Subscribe: RSS Agregación ABC
http://www.abc.es/rss/feeds/abc_Cultura.xml
Added By: Feedage Forager Feedage Grade B rated
Language: Spanish
Tags:
arte  años  desde  donde  entre  este  fue  han  hasta  hay  mundo  muy  más  música  obra  sin  sobre  también  «el 
Rate this Feed
Rate this feedRate this feedRate this feedRate this feedRate this feed
Rate this feed 1 starRate this feed 2 starRate this feed 3 starRate this feed 4 starRate this feed 5 star

Comments (0)

Feed Details and Statistics Feed Statistics
Preview: RSS Agregación ABC

Cultura



Cultura



Published: Fri, 24 Nov 2017 14:26:44 GMT

Last Build Date: Fri, 24 Nov 2017 14:26:44 GMT

 



La nueva vida de «Neverland», la última residencia de Michael Jackson

Fri, 24 Nov 2017 13:28:30 GMT

(image) Triumph International, la firma que gestiona el legado de Michael Jackson, acaba de registrar el nombre «Rancho de Neverland» para explotarlo desde el punto de vista del entretenimiento. Entre todas las posibilidades a las que se refiere el registro, destaca la de «aprovechamiento como museo y la aportación de visitas guiadas al museo», así como «de espectáculos de música no descargable, videoclips, "trailers", fotografías y otros materiales multimedia que presenten representaciones musicales y/o visuales de Michael Jackson» Sin embargo, de acuerdo con la página web The Blast, puede que el lugar exacto del homenaje al rey del pop no sea el sitio donde se encuentra este rancho. La publicación afirma que también se barajan otras localizaciones para establecer el museo de Michael Jackson, como su residencia de la infancia en Encino (Los Ángeles) o su hacienda en el valle californiano de Sycamore. Aunque su dirección exacta todavía se desconozca, lo que sí se sabe seguro es que una gran variedad de objetos que permanecen en Neverland, desde decoración hasta las mismas puertas, serán trasladados hasta el museo definitivo. Con aires de castillo de Disney, el rancho, que tiene un zoo y un parque de atracciones, está a la venta desde 2015. Su precio de salida era de cien millones de dólares, pero en marzo de este año, se rebajó hasta los 67.



Juan José Padilla anuncia su retirada de los ruedos

Fri, 24 Nov 2017 13:08:04 GMT

(image) Juan José Padilla (Jerez de la Frontera, 1973) acaba de anunciar su retirada de los ruedos. Se despedirá en 2018, en una temporada de despedida. «Anuncio mi retirada con tanta ilusión como anuncié mis comienzos. Me voy con la emoción y la ilusión de haber conseguido más de los que había soñado», acaba de expresar en rueda de prensa en un céntrico hotel de Sevilla. «Es una decisión fruto de muchas noches de desvelo, pero de buenas sensaciones también», comenta. Su objetivo es hacer el paseíllo en todas aquellas plazas que le han tributado enorme cariño y «dejado huella» durante su carrera, como Pamplona, Bilbao o Santander. «Será una temporada bonita, sin un número preparado de tardes», dice. «Solo pido que Dios me ayude a colgar ese vestido del uces para dedicarme a otras cosas que también me apasionan» Su comienzo será en la Magdalena de Castellón y su despedida en Zaragoza en la Feria del Pilar. «En esta plaza pudo haber acabado todo y, sin embargo, fue donde todo empezó [refiriéndose a la grave cornada en la cara que sufrió y que a punto estuvo de costarle la vida]. La temporada 2018 es especial, pues celebra sus bodas de plata como matador de toros. «Ha sido una decisión que he tomado yo y solo pido que Dios me ayude a colgar ese vestido de luces para poder dedicarme a otras cosas que también me apasionan». «Cuando volví en Olivenza, tras la cornada de Zaragoza, mi familia siempre me apoyó en todo». «Comenzaré en Castellón y me despediré en la Feria del Pilar, la plaza donde pudo acabar todo y, sin embargo, fue donde todo empezó» Asegura que se va «en mi mejor momento profesional, con todo el respeto que tengo a esta profesión». Sobre su liderazgo numérico en el escalafón en 2017, señaló: «No era un objetivo ni mi idea, sino que mi propósito es estar en las plazas de España y Francia y disfrutar de los momentos bonitos de mi profesión, que, humildemente, creo que me he ganado». Comenta que en esta temporada final «serán sus apoderados Diego Robles y Matilla los que se encargarán de planificarlas tan bien como siempre han hecho». ¿Algún planteamiento previo? «Habrá algunas tardes significativas (tipo encerrona), aunque no hay nada planteado. Será una temporada fiel al Ciclón, a mi filosofía y mi afición». ¿El futuro? «Hago falta en casa, donde por mi profesión apenas he podido estar. Y también voy a dedicarme a otros proyectos profesionales, que no puedo avanzar aún...»



Salvan el refugio para escritores perseguidos de Ana Frank en Ámsterdam

Fri, 24 Nov 2017 11:38:13 GMT

(image) En 1933, Otto Frank huía de Alemania con su familia ante el imparable crecimiento del antisemitismo. Adquirió en Amsterdam un piso en un edificio modesto de ladrillos, situado en el barrio de Merwedeplein. Su hija Anna, la víctima del Hocausto que pasaría a la historia por la publicación su diario íntimo, tenía entonces cuatro años. Allí vivieron todos hasta 1942, cuando tuvieron que ocultarse de los nazis en un «anexo secreto» (la puerta estaba escondida tras una estantería), situado en un viejo edificio en el canal Prinsengracht. Esa residencia, donde permanecieron hasta que fueron descubiertos y después deportados a diferentes campos de concentración, fue convertida en museo, que cada año visitan miles de personas, por la Fundación Ana Frank. Y es esta misma institución la que acaba de adquirir la primera residencia de los Frank en Amsterdam. Desde 2005, esa casa pertenecía había pasado a manos de la Fundación Holandesa para la Literatura, que la usaba como hogar para acoger a los escritores que habían tenido que huir de sus países porque eran perseguidos. De hecho, actualmente viven en ella el autor sirio Samer Alkadr y su familia. La fundación decidió hacerse cargo cuando la corporación de viviendas que hasta entonces ostentaba su propiedad afirmara que ya no podía hacerse cargo de su mantenimiento. De momento, la institución ha afirmado que no tiene planes de convertir esta casa también en museo. Sin embargo, su portavoz, Annemarie Bekker, ha matizado que, para ellos, «es muy importante la casa donde Ana Frank vivió en la década de los treinta permanezca intacta y en condiciones apropiadas». «Tiene un carácter muy especial, la casa de Merwedeplein está indisolublemente unida a Ana Frank», ha añadido Berren, refiriéndose a la residencia, en la que la niña aparece fotografiada en su escritorio junto a una ventana o en su azotea.



El único acelerador de partículas del mundo dedicado al arte, en el Louvre

Fri, 24 Nov 2017 11:09:58 GMT

(image) El Ministerio de Cultura francés presentó hoy su nuevo acelerador de partículas, un potente instrumento que permite analizar la historia y la autenticidad de las obras de arte de forma segura. El bautizado como AGLAE (Acelerador Gran Louvre de análisis elemental) es el único acelerador de partículas del mundo dedicado exclusivamente al estudio de objetos de patrimonio, y desde 1988 tiene su base en el centro de investigación y de restauración de los museos de Francia, en el subsuelo de la célebre pinacoteca parisina. Sus emisiones permiten identificar todos los elementos químicos presentes en las capas superficiales y su composición, su concentración y su localización, según indicó hoy en un comunicado el Centro Nacional de Investigaciones Científicas (CNRS), desvelan «la historia del objeto» y contribuyen a comprobar su veracidad. El AGLAE, de 27 metros de largo, «bombardea» la obra con núcleos de hidrógeno o de helio a una velocidad de hasta 30.000 kilómetros por segundo. Al penetrar en la materia, esas partículas se ralentizan «y ceden su energía a los átomos» del material analizado. Las emisiones de luz, rayos X o gamma que estos últimos desprenden son las que permiten estudiar los componentes de esa pieza, pero el acelerador inicial no era apto para materiales «frágiles». El AGLAE fue desmontado entre julio y octubre de 2016, y su versión mejorada cuenta con un sistema de detección más sensible y puede funcionar las 24 horas del día, en lugar de las entre 8 y 10 anteriores, gracias a un sistema de automatización. El nuevo modelo ha disminuido además la irradiación de las obras estudiadas y, según el Ministerio de Cultura, puede efectuar «cartografías químicas simultáneamente con diversas técnicas de análisis». Sus primeras evaluaciones tendrán lugar sobre estatuillas de bronce conservadas en el Foro Antiguo de Bavay, en el norte del país, pero el acelerador, disponible también para investigadores extranjeros, no estará plenamente operativo hasta finales de año.



Black Friday: las mejores ofertas de libros en FNAC, Amazon y La Casa del Libro

Fri, 24 Nov 2017 10:27:13 GMT

(image) El esperadísimo (y anunciadísimo) Black Friday ya ha arrancado. La temporada de compras navideñas queda así inaugurada con una jornada de descuentos delirantes, que movilizarán a miles de personas. Los lectores y letraheridos tienen ahora la oportunidad de llenar sus estanterías a precios más asequibles, algunos ridículos. Repasamos los mejores descuentos que ofrecen ofrecen las grandes superficies en sus secciones de ocio. Casa del Libro La Casa del Libro ofrece envíos gratis durante todo el día. Además, ofrecen descuentos de hasta el 70% en los libros en papel y hasta un 80% en los ebooks. Los e-reader cotarán una décima parte menos hoy y los calendarios y las agendas se venden con el 30% de descuento. Los 50 libros más vendidos están rebajados al 5%: «El fuego invisible» (Javier Sierra), «Origen» (Dan Brown), «Yo soy Eric Zimmerman), «Eva» (Arturo Pérez-Reverte) y «Patria» (Fernando Aramburu) son los cinco más vendidos. FNAC En FNAC también han decidio ofrecer envíos gratis en libros sin importe mínimo. Además, por la compra de dos ejemplares regalan una bolsa con una ilustración que representa a Bob Dylan con su premio Nobel. El descuento en libros se cifra en un 5%. Amazon La compañía ha decidido rebajar sus dispositivos electrónicos de lectura. El Kindle Paperwhite, por ejemplo, está a 99,99€ cuando su precio normal es de 129,99€. Además, ofrecen hasta un 65% en una amplia selección de ebooks. Tambien han rebajado el precio de sus tablets.



La M.O.D.A.: «Funcionamos como una empresa familiar»

Fri, 24 Nov 2017 02:48:07 GMT

(image) Tras comenzar la gira de presentación de su tercer álbum de estudio, «Salvavida (de las balas perdidas)», con una noche triunfal en su Burgos natal, La Maravillosa Orquesta del Alcohol llega a Madrid para ofrecer tres conciertos (dos de ellos consecutivos) en la sala La Riviera, con todas las entradas vendidas desde hace más de un mes. Un éxito que ya no debería sorprender a los que conocen a esta banda, que por cierto colocó su nuevo trabajo en el número dos de las listas de «streaming». «La verdad es que son tantas buenas noticias que estamos como que no nos lo creemos»; asegura Jacobo Naya (instrumentos de cuerda, teclados). Sentado en el Café Comercial de Madrid junto a su compañero Nacho Mur, también especialista en guitarras, mandolinas y todo lo que tenga mástil, Naya parece estar extraordinariamente sereno, casi ajeno al impacto que ha tenido el regreso de su banda. Los fans de La M.O.D.A. han estado muy impacientes desde que el grupo se tomó un descanso indefinido en 2016, tras varios años surcando carreteras y autopistas de toda España y gran parte de Europa. Necesitaban «respirar hondo» y valorar todo lo que habían conseguido para dar un nuevo paso. Y de ahí salió «Salvavida»; grabado por Santi García en su estudio Ultramarinos Costa Brava el pasado mes de julio. «El proceso empezó realmente en febrero, cuando David (Ruiz, cantante) nos pasó las primeras ideas que tenía», cuenta Naya. «Después nos juntamos todos en Frías, una ciudad burgalesa muy pequeñita, para terminar de dar forma a las canciones y ver cómo recogíamos las nuevas influencias del folclore europeo que hemos ido asimilando». Entonces entró en la ecuación el músico burgalés Diego Galaz, que lleva colaborando con ellos como arreglista y productor desde su primer disco. «Diego, que tiene una carrera excepcional y unos conocimientos increíbles del folk, nos ayudó a crear algunos paisajes», explica Naya, que considera «un acierto» haber combinado su bagaje con el de Santi García, «que es más hardcore, más cañero y crudo». Estudiosos de la música En «Salvavida» pueden encontrarse textos inspirados por escritores como H.D. Thoreau, Jack Kerouac, Charles Bukowski, Miguel Hernández, Julio Cortázar, Chicho Sánchez Ferlosio o Antonio Machado, y a nivel instrumental se han incluido el clarinete, la tuba, el vibráfono, el saxo barítono o el violín trompeta como novedades. «Son aportaciones que van surgiendo», dice Nacho Mur. «Pero la del clarinete fue especialmente curiosa», añade su compañero. «Resulta que Alvar de Pablo (saxofón y coros) había estudiado clarinete en el conservatorio, ¡y nunca nos había dicho nada! Lo desempolvó y ahí está». Banda autogestionada desde su nacimiento, La M.O.D.A. se mantiene fiel a su modus operandi, «aunque cada vez sea más difícil porque tienes que saber de todo un poco», confiesa Naya. Su socio Nacho Mur, recién incorporado a la formación, cuenta entre risas que se va «enterando sobre la marcha de cómo funcionan algunas cosas», y asegura que la banda «funciona como una empresa familiar. Es la filosofía que tenemos, y así es como seguiremos siempre».



Silvia Pérez Cruz: «Con 18 años me propusieron ser la nueva Norah Jones»

Fri, 24 Nov 2017 02:47:28 GMT

Silvia Pérez Cruz (Palafrugell, 1983) siempre ha vivido de la música. «Desde que cobré por primera vez a los 13 años es el único oficio que he tenido», comenta a un volumen muy bajo, como si le diera pudor reconocerlo. Por esa época cantaba en un coro y tocaba el saxofón en varias orquestas y pasacalles de su pueblo. Uno de sus profesores le dijo entonces que su forma libre de entender la interpretación encajaba mejor en el jazz, así que esperó a cumplir 18 años y se fue a Barcelona a estudiar en la recién creada Escuela Superior de Música de Cataluña (Esmuc). Lo tenía claro. «Ahí mi madre me ayudaba un poco, lo típico, pero también empecé a hacer más conciertos», cuenta la tres veces ganadora del Goya sobre aquellas noches de jams en el Jamboree, donde una vez se la acercó un hombre, después de bajar del escenario, para proponerle si quería ser «la nueva Norah Jones». «La propuesta iba en serio y era mucho más importante de las que me ofrecen ahora, pero yo le pregunté: “¿Podré seguir tocando con mis amigos en el bar?”. La respuesta fue que no y le dije que, si era así, no quería», recuerda. «Estoy muy tranquila y satisfecha con mi carrera —continúa—. He respetado mis tiempos y he sido muy honesta. No he querido llegar rápido a ningún sitio, sino disfrutar del camino con los pies en la tierra». En 2004 formó un primer grupo de flamenco mestizo, Las Migas, junto a otras tres compañeras de la Esmuc: una sevillana, una alemana y una francesa. Una época frenética y estimulante de la que salieron tres discos y que estiró, compaginándolo con otros proyectos, hasta 2011. A los 28 años decidió continuar su aventura en solitario y fichó por Universal para publicar «11 de novembre», un compendio de jazz, bossa nova, flamenco y música mediterránea. Aquel disco llevó su reputación más allá de Cataluña, donde ya llenaba teatros cantando en español, catalán, inglés y portugués. «Lo primero que pregunté cuando me llamaron fue: “No me haré muy famosa ahora, ¿verdad?”. La persona por la que entré en la discográfica, Álex Sánchez, me contestó: “La fama es lo que tú quieres”. Y he comprobado que es cierto. He podido decir que no a muchas cosas. Ya me tienen calada y saben que tengo libertad artística total», asegura Silvia Pérez Cruz, que este lunes y martes actúa en el Teatro de la Zarzuela de Madrid. Lo ha demostrado en cada uno de los tres discos que ha publicado desde que ganó el primer Goya por la mejor canción original en «Blancanieves». Desde entonces se ha convertido en una de las mejores y más versátiles vocalistas del país, además de compositora, letrista, arreglista y productora. «No lo hago todo bien, pero llevo toda la vida en esto y he conseguido que cada estilo me enseñe una cosa. Trato de buscar lo que comparten y no lo que les diferencia, y eso no es otra cosa que la verdad que transmiten, ya sea fado, jazz, flamenco o folclore americano. No tengo prejuicios. Por eso digo que me siento muy punk, porque hablo de la actitud, de no tener miedo y arriesgarme», reconoce. Su último salto al vacío es un disco en el que es acompañada sólo por un quinteto de cuerda. Con él ha reinterpretado algunas de las canciones más representativas de su carrera, así como versiones tan sorprendentes como «La lambada». «No es un simple recopilatorio, cuidado. El objetivo fue hacer un gran trabajo de investigación sonora con el que traspasar los límites que los músicos nos ponemos a nosotros mismos. Quería que nos olvidásemos un poco de la partitura para sentir los temas sin miedo a cagarla. El error sólo existe si lo vives con ansiedad», advierte. La canción que le da nombre, «Vestida de nit» (Universal), la compusieron sus padres en la misma época que nació ella, hace 34 años. Su madre escribió la letra. Él, que trabajaba en una fábrica y era un [...]



Natalia Menéndez: «La revisión del mito de Edipo a través del maltrato infantil es un hallazgo»

Fri, 24 Nov 2017 02:47:06 GMT

(image) Tras siete años al frente del festival de teatro clásico de Almagro, Natalia Menéndez ha vuelto a su «vida civil» como directora de escena. Y lo hace con la que califica como «la tragedia más inquietante que he leído en este inicio del siglo XXI»: «Tebas Land», del dramaturgo uruguayo Sergio Blanco. La obra, interpretada por Israel Elejalde y Pablo Espinosa, se presenta en El Pavón Teatro Kamikaze, donde estará hasta el 7 de enero. «Tebas Land» se inspira en el mito de Edipo, pero en ella se entremezclan muchas otras referencias, entre ellas la vida de San Martín, «Los hermanos Karamazov», de Dostoievski; o «Un parricida», de Guy de Maupassant. Cuenta los encuentros, en la cancha de baloncesto de la prisión donde está recluído, de un parricida con un dramaturgo que quiere escribir la historia de su crimen. Dos años ha estado Natalia masticando este texto. «Leí la obra en agosto de 2015 y desde entonces la he querido poner en pie; para ello conté con el productor Salvador Collado, y luego se unió Kamikaze». De la obra dice: «Me remueve mucho, me conmueve. La revisión del mito de Edipo a través del maltrato infantil es un hallazgo, y en la obra se trata de un lugar que a mí me resulta muy interesante. El maltrato infantil tiene consecuencias nefastas; los niños maltratados se convierten en monstruos. ¿A sus padres se les puede llamar verdaderamente padres? Hay, creo, una reflexión muy interesante ahí». Paralelamente, se hila un debate sobre el papel de la creación artística. «Se quita un poco la idea de que la creación es algo romántico, blanco y hermoso, y que no duele. El autor plantea que para crear se utiliza a la gente, y dibuja al creador desde un lugar más complejo. Hay en él manipulación, incluso abuso». Una escena de «Tebas Land» - Vanessa Rabade Los encuentros que muestra la obra van desde el otoño hasta la primavera; «es una metáfora, porque la obra es realista pero tiene mucho simbolismo, mucha poesía. Comienza en el otoño, en una muerte, para ir hacia la primavera, un encuentro de luz entre dos personas; una que está encarcelada como consecuencia de un crimen, y otro que tiene una cárcel dentro porque le cuesta mucho hablar de sí mismo -por eso hace hablar a los demás-, y tiene muchos tabúes». Inquietada por el texto, Natalia Menéndez ha encontrado innumerables capas en su lectura; «no solo intelectuales, sino también emocionales», dice. Al abordar cuestiones de tanta dureza como el maltrato infantil, se corre el riesgo de caer en el maniqueísmo. En el teatro no suele dar resultado ponerse de un lado, y el texto, asegura Natalia, busca el equilibrio. «No sé cuál será la decisión del espectador, pero el autor inventa un juego precisamente para que ese equilibrio se produzca; se llega a entender al parricida, que no es un asesino profesional sino un niño que ha sido una víctima. Es un texto compasivo, y eso me ha interesado». Natalia Menéndez siempre ha intentado que sus direcciones «no se noten», pero reconoce que en esta obra está uno de los que considera sus sellos personales: la ternura. «A mí, como emoción, como poliedro de emociones, me interesa mucho. Hay también humor, sonrisa. Hay luz, y es por lo que dirijo esta función»



«El gato montés», tópicos vestidos de ópera

Fri, 24 Nov 2017 02:46:50 GMT

(image) El 22 de febrero de 1917 se estrenó en el Teatro Principal de Valencia la ópera «El gato montés», de Manuel Penella (autor tanto del libreto como de la música). Se han cumplido, por lo tanto, cien años del estreno de una obra que ha quedado oscurecida por la fama de su pasodoble, que saltó de los teatros para convertirse en un clásico de los ruedos. En 1991, una grabación realizada por Deutsche Grammophon, dirigida por el añorado Miguel Roa e interpretada, entre otros, por Plácido Domingo, Verónica Villarroel, Juan Pons, Teresa Berganza y unos jóvenes Carlos Álvarez y Ángeles Blancas, desveló las bondades de una partitura que aúna la tradición del folclore español (uno de los principales inspiradores de nuestros grandes compositores) con el entonces imperante verismo. En esta ocasión, protagonizan el montaje Nicola Beller Carbone, Carmen Solís, Andeka Gorrotxategi, Alejando Roy, Juan Jesús Rodríguez y César San Martín. José Carlos Plaza es el director escénico, Ramón Tebar el director musical, y Cristina Hoyos la coreógrafa. La historia no puede contener mayor número de tópicos españoles por metro cuadrado. Sucede en espacios como un cortijo andaluz o una plaza de toros, y la protagonizan un torero -Rafael «El Macareno»-, una gitana -Soleá- y un bandolero -Juanillo, «El gato montés»-. Pero José Carlos Plaza no quiere huir de ellos. «Los tópicos son símbolos imperecederos, y hay que utilizarlos». Los referidos, por ejemplo, a Andalucía, una región que, asegura Plaza, ha vivido envuelta en la miseria económica y cultural, que ha contribuido a que la pasión y la tradición -de las que son buen ejemplo las procesiones de Semana Santa- estén arraigadas en aquella tierra». El montaje que presenta la Zarzuela para celebrar el centenario de esta obra es el que se estrenó hace cinco años en este mismo escenario; con él, dice Plaza, pretende lo mismo que con cualquier otro montaje: «Llegar al corazón del espectador, dar alas a su mente y transformarlo de alguna manera». No ha modificado su puesta en escena, pero será distinta porque, afirma, «el teatro es el alma de los personajes a través de sus intérpretes». En lo que califica de una tragedia dominada por la dicotomía entre la razón y la pasión, hay un elemento que ronda por toda la obra: el mito de la muerte. De hecho, en el personaje del torero ha subrayado «su atracción hacia la muerte, ese punto suicida que le lleva a encerrarse con el toro en la plaza». Si para el director escénico «El gato montés» es una de las grandes óperas españolas, para Ramón Tebar, director musical de estas funciones, la partitura de Penella ha sido un descubrimiento. «No la conocía, pero después de estudiarla me parece que es una obra maestra digna de estar en el repertorio internacional; no solo en el de la música española».



Isabel La Católica, el último deseo de la primera gran Reina de Europa

Fri, 24 Nov 2017 02:45:08 GMT

Al día siguiente de la muerte de Enrique IV, Isabel -una Infanta española rubia y de ojos verdosos- se proclamó por sorpresa Reina de Castilla en la iglesia de San Miguel, en Segovia. Tal vez la joven lloró lágrimas en la intimidad por el fallecimiento de su medio hermano, como se encargó de proclamar la propaganda de los Reyes Católicos, pero lo cierto es que no tuvo tiempo de sentir mucha lástima. La rápida maniobra de la Reina sorprendió a todo el mundo, incluido a su marido, Fernando de Aragón, que desde Zaragoza se llevó las manos a la cabeza frente a la que se les venía encima. «Muchos hombres a lo largo de la vida de Isabel la apoyaron pensando que podrían ejercer el poder en su nombre. Fue el caso del obispo Carrillo o de Fernando y sus consejeros aragoneses. Todos ellos se equivocaron. Era una mujer testaruda, que no se dejó manejar por otros», explica Giles Tremlett, que presenta estos días su libro «Isabel la Católica: la primera gran reina de Europa» (Debate, 2017). Una obra en la que el periodista británico, autor de otros dos libros sobre la memoria de España, trata de reivindicar la figura de la castellana como una de las grandes reinas de la historia de Europa. «Mi idea era escribir una defensa de Isabel fuera de España, siendo una figura manchada por la leyenda negra», asegura el británico, que la compara por su fortaleza con Margaret Thatcher: «Son dos mujeres que se impusieron a los hombres, pero que no hicieron nada por mejorar las condiciones de las mujeres de su tiempo». La Segovia Real En un recorrido por el casco histórico de Segovia junto a la prensa, Giles Tremlett ilustró ayer los pasajes de su trabajo biográfico a través de rincones como el palacio del Rey Enrique IV o el imponente Real Alcázar. Precisamente, en este último Isabel pasó parte de su infancia debido a que su medio hermano, Enrique, quería alejar a los nobles de ella y de su hermano pequeño, Alfonso «El Inocente». El Rey era débil y la aristocracia castellana revoltosa, a lo que ordenó que sus hermanos abandonaran a su madre en Arévalo. «Su madre se quedó sola y terminó enloqueciendo. Isabel se endureció, probablemente, con la experiencia de su madre, y aprendió que no podía depender de nadie. Debía abrirse camino ella sola en un mundo de hombres», afirma Tremlett, en las calles que tantas veces recorrió la joven Infanta. Isabel defendió siempre su derecho a elegir con quién casarse, que al final fue el heredero de la Corona de Aragón. Tampoco hacia él ejerció dependencia, dando lugar a una Monarquía dual inédita en la historia. «Me ha costado encontrar otro caso igual, incluso en el terreno empresarial, de una pareja de gobernantes que compartiera tanta confianza y tanto respeto», apunta sobre la relación entre Fernando e Isabel. Curiosamente -recuerda el britanico- los catalanas se apoyaron varias veces en la castellana para que intercediera ante su marido: «Fue una buena aliada para Barcelona». Tanto monta, monta tanto. La construcción de España estaba ya en marcha. Preocupación por los indígenas Ni de la expulsión de los judíos, ni de la instauración de la Inquisición... En los días que precedieron a su muerte, el 26 de noviembre de 1504, Isabel la Católica no se arrepintió de ninguna de las decisiones de su vida. «Si había cometido errores, creía que eran pocos y puntuales», asegura Giles Tremlett. A sus 53 años, una de las únicas preocupaciones que plasma en su testamento estuvo puesta en los «inocentes» del Nuevo Mundo y de las Islas Canarias. La Monarca comprendía que la esclavitud estaba justificada para los «infieles» y los enemigos vencidos, no para los habitantes de la tierra descubierta por Cristóbal Colón. En su lecho escribió: «No consientan ni den lugar que los indios recib[...]



Pizarro reivindica el Derecho como garantía de libertad y agradece al Rey su respuesta al desafío separatista

Fri, 24 Nov 2017 02:44:01 GMT

El desafío separatista, el totalitarismo, la corrupción, la posverdad, la brecha económica y la desconfianza de algunos sectores en la democracia marcaron ayer la apertura del curso de las diez Reales Academias que constituyen el Instituto de España. Una cita que el Rey ha presidido este año con cierto retraso, precisamente por los acontecimientos políticos que se han vivido en España y que le obligaron a despejar su agenda de actos oficiales durante algunas semanas. «Quiero agradecer la comprensión de todos por este retraso», afirmó Don Felipe. En esta ocasión, la ceremonia se celebró en la Real Academia de Jurisprudencia y Legislación, cuyo presidente, José Antonio Escudero, dio la bienvenida al «primer Monarca jurista» en esta «casa del Derecho». El acto acogió un reconocimiento al Rey «por su firme determinación en la defensa de las instituciones ante la crisis desatada en Cataluña» y un homenaje a la Corona como institución-refugio «especialmente beneficiosa en tiempos de crisis». Pero también fue una reivindicación del Estado de Derecho como garantía de la libertad y fuente de progreso y bienestar social. Así lo defendió el académico Manuel Pizarro, que pronunció la conferencia magistral, titulada «Algunas reflexiones sobre el Estado de Derecho». El académico recordó dos frases históricas: «Somos siervos de la ley con el fin de poder ser libres», pronunciada por Cicerón hace más de dos mil años. Y «donde no hay ley, no hay libertad», sentenciada por Locke en el Siglo de las Luces. Y añadió que consideraba oportuno recordar hoy estas palabras, «cuando acecha el viejo pensamiento jurídico totalitario que pretende convertir la legalidad en un obstáculo para la libertad, y llama a concuncarla y socavarla». Sin citarlo, aludía al golpe separatista catalán. En este sentido, advirtió que sin un marco jurídico e institucional adecuado y respetado «no hay libertad y no hay progreso» y que «el Derecho constituye el elemento de estabilidad por excelencia de las relaciones sociales», pues incorpora «las garantías, los procedimientos y el entramado de reglas que hacen posible la convivencia». Calidad de las instituciones Para el académico, el Estado de Derecho consiste en «que gobierne la ley como prescripción objetiva frente al gobierno de la voluntad arbitraria o caprichosa de los hombres». Y para afianzar el Estado de Derecho, dijo, es clave la calidad de las instituciones que conforman su armazón: la Jefatura del Estado, los tres poderes clásicos y sus correspondientes contrapesos. Al hablar de la Jefatura del Estado, Pizarro recordó las palabras que pronunció el Rey en el discurso de proclamación, en las que subrayó la necesidad de que la ejemplaridad presida la vida pública. Y fue en este momento de su intervención cuando Pizarro se dirigió al Monarca: «Muchas gracias, Señor, por su firme determinación en la defensa de las instituciones ante la crisis desatada en Cataluña, dentro del respeto a nuestra Constitución y ateniéndose a los valores y principios de la democracia parlamentaria en la que vivimos desde hace ya casi cuarenta años». Las palabras del académico fueron interrumpidas por el aplauso de los académicos y demas asistentes al acto. Del poder legislativo, afirmó que, si una legislación se queda obsoleta, «se puede modificar, pero sin atajos y de acuerdo siempre con los procedimientos establecidos». Insistió en que «las leyes obligan a todos», advirtió contra «el desmedido incremento de normas legales» y aseguró que la herramienta democrática más eficaz son «leyes que sean lo más concisas y claras posibles, iguales para todos». Sobre el poder ejecutivo aseguró que «el buen gobierno es el primero en defender el orden constituc[...]



Beethoven, el amigo enemigo de Bonaparte

Fri, 24 Nov 2017 02:42:41 GMT

(image) En música, hay un antes y un después de Beethoven. Su presencia marca una suerte de línea divisoria. La cronología aclara algo, aunque no todo. Beethoven nace en Bonn en 1770, en un ambiente influido por los fermentos de la Ilustración, y muere en Viena en 1827, cuando el Romanticismo llama a la puerta. En medio, hay una revolución (la francesa), una restauración, unos generales (Napoleón, Wellington) y muchas batallas en las que –junto a los ejércitos– se enfrentan un nuevo y un viejo orden. Lo que la música de Beethoven encumbra es precisamente la idea de conflicto. Haydn y Mozart enfocaban la forma musical de una manera discursiva, en la que los temas articulaban una variedad de puntos de vista. En Beethoven, el espacio musical se vuelve un espacio bélico en donde los temas se enfrentan, se transforman, se disgregan, luchan por afirmarse. De ahí surge ese tono enérgico y dramático de la materia sonora, ese impacto primordial que deja a los oyentes estupefactos y avasallados ante su música. Jan Swafford lo explica muy bien en su monumental monografía, a la vez que advierte: pese a sus simpatías iniciales por Bonaparte (luego renegadas) y a su amor por los ideales republicanos, Beethoven no fue un revolucionario. Su música se mantiene en los surcos formales de Haydn y Mozart; eso sí, los ensancha hasta límites impensables, los somete a tensiones inauditas. Nadie había llegado tan lejos. Esa potencia, ese dramatismo, influirá de manera decisiva en las generaciones siguientes, que verán en él –en su individualismo así como en su lucha contra las adversidades (pensemos tan sólo en la sordera)– un modelo a seguir. Y sin embargo, Beethoven no puede considerarse un romántico. No le interesa «expresarse a sí mismo», no busca traducir en sonidos unos contenidos subjetivos (hasta tal punto fue reservado con su vida interior que ignoramos la identidad de su «inmortal amada»). En su música, toman forma principios eternos, instancias superiores, se abre paso una vocación humanista que habla a la Humanidad en su conjunto. Más allá del mito Uno de los aciertos del estudio de Swafford consiste en realzar la importancia de la época de formación en Bonn. Fueron años duros para Beethoven, explotado por un padre fracasado y borracho que quería convertirle en el joven Mozart y sacar rédito de sus éxitos. Pero fueron también años marcados por las sabias enseñanzas de su primer profesor, Christian Gottlob Neefe, y por unas relaciones sociales fructíferas gracias a las cuales entró en contacto con las ideas de la Ilustración. El optimismo en el que se cimienta la música de Beethoven pese a todas sus peripecias, la idea de que cualquier conflicto está llamado en última instancia a desembocar en un estado superior de alegría, procede de aquellas tempranas vivencias. Viena, por el contrario, acentuará la misantropía y la soledad del artista. No es fácil a estas alturas escribir una nueva monografía sobre Beethoven. Su figura y su obra ya son inseparables de la corteza de creencias y opiniones que se han construido a su alrededor. Aun así, Swafford ha buscado trazar un perfil lo más objetivo posible del hombre por encima del «mito» que lo rodea. Manejando una cantidad ingente de datos, el autor teje un relato lúcido y apasionante de la biografía del compositor y lo entrelaza con el sagaz análisis de sus piezas más destacadas, en lecturas reveladoras (caso de la «Heroica») pero sin excederse en tecnicismos. Un ensayo admirable, al que Acantilado corresponde con una traducción y un cuidado editorial irreprochables. «Beethoven». Jan Swafford Trad. de Juan Lucas Acantilado, 2017. 1.455 páginas. 45 euros



«Otras mentes», una inteligencia tentacular

Fri, 24 Nov 2017 02:42:31 GMT

Aristóteles, al que se deben varios libros sobre el mundo animal, ya observó el alto grado de inteligencia que se podía dar en algunos animales, sobre todo en el delfín. Fue un notable observador de la fisiología y del comportamiento de los animales. Desde entonces, mucho se ha observado y escrito, pasando de considerar al lobo como hermano (san Francisco), a los animales como suertes de máquinas (Descartes). Darwin lo revolucionó todo al mostrar que los animales tienen un ascendente común. También fue un genial observador del mundo animal, dedicando años al estudio de los cirrípedos. Que los animales son inteligentes es algo que todo el mundo sabe, y que hay grados de inteligencia diferentes, por ejemplo, entre un cuervo, un chimpancé y un pulpo. Son tres tipos de sistemas nerviosos, tres evoluciones distintas, pero todos tienen un antecedente en común; y también nosotros compartimos en algún momento de la evolución un antecedente con ellos. Aunque el inicio de la vida se remonta a unos tres mil setecientos millones de años, la aparición del mundo animal es muy posterior. La famosa explosión sucedió en el Cámbrico (hace unos 542 millones de años). No surgieron entonces los mamíferos, pero sí los artrópodos, además de peces y gusanos. Y algo muy importante, en el Cámbrico aparecen los ojos. Quien quiera conocer esto bien puede leer el maravilloso ensayo que le dedicó Richard Dawkins. Alienígena Peter Godfrey-Smith es profesor de historia y filosofía de la ciencia en la Universidad de Sidney, además de practicar el submarinismo. Ha hecho vídeos sobre el mundo marino y ha publicado diversos libros sobre ciencia y filosofía. «Otras mentes» es fundamentalmente un estudio sobre el mundo de los pulpos, calamares y jibias (cefalópodos), desde perspectivas diversas, pero todas tendentes a tratar de saber qué tipo de «mente» tienen. Algunos estudiosos discriminan entre cerebro y mente, pero lo que Godfrey-Smith quiere hacernos ver es que, si hay alguna mente alienígena la tenemos aquí al lado: es la del pulpo. El antepasado común de humanos y pulpos data de hace unos 600 millones de años. Una línea desembocó en humanos, peces y otros vertebrados, y la otra en moluscos y artrópodos (hormigas, langostas). Es una vieja historia de cuyo medio ambiente hay presencia en nuestras células. ¿No nos debe producir esto humildad, sobre todo cuando nos ponemos muy pesados con la identidad? La función original del sistema nervioso es la de conectar percepción y acción, y de ahí se deriva, con otros aspectos, la complejidad de nuestras mentes. Vayamos al pulpo, ese animal de ocho patas con un sistema neuronal poco centralizado (casi la mitad de las neuronas se localizan en los brazos) de poca vida social, capaz de reconocer, en laboratorios, a sus cuidadores y tener comportamientos diversos según las personas, además de una cierta curiosidad por lo que hay en su ambiente, con interés por curiosear en objetos, de hecho, se ha demostrado en pruebas de aislamiento que pueden resolver rompecabezas, usar utensilios y explorar objetos. Cambiar de color Las termitas tienen una enorme inteligencia social, pero los pulpos, que además viven una media de año y medio, han desarrollado un tipo de inteligencia no social, solitaria, y un poco excesiva para lo que hace. Este depredador tiene tres corazones y puede cambiar de color, a veces como un caleidoscopio. Se trata, al parecer, de la expresión involuntaria de procesos internos del animal. Nuestro filósofo submarinista habla de «parloteo cromático continuo». Dedica el autor páginas a reflexionar sobre la subjetividad y la conciencia, y acerca de otros aspectos primarios que están en la base de nuestro desar[...]



«El tren de Lenin», gasolina y fuego

Fri, 24 Nov 2017 02:42:21 GMT

La prepotencia es veneno para las elites, las conduce al desastre. Vladimir Ilich Uliánov, alias Lenin, fue como bien muestra este excelente libro un psicópata y cuando tuvo poder un asesino de masas. Pero fueron la imprudencia del gobierno alemán, cuando facilitó su tránsito en 1917 a territorio ruso, o el menosprecio hacia lo que representaba por parte del espionaje británico, las razones últimas de su éxito. Tras la primera revolución rusa en febrero de aquel año, que trajo la abdicación del zar Nicolás II y un gobierno provisional, la carencia de liderazgo resultó determinante. Como señaló el padre del novelista Vladimir Nabokov, el príncipe Lvov, primer ministro, «ocupaba el puesto del cochero, pero ni siquiera intentaba coger las riendas». En plena descomposición institucional, se apoderó del gobierno Alexander Kerenski, que intentó contentar a todos y destruyó la acción del Estado. «En la fase actual de la revolución, Rusia no puede ni establecer la paz, ni hacer la guerra», señaló un diplomático. A los espías alemanes y sus jefes políticos, carentes de sentido común, les pareció que la desestabilización de Rusia con la remisión allí de Lenin, un oscuro agitador radical residente en Suiza, ofrecía singulares ventajas. La retaguardia El intento de incendiar la retaguardia aliada pretendía reducir la guerra contra Alemania a un solo frente. Demasiado tentador para no intentarlo. No conocían al personaje. Lenin tomó todas las precauciones para que su regreso a la patria rusa no fuera interpretado como una maniobra de los alemanes y una traición. Resulta asombroso que lo consiguiera, a la vista de la humillante paz de Brest-Litovsk, que los triunfantes bolcheviques firmaron en marzo de 1918 con los militaristas prusianos. En ella, Rusia perdió un tercio de su población y sus tierras cultivadas, además del 75 por 100 de su industria. Les dio lo mismo, porque el plan de Lenin siempre fue otro. Lo repetía todos los días y a todas horas, con la consistencia de un fanático. No había tiempo para la política burguesa, pues la guerra imperialista no era asunto suyo. La promesa de paz, pan y tierra para los campesinos, repetida a todas horas, les daría el triunfo. El gran libro de Merridale desvela grandes y pequeñas historias. Entre las primeras, lo concerniente al patrocinio alemán al inicio de la revolución soviética. Entre las segundas, destacan las relativas al viaje de Lenin y su comitiva de 32 personas, que transcurrió del 9 al 16 de abril. «Tenemos que ir a Rusia, aunque sea cruzando el infierno», había señalado cuando pensó en fugarse de Suiza disfrazado con una peluca, o haciéndose pasar por sordomudo. Al partir de Zúrich el 9 de abril, arrojó a las vías a un socialista alemán, que tomó por espía. Aunque la aduana suiza les requisó el queso y salchichas que llevaban, en Suecia les recibieron con banquetes. El tren constaba de tres vagones de segunda clase y cinco de tercera, con dos lavabos y una zona de equipaje. Lenin impuso límites y horario. Nadie podía apearse y, como prohibió fumar, los afectados por este hábito iban al retrete por riguroso turno. «Se merece algo más que un tiro», proclamó Lenin al saber de la traición del agente doble Malinovsky. Ocho meses después de su llegada, Rusia entraba en la larga era soviética y, un año después, Alemania había perdido la Primera Guerra Mundial. Los soldados leales al gobierno se enfrentaban en las calles de Berlín a las milicias comunistas, que citaban de memoria las frases incendiarias de Lenin. «El tren de Lenin. Los orígenes de la revolución». Catherine Merridale Ensayo. Trad.: Juan Rabasseda. Crítica, 2017. 368 página[...]



Dubai Design Week. Soluciones en la «era post-oil»

Fri, 24 Nov 2017 02:42:11 GMT

Un bosque de rascacielos, uno detrás de otro, conforman el paisaje de Dubai. Muchos de ellos parecen vacíos, otros tantos en evidente construcción: no hay que olvidar que tienen una Expo en ciernes para el 2020. Así que, cuando hace cinco años comenzó una feria comercial llamada Downtown Design, a la que asisten cantidad de empresas importantes en el mundo del diseño, uno entiende que allí se muestren ingentes cantidades de muebles, alfombras, lámparas y objetos de todo tipo que están destinados a llenar esos espacios. Pero esa no es la razón fundamental por la que dos años después se creó la Dubai Design Week. La Jequesa Latifa Bint Mohammed Bin Rashid Al Maktoum, Vice Presidenta del patronato de Dubai Culture, amante de las artes y el diseño, ha jugado un papel clave en impulsar el interés por el diseño en la zona y en convertir Dubai en una plataforma para el diseño internacional que no sólo tiene que ver con el comercio y el lujo, sino también con potenciar todos aquellos aspectos del mismo que están relacionados con la mejora en la vida del planeta, además de fomentar el desarrollo de la creatividad, el talento, la industria y las identidades locales. Talento que se huele Así nace el Dubai Design District, conocido como «d3», un destino dedicado al diseño, con tiendas, restaurantes, galerías... y que actúa como centro neurálgico de lo que ocurre en la semana del diseño. Allí encontramos la exposición «Middle East Design Now!», comisariada por Suzanne Trocmé, que siempre ha tenido un ojo puntiagudo para identificar el talento. Reúne el trabajo 18 diseñadores de distintos países como los Emiratos, Arabia Saudí, Kuwait, Marruecos, Túnez, Jordania y Egipto. Allí encontramos a Ghassan Salameh, de Beirut, antiguo alumno del IED Madrid, cuya versátil lámpara «Arthropod», con varias patas articuladas, es una presencia que casi tiene vida propia. Según explica Trocmé: «La exposición plantea la cuestión de cómo la memoria o el ADN juegan o no un papel en el diseño de Oriente Medio. Cuáles son las formas y motivos con los que quizá nuestros ojos no estén familiarizados, y en qué medida la tradición se funde con el diseño contemporáneo». Este tipo de exposición, como ella cuenta, promueve el interés en la enseñanza de la disciplina, además de una pequeña producción en sus países y la creación de un mercado para sus productos. Trocmé destaca también la presencia de muchas mujeres diseñadoras, por ejemplo, Alia Al Mazrooie, de EAU, o Kawther Alsaffar, de Kuwait, dos creadoras a seguir. Lámpara «Arthropod», de Ghassan SalamehOtro enclave para encontrar diseñadores locales era el pabellón Abwab, obra de Fahed+Architects, que lo construyeron a base del reciclado de muelles de colchón, con un resultado espectacular. Un equipo de expertos (Latifa Bint Maktoum, Joy Mardini, Max Fraser y Rawan Kashkoush) seleccionaron los 45 proyectos que se mostraron. También la empresa BDBarcelona aprovechó la oportunidad para implicarse con los diseñadores del mundo árabe. En una pequeña muestra llamada «PostCraft», comisariada por Samer Yamani, se mostró el trabajo de cinco diseñadores, realizado en Barcelona por los mejores artesanos de BD: el aparador «Talisman», de Maysam Al Nasser; los candeleros «Walking hen», de Aisha Al Sowaidi; los jarrones «Is-Dher», de Hind Majid Al Qassimi, la mesa «Taola», de Gazzaz Brothers; y el espejo «Lunar tale», de Lowla Al Radwan. Aquí también, cuatro de ellos son mujeres. Asimismo, la italiana Lasvit se asoció a un diseñador de Dubai, Khalid Shafar, para la instalación luminosa «Silent Call», que representa la silueta d[...]



Sanchez-Ubiría: África en femenino

Fri, 24 Nov 2017 02:42:01 GMT

(image) Aunque se trata de un sector minoritario, el coleccionismo de arte antiguo africano tiene destacados núcleos en España. Entre los más sobresalientes, el que han configurado Margarita Sánchez y Sebastián Ubiría, que además poseen un importante fondo de arte contemporáneo occidental. Ambos fueron recientemente puestos en diálogo en la muestra La idea en un signo (Centro de Arte de Alcobendas), donde Sergio Rubira planteaba una narrativa que recuperaba, no sin ironía, los discursos que trazaron relaciones entre el primitivismo y las primeras vanguardias. En esta ocasión, la cita propone una lectura transversal de la colección Sánchez-Ubiría acerca de la dialéctica entre la presencia y la ausencia de la mujer en el arte antiguo producido en el África subsahariana. Para ello, Francisco de Santos ha establecido una lúcida cartografía que reflexiona no sólo acerca de los procesos de representación de la iconografía femenina, sino que también indaga en las implicaciones culturales, políticas, religiosas e históricas de esos procesos. El planteamiento de la cita rebasa los conceptos androcéntricos propios de la antropología clásica y abre la posibilidad de desentrañar los vínculos por medio de los cuales el género se entreteje con otras relaciones sociales. El conjunto central de obras seleccionadas acoge distintas fases de la vida reproductiva de la mujer: en pareja, fértil, embarazada, madre y lactante. Pero la exposición también incorpora objetos de prestigio y elementos ornamentales de distinción, así como relicarios, máscaras o figuras mágicas que señalan una constante oscilación entre la exclusión y el predominio de lo femenino; un revelador grupo de obras que refleja cómo ellas participaban de diversos roles superpuestos e incluso paradójicos. La muestra no es sólo la puesta en escena de una magnífica colección -y de la futura sede para albergarla- sino también un sugerente recorrido por caminos poco transitados acerca de la dimensión de la mujer dentro del continente africano y a lo largo de los siglos. Una mujer que es Otra. Presencia / Ausencia de la mujer en el arte africano. La Nave Sánchez-Ubiría. Madrid. C/ Valentín Beato, 11, bajo B. Comisario: Francisco de Santos. Hasta el 8 de febrero.



En la naturaleza de (la colección) DKV e Inelcom

Fri, 24 Nov 2017 02:41:52 GMT

(image) El diálogo entre el hombre y la Naturaleza supone una de las vías de trabajo más sugerentes del arte contemporáneo. Desde esa perspectiva, la voluntad creadora ha buscado espacios de confluencia y concordia con los que borrar, o al menos acortar sus diferencias. Este es también, desde perspectivas particulares, pero similares, el objetivo que anima a dos importantes colecciones corporativas de arte contemporáneo que han aunado esfuerzos en una cita común con la intención de encontrar puntos conceptuales y formales de tangencia. Tabacalera es el espacio de convergencia que ha facilitado el interesante diálogo entre las colecciones DKV e Inelcom Arte Contemporáneo, articulado a través de la acción del ser humano sobre la esfera de lo natural, y en el que la voz de la tecnología ha jugado un papel esencial. DKV Seguros ha construido su colección siempre atenta a la necesidad de elaborar por medio de la creación distintas soluciones de salud y sostenibilidad. En este sentido, ha dedicado especial atención a la personal impronta del artista sobre el paisaje, orientándose hacia formatos, estrategias, materiales y técnicas imbricadas dentro de una clara dimensión tecnológica y emergente. Por su parte, INELCOM ha generado asimismo con las obras que componen su colección una mirada atenta a un mundo sostenible y armónico en el que hombre y naturaleza tiendan a conocerse en vez de desconocerse. Dentro de esta presencia del coleccionismo privado en espacios públicos debe enmarcarse, en este caso en el Centro de Arte de Alcobendas, Hacer amar plantar árboles, muestra que con tal curioso título alberga parte de la colección Valzuela, casi cuatro décadas de pulsión coleccionista del matrimonio formado por María Pilar Cerezuela y Enrique Vallés, y en la que tienen cabida tanto antigüedades como obras contemporáneas en un singular y personal tótum revolútum. Cambio de rumbo. Colección DKV- Colección INELCOM. Tabacalera. Madrid. C/ Embajadores, 51. Comisarios: Alicia Ventura y Javier Quilis. Hasta el 19 de noviembre. Hacer amar plantar árboles. Colección Valzuela. Centro de Arte Alcobendas. C/ Mariano Sebastián Izuel, 9. Hasta el 18 de noviembre.



Italia prohíbe el uso comercial sin autorización del «David» de Miguel Ángel

Thu, 23 Nov 2017 20:33:34 GMT

(image) La imagen de la célebre escultura del «David», obra del genio renacentista Miguel Ángel, no podrá ser empleada con fines comerciales sin autorización, según establece una ordenanza dictada hoy por el Tribunal de Florencia y difundida por los medios. La Justicia ha aceptado así la petición de la Abogacía del Estado contra la actividad de una empresa que al parecer vendía entradas con fotografías del «David» impresas y a un precio aumentado para acceder a la Galería de la Academia, que acoge la obra maestra. En la ordenanza, conocida como «antirreventa», el Tribunal de Florencia emplaza a la compañía turística a retirar todas las imágenes del «David» de sus productos y deberá publicar el texto de la sentencia en su portal de internet y en tres periódicos. Desde ahora las empresas italianas o europeas que quieran reproducir la imagen del «David» en sus productos deberán contar con la autorización del museo que la alberga y pagar las correspondientes tasas. El ministro de Cultura italiano, Dario Franceschini, aplaudió la ordenanza como forma de aplacar «los demasiados casos de reventa por internet y el uso impropio de las imágenes del patrimonio cultural» sin haber solicitado autorización previamente. «A pesar de que el Código de los Bienes Culturales es muy claro sobre este tema, aún hay muchos casos (...). Esta ordenanza representa un importante paso adelante en la protección de los derechos de los consumidores y de las obras custodiadas en los museos italianos», señala el ministro en un comunicado. La monumental escultura, realizada en mármol por Miguel Ángel Buonarroti entre 1501 y 1504, es uno de los símbolos de Italia y de la cultura italiana y está presente en una enorme variedad de recuerdos y souvenirs.



Influencers para un nuevo coleccionismo

Thu, 23 Nov 2017 18:35:33 GMT

(image) El proyecto #mecomprounaobra, una nueva iniciativa de la Fundación ARCO, buscará poner al alcance de cualquier persona interesada en obras de arte con precios inferiores a 2.018 euros, con el atractivo añadido de que serán seleccionadas directamente, en cada una de las galerías participantes, por personas con amplia visibilidad pública. Así, un influencer del mundo de la cultura, el cine, la música, la moda, la gastronomía, etc., elegirá una serie de obras que estarán a disposicion de los interesados en un espacio privado de las galerías madrilenas durante los días 14, 15 y 16 de diciembre. Obra de Miki Leal, seleccionada por Samantha Vallejo-Nágera en la galería F2 - ABC El objetivo es acercar el arte contemporáneo a un nuevo público, motivado por el poder de movilización que hoy en día tienen las figuras públicas a través de sus canales de comunicación; muchas de las cuales han sido elegidas por las propias galerías y todas ellas con prestigio en sus ámbitos profesionales. Es el caso de García Galería, cuyas obras serán seleccionadas por la diseñadora Ana Locking y de Fernando Braso, por la modelo Nieves Álvarez. Por su parte, la galería Pilar Serra contará con la actriz Antonia Sanjuán, mientras que F2 lo hara con la chef Samantha Vallejo-Nágera. Max Estrefla confiará la selección de obras a la periodista Marta Riopérez; Travesía Cuatro a la ilustradora Monstruo Espagueti; Espacio Mínimo a Charo lzquierdo, directora de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid; y Nogueras Blanchard a Jean Porsche, arquitecto. Otras galerías que han confirmado su participación en este proyecto son: Sabrina Amrani junto a Ianko López; Alvaro Alcázar, que contará con María de León; Formatocomodo con Kike Sarasola; José de la Mano con Joan Matabosch; Rafael Pérez Hernando Arte Contemporáneo con María Blasco; Galería Alegría con Diego Postigo; Moisés Pérez de Albéniz con Fernando González Molina; Ponce + Robles con Tomás Alía; The Goma con Inés Ybarra; Maisterravalbuena con Andrés Rodríguez; Heinrich Ehrhardt con Paco Pintón; y Galería Bacelos con Elena Furiase. Obra de Julio Le Parc, seleccionada por Nieves Álvarez en la galería Fernández-Braso - ABC Además, todas las personas que compren obra en el marco de este proyecto recibirán una invitación a ARCO 2018, que se celebrará del 21 al 25 de febrero en Ifema. El fomento del coleccionismo es una de las principales líneas de trabajo de ARCO, que especialmente, a través de la Fundación ARCO, desarrolla actividades e iniciativas que buscan apoyar y dar voz a coleccionistas de todo el mundo. Con esta idea surge #mecomprounaobra, un proyecto creado con el objetivo de animar a personas jóvenes con posibilidad de comprar arte y acercarles a este mundo.



Dime qué estás tramando y te diré qué feria eres

Thu, 23 Nov 2017 18:02:05 GMT

Cada vez es más normal que las diferentes ferias de la capital no se resignen a concentrar todas las energías de sus diversas convocatorias en las fechas en las que éstas se celebran. Bien posicionados están ya los Encuentros Colecciona, de Estampa, que a lo largo del año convocan a los amantes del arte a sus charlas con agentes del sector y visitas privadas a importantes exposiciones en galerías y museos. Hasta cuatro ediciones se cuenta ya en su lista de haberes. En esta línea de iniciativas para no caer en el olvido ha ido asomando también la cabeza ARCO con sus «gallery walks», tanto en Madrid como en Barcelona (allí el próximo tendrá lugar el 16 de diciembre por las galerías del Example) o Valencia, generalmente en sus arranques de temporada, coincidiendo con Apertura, el Gallery Weekend o Abierto Valencia, respectivamente. A la búsqueda de «likes» Esta misma feria prepara en Madrid para mediados del próximo mes (del 14 al 16 de diciembre) el proyecto #mecomprounaobra, una iniciativa de la Fundación ARCO (en colaboración con WeCollect Club, que se ha encargado de toda la coordinación) para fomentar el coleccionismo entre los no iniciados o jóvenes que no saben cómo atinar en sus elecciones. Para «hablar el mismo idioma» y «continuar en su onda millennial», la responsabilidad de la elección queda en lo que ARCO ha denominado «influencers», esto es, personajes más o menos conocidos del mundo de la cultura (pero no del arte), que eligen (no bajo criterios profesionales, sino, entendemos, de gusto personal) las obras a disposición de este público novel en cada una de las galerías participantes (un total de treinta, casi todas las madrileñas que luego acuden a la feria). El único requisito con el que han trabajado es que el precio de las obras seleccionadas sea inferior a los 2018 euros (IVA no incluido), cifra que coincide con la del próximo año. Conscientes de su responsabilidad en la formación de nuevos públicos, la peculiaridad de los recorridos guiados y gratuitos de JustMad de este fin de semana es que correrán a cargo de cuatro artistas Y entre los seleccionadores metidos a críticos por unos días, hay de todo, como en botica: desde una diseñadora como es Ana Locking en García Galería, o la modelo Nieves Álvarez en Fernández Braso. Por su parte, la galería Pilar Sierra contará con la capacidad de convocatoria en redes de la actriz Antonia Sanjuan, mientras que F2 lo hará con la de la chef Samantha Vallejo-Nágera. Max Estrella confiará la selección a la periodista Marta Riopérez; Travesía Cuatro, a la ilustradora Monstruo Espagueti; Espacio Mínimo, a la directora de Mercedes-Benz Fashion Week Madrid (Charo Izquierdo), mientras Nogueras Blanchard cuenta con la complicidad del arquitecto Jean Porsche. Detalle de una de las piezas de Miki Leal de #Mecomprounaobra en F2Otras galerías que han confirmado su participación son Sabrina Amrani (Ianko López); Álvaro Alcázar (y la actriz María León); Formato Cómodo y el empresario Kike Sarasola; José de la Mano con el músico Joan Matabosch; Rafael Pérez Hernando y María Blasco; Ponce + Robles con el interiorista Tomás Alía o Bacelos con la actriz Elena Furiase. Lo que se espera de todos ellos –más o menos populares para el gran público; con más o menos seguidores– es el «bombardeo» masivo de sus selecciones a través de sus redes, de forma que animen a sus «crush» y «followers» a acercarse a las galerías (muchas de ellas encantadas, ya que ésta es una forma de salirs[...]