cariño por su lugar de origen: una letra para el himno de España, esa que ha revolucionado a todo el país desde que la interpretó el pasado sábado en el Teatro de la Zarzuela, que estaba acostumbrado a la música muda de siempre. Estas son las palabras que Marta Sánchez puso al himno de todos los españoles: La letra de Marta Sánchez Vuelvo a casa, a mi amada tierra, la que vio nacer un corazón aquí. Hoy te canto, para decirte cuanto orgullo hay en mi, por eso resistí. Crece mi amor cada vez que me voy, pero no olvides que sin ti no sé vivir. Rojo, amarillo, colores que brillan en mi corazón y no pido perdón. Grande España, a Dios le doy las gracias por nacer aquí, honrarte hasta el fin. Como tu hija llevaré ese honor, llenar cada rincón con tus rayos de sol. Y si algún día no puedo volver, guárdame un sitio para descansar al fin.