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Comicologia





Updated: 2018-03-06T11:46:00.657-06:00

 



The Originals: El sentido de Pertenencia

2011-09-29T20:40:52.797-05:00

Saludos, lectores. Presentando un post nuevo en Comicología. Un post que espero disfruten y recomienden si creen que lo vale.En esta ocasión les traigo una reseña, recomendación y sencilla reflexión personal sobre uno de los trabajos del aclamado Dave Gibbons, conocido por muchos por su trabajo en Watchmen, con Alan Moore.Un trabajo excelente y muy recomendable, a mi manera de ver: The Originals.Situada en un futuro posible en lo que sería Inglaterra, la vida cotidiana no ha cambiado mucho a lo que en tiempos pasados ofrecía: violencia, glamour, tecnología y los mismos sentimientos que el ser humano ha proyectado desde su primera aparición; sentimientos como la amistad, el amor y la ira. Publicada por la línea Vertigo de DC Comics -la línea editorial para lectores que se cansaron de los súper héroes y donde de vez en cuando aparecen en sus títulos- en el año de 2004; The Originals pasa ser una visión de Dave Gibbons sobre las llamadas sub-culturas de la juventud de los años 60 en Inglaterra; Gibbons crea una historia basándose en la lucha eterna de los mods y los rockers de aquellos días de su juventud situándola en un futuro donde ahora se llaman The Originals (mods) y Hovers (rockers).La historia, para no darles detalles y se acerquen a esta obra, la resumiré de esta manera:Dos amigos de la escuela (Lel y Bok), terminan sus estudios y su máxima aspiración es pertenecer al grupo the Originals; un grupo de esos rebeldes, callejeros y señalados por la sociedad que destaca por traer las mejores scooters, las mejores vestimentas, la mejor droga, las chicas más lindas, etc. Lel y Bok hacen lo que pueden para llamar la atención del grupo y finalmente son aceptados.Ambos tienen aspiraciones que llegan a lo banal, pero nunca pierden el arraigo de la amistad, del saber que pertenecen a un grupo que nunca los traicionará y de sentirse, por fin, importantes. Pero Lel sabe perfectamente qué busca al ser un miembro de The Originals. Como suele pasar en este tipo de historias, Lel conoce el amor en una chica que lo acompaña a donde sea que vaya con sus nuevos amigos, en sus scooters. El status que Lel y Bok han obtenido por ser Originals no debe perderse por ningún motivo; Lel comienza a trabajar como traficante de drogas para el líder de la banda (el líder que vemos un par de veces y nunca es amenazado por algún miembro de la otra banda) y obtener dinero para solventar sus gastos, parrandas y scooters. Él sabe lo que quiere para sobresalir.Existe otro grupo: los Hovers. A diferencia de The Originals, ellos visten con mezclilla, traen el cabello largo, la barba a medio crecer y chamarras de cuero; todo un cliché del rockero rebelde de los años sesenta. Tanto Hovers como Originals tienen ese sentido de arraigo hacia el grupo y ambas bandas tratan de sobresalir de la otra. La tensión entre las dos bandas se va desarrollando conforme la historia de Lel y Bok es contada; hasta que llega un momento en donde las cosas se salen de control y no solamente uno de los actores de esta historia llega a perder...The Originals no es una historia pretenciosa. La historia es sencilla, entretenida y, dicho de la misma manera, simplemente clásica. El protagonista, que al inicio de la historia es inexperto, inocente y pobre toma las riendas de su destino; va tomando vivencias para agregarlas a su astucia para resolver problemas que amenacen su status social, el gran sacrificio que ha hecho para por fin ser una persona reconocida entre esa masa llamada sociedad. La clave de Gibbons para que el lector siga clavado en las páginas de The Originals es enfrentar la moral de quien lo lee con la moral de los protagonistas. En una historia de "buenos contra malos" solemos identificarnos generalmente con los buenos; en The Originals no hay buenos ni malos; está solamente el reflejo de la sociedad que lucha con ella misma para que ningún individuo se salga de ella. Y al momento en que sucede eso, las cosas se ponen difíciles, muy difíciles.Independientemente de que Gibbons haya dicho que lo que vivió en esa época en Ing[...]



Spiderman: India

2011-04-26T16:30:22.376-05:00

Saludos a todos.Hoy les traigo una interesante historia sobre Spider-Man en una realidad totalmente diferente. Spider-man: India. Este artículo me lo publicaron originalmente en la revista "Cine Confidencial #36, Especial Spider-Manía vol. 2", del año 2009, por Editorial Mina.Hemos visto a Spidey en muchas versiones: Televisión, cine, en cómic lo hemos visto cambiar de su uniforme característico demasiadas ocasiones; de negro, con armadura plateada; con la arañita por aquí, por allá; patrocinado por Iron Man, en fin…con cualquier vestimenta hemos disfrutado de las aventuras del arácnido a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión, Spiderman salta del continente para que su historia sea contada de una manera diferente, pero sin perder la esencia de lo que es nuestro fiel amigo, Spiderman…en la India.Es otro mundo…Spiderman India, es un proyecto de Gotham Entertaiment originaria de India y que fue publicado en 2004 en aquél país en cuatro volúmenes y un año después Marvel Comics lo publicó para el mercado americano, recopilándolo después en formato de trade paperback. Aquí en nuestro país, Editorial Televisa y Marvel México lo trajeron como primicia dentro de sus series especiales, siendo parte del gusto y de lo más “hard to find” dentro de lo que esta editorial ha publicado para los spidermaníacos mexicanos.Creado por Sharad Devarajan, Suresh Seetharaman y Jeevan J.Kang con Marvel Comics, Spider-man India nos lleva a la urbanidad y a la cotidianidad de los jóvenes hindúes, o eso se pretende ver en esta historia. Vemos que en cada capítulo, los autores nos introducen a su léxico y caló regional, logrando ese acercamiento e interés para el lector. La historia es digerible, no esperen un guión complejo a primera vista, nos recuerda un poco a lo que Marvel hacía en sus años dorados cuando algún personaje de su editorial visitaba un “lejano y extraño” país, claro que, con toda la información que corre en estos días la ignorancia de los escritores hacia otras culturas ajenas a la americana ya no es tan evidente. El dibujo es bueno, no es el mejor que se haya hecho en la historia del arácnido pero no deja malestar, podría parecer que el artista en algunos paneles haya dibujado “a prisa”, pero si nos vamos adentrando en el punto esencial del guión de este proyecto se olvida.La historia de “Spider-man: India” no es otro “what if…” ni mucho menos un elseworld o algún crossover con la distinguida competencia; no, este proyecto va mucho más allá de contar una historia sobre el arácnido en un espacio-tiempo diferente al que se desarrolla comúnmente. Spider-man India, es el acercamiento a una cultura a la que por los medios de comunicación e información nos ha acercado pero que por su lejanía y complejidad no nos hemos adentrado. Gracias a Spider-man: India, podemos informarnos y enterarnos de costumbres de aquél lejano país, que posiblemente quedemos en las mismas interrogantes o en la acostumbrada indiferencia, pero no cabe duda que entenderemos que el concepto del héroe no es solamente propiedad de algunas culturas.Si bien es cierto que Spider-man y Marvel no son el pretexto para conocer sobre otras culturas, son quizá la única manera para que algunos lectores desinteresados miren hacia aquel país lleno de riqueza cultural o hacia otras culturas o conocimientos filosóficos. Ése es el objetivo primordial de este proyecto, que a pesar de sus detractores, puede llamar la atención de muchos fans del cómic a un país lleno de mitos e historias milenarias.Los PersonajesLos actores de esta historia no distan mucho de sus contra partes americanas; simplemente, como los autores dicen, quisieron darle el toque regional para acercar al público hindú a nuestro amigo arácnido y viceversa. Lo que nos enseña, que el concepto de héroe no solamente puede vestirse con capa o máscara y que trepe o vuele sobre rascacielos, sino que también puede adaptarse a cualquier espacio-tiempo sin perder el centro esencial que es el equilibri[...]



Iron Man y sus Armaduras

2011-03-26T14:20:18.300-06:00

Saludos a todos los lectores que entran a este blog. En esta ocasión les tenemos una lista de las muchas armaduras que Iron Man ha diseñado durante este tiempo. Esta lista me fue previamente publicada en el 2010 dentro de la publicación Megarevista VK #34. Comencemos:Tony Stark, además de ser el Caballero en armadura moderno, necesita actualizar todo aquello que concierne al héroe que representa al portar esa coraza y convertirse en Iron Man. Durante casi cincuenta años que el “cabeza de concha” ha aparecido en la viñeta, su armadura ha ido evolucionando de acuerdo a los avances tecnológicos que la sociedad ha experimentado y formado parte de su vida diaria para hacer más creíble un personaje en sus características.La tecnología ha estado en nuestras vidas desde que se inventó la rueda; y dentro del medio del entretenimiento – particularmente en el cine y el cómic de sci-fi y súper héroes –, los avances tecnológicos se reflejan tanto en la manera de producir como dentro de la historia con los personajes, sus situaciones o elementos; todo esto puede resumirse en el personaje de Marvel Comics, Iron Man, que, desde el uso de transistores, pasando por microchips, fibra óptica y nanotecnología acerca al público cinéfilo y comiqueril a un mundo que es más posible con el paso de los años.Iron Man, dentro del cómic –y en las películas también–, ha cambiado de armaduras como si fueran cualquier cambio de ropa; a diferencia de otros héroes que necesitan de muchas aprobaciones editoriales para un cambio trascendental, en Iron Man la libertad de portar cuanta armadura necesite para diferentes misiones, o simplemente darle algunos ajustes a la que en ese momento porta. He aquí una lista de las más sobresalientes:La PrimeraPrimera aparición: Tales of Suspense #39, (1963)Con esta armadura empezó todo; su apariencia tosca y fría generaba miedo en sus primeros enemigos. Aunque en realidad ésta armadura fue diseñada por Stark con la finalidad de sobrevivir y luchar contra la esquirla de granada que se aproximaba mortalmente a su corazón, ésta armadura funcionó para redefinir el destino del playboy, empresario e industrial. Días DoradosPrimera aparición: Tales of Suspense #40, (1963)Tony Stark, convencido de que lucharía contra el mal, notó que su armadura gris generaba miedo no sólo a sus enemigos sino a la ciudadanía y a todo aquel que defendía. Es por eso que pensó en hacerle el primer cambio de muchos que vendrían en su historia: cambiarle el color. Rojo, Dorado y… EstilizadoPrimera aparición: Tales of Suspense #48, (1963)Con la aceptación de los fanáticos marvelitas hacia el vengador dorado, la editorial decidió hacer un rotundo cambio a la armadura que porta Tony Stark. Ahora, basándose en los héroes de los pulps, Iron Man cambia su apariencia de un personaje tosco y evidentemente pesado a uno colorido, estético y ligero. Reflejando el avance tecnológico que Stark ostenta con su empresa, Stark Industries (Enterprises). Esta armadura es considerada como Mark 2 y mostraba una careta amarilla con dos puntas que sobresalían en la parte superior. Es también la armadura que da origen a todas las demás que aparecen hasta hoy. Adiós PuntasPrimera aparición: Tales of Suspense #54 (1964).Tony le hace un nuevo cambio a esas puntas que sobresalían, para darle una forma que semeje a lo que un casco, claro, sin eliminar la división de color del amarillo y rojo que tenía y respetando la línea de esas puntas, ahora incorporadas totalmente al casco. Un ajuste para enfrentar a uno de sus enemigos más acérrimos: el Mandarín. La ClásicaPrimera aparición: Tales of Suspense #66 (1965).Compartiendo el título con el Capitán América, Iron Man y Stark nos comparten otro gran cambio a su vestidura de metal. Es el modelo que durante años se mantuvo dentro de nuestro inconsciente como la armadura idónea para Stark. RinoplastiaPrimera aparición: Iron Man vol.1 #68 (1974).Ahora con un título para él solito, en éste n[...]



Voltron: El Rey León.

2010-11-03T22:34:10.432-06:00

Saludos, amigos lectores de Comicología. Después de unas largas vacaciones llegamos aquí con un nuevo post esperando que sea de su beneplácito. En esta ocasión le toca a un personaje clásico de los años 80: Voltron.El siguiente post fue originalmente publicado en la revista mexicana Otaku, numero 52 de Junio de 2010, siendo su servidor el autor.“En una época inmemorable, de regiones misteriosas del universo, nos llega una leyenda. La leyenda de Voltron: Defensor del Universo. El robot poderoso, amado por los justos, temido por los cobardes. A medida que crecía la leyenda Voltron, hubo paz en torno a las galaxias. En el planeta Tierra, se formó una Alianza Galáctica. Que unida a los planetas buenos del Sistema Solar, han mantenido la paz a través del universo. Pero ha llegado una amenaza nueva y terrible a las galaxias. Voltron debe surgir de nuevo. Esta es la historia de una súper-fuerza de exploradores del espacio en quienes ha depositado su confianza la Alianza. Entregándoles los antiguos secretos de cómo ensamblar a Voltron: Defensor del Universo.” Así se escuchaba la voz en off en el opening de una de las series más memorables y queridas de los años ochenta en México y el resto del mundo y sin más preámbulos, comencemos:Dos en UnoVoltron fue una serie animada que llegó a nuestro país a mediados de los ochenta; es del género Mecha o “Super Robot”. El concepto de Voltron estuvo a cargo de la casa de animación norteamericana, World Events Productions que, para traer al continente americano al gran robot, unieron dos animes totalmente diferentes: Armored Fleet Dairugger XV –que viene siendo el Voltron que vimos en los años ochenta en la TV abierta– y, Beast King GoLion la cual se pudo ver a través de la televisión de paga años posteriores.World Events Productions tomaron ambas series y las convirtieron en la idea de Voltron; concediéndole a GoLion ser la “primera temporada” y posteriormente a Dairugger XV formar la última. La transmisión de esta serie en el continente americano fue en el año de 1984 y terminando en el año siguiente. En México, Voltron llegó al canal cinco de Televisa al terminar en Estados Unidos – en el año 1985–, acompañando a Mazinger Z en la programación de caricaturas de este género por las tardes, de Lunes a Viernes. Dentro del fandom, para referirse a cada Voltron se dice que el primero que se transmitió es Voltron Lion Force, siguiéndole Voltron Vehicle Force como el que corresponde a la segunda temporada. Años después, hubo un proyecto para relanzar la marca Voltron con una animación en computadora llamada Voltron: The Third Dimension. Y para este año, en el otoño, World Events planea lanzar Voltron: Panthera Force, en el canal Nickelodeon. Pero vayamos por partes:Los leones de coloresBeast King GoLion, es originalmente una animación japonesa que comenzó en el año de 1981 a cargo del reconocido estudio Toei Animation. La serie tiene un total de cincuenta y dos capítulos en los que se narra la historia de cinco exploradores espaciales situados en el año de 1999, claro, para inicios de los años ochenta el hablar del fin de siglo XX era parte del concepto y argumentos en la ciencia ficción y la fantasía.Estos cinco exploradores llegan a la Tierra, después de una misión estelar en el planeta Altea para liberarlo del yugo del Emperador Daibazaal. Al llegar a la Tierra, se dan cuenta que el planeta está deshabitado y aniquilado por una guerra nuclear –un suceso muy utilizado en el cine y la TV–, con el paso de la historia, los exploradores regresan a Altea para encontrar la manera de despertar al antiguo robot todopoderoso GoLion, para poder derrocar y terminar de una vez por todas con la mano dura de Daibazaal.En el origen que se cuenta sobre GoLion se dice que era un robot poderoso que derrota a grandes fuerzas maléficas en el espacio, lo que ocasionó cierta arrogancia en el robot. GoLion intenta enfrentar a una diosa más poderosa que[...]



Blue Beetle: El que empuja el Sol.

2010-09-22T12:53:55.466-05:00

¡Saludos, lectores! Comicología le presenta ahora un personaje del que dio mucho de qué hablar durante la Crisis Infinita de DC Comics, en el año 2005. Nos referimos a Blue Beetle, conocido en español como Escarabajo Azul, tal y como su nombre en inglés lo indica. OrigenBlue Beetle fue creado en el apogeo de la Edad de Oro del cómic, –a finales de los años 30– bajo la mano del dibujante Charles Nicholas Wojtkowski, conocido solamente también como Charles Nicholas. El argumento y origen principal de este personaje fue ideado por la leyenda Will Eisner. Nicholas trabajó en algunos títulos como Captain America Comics, Human Torch Comics y Sub-Mariner Comics, haciendo algunas portadas en esos títulos, pero, sin duda, el Escarabajo Azul ha sido su mayor aportación al cómic. Beetle aparece por primera vez publicado en Mistery Men Comics #1, de la editorial Fox Comics en 1939.Durante esta época dorada, la identidad secreta de Blue Beetle es Dan Garrett, un policía novato que, al tomar la “Vitamina 2-X”, portando un traje especial anti-balas y que le da súper-fuerza, combate el mal, vestido como el Escarabajo Azul. Lo acompaña un aliado, un farmacéutico quien le surte de la Vitamina 2-X: el Doctor Franz.Es curioso anotar que, en ésta época los orígenes y argumentos eran similares en muchos personajes: si su poder no residía por razones alienígenas, eran concedidas por un poder/dios antiguo (de la cultura egipcia, particularmente, gran influencia en éste personaje, como veremos después) ó, gracias a los avances tecnológicos como “súper-sueros” o súper vitaminas como la de Blue Beetle.Llegaríamos a decir que esta primera versión de Blue Beetle semeja visualmente a The Phantom –de Lee Falk y Ray Moore–, y con una tendencia a lo que sería el suero del súper soldado del Captain America de Jack Kirby; no es de extrañarse ya que tanto Nicholas como Kirby estuvieron trabajando en sus inicios en el estudio de Will Eisner. Cambio RadicalPosteriormente –y debido a las bajas ventas e interés de los lectores–, el personaje no aparece si no hasta los años cincuenta; ahora bajo la custodia de la editorial Charlton Comics, una editorial “familiar” con base en Conneticut. En 1955, Beetle tuvo una aparición en sólo cuatro números y, hasta el año de 1964, Charlton le da otra oportunidad para reivindicarse. En esta ocasión, el personaje presenta un cambio en su traje; mostrando una primera versión de sus goggles y acentuando más el color azul. Además de la apariencia, el origen de Garret cambia. Para transformarse en el Escarabajo Azul, Garrett necesita decir las palabras “Kaji dha!”, algo parecido a lo que hace Shazam!, de C.C. Beck.En esta nueva versión, Dan Garrett es un arqueólogo que encuentra un escarabajo en unas excavaciones en Egipto y que lo convertiría en el héroe azul al pronunciar “”Kaji Dha!”. Esta actualización estuvo a cargo del escritor Joe Gill (co-creador de The Atom y Peacemaker) y Tony Tallarico, siguiendo la idea del aventurero arqueólogo.Pero no fue hasta 1967, que aparece tal y como lo conocimos hasta los últimos años, con su traje de dos tonos azules, parecido a un traje de buceo de alta tecnología. Fue Steve Ditko quien le dio esa nueva imagen que lo caracterizó hasta el año 2005, cuando DC Comics ya era dueño del personaje, desde inicios de los años ochenta, cuando compran Charlton y todo su panteón de personajes quienes se integran a los ya conocidos después de la “Crisis en Tierras Infinitas”, de 1985. Ditko retoma ciertas ideas que lograron de Spiderman un personaje interesante para el lector. Ahora en esta versión, Blue Beetle es Ted Kord y toma la identidad cuando Garrett muere. Kord es un científico con rangos muy altos en ingeniería, física, biología, etc. (ajustándose a las tendencias sci-fi de aquellas épocas, tal y como Flash, The Atom o Green Lantern), dueño de Kord Industries, goza de los privilegi[...]



Detroit Metal City: El Diablo sabe Vender

2010-03-25T21:07:31.448-06:00

¡Saludos!En esta ocasión les comparto un manga/anime que, por gusto hacia la música que tiene quien "postea" en este blog, es publicado aquí en "Comicología": Detroit Metal City. Quizá se desvíe un poco de la idea del blog de profundizar particularmente en personajes del cómic en general, pero en éste post encontraremos una recomendación interesante y que posteriormente podamos encontrarle su lugar dentro de la cultura musical, del cómic y del entretenimiento. Este post fue originalmente publicado como un artículo para la revista mexicana Otaku número 49 de enero del 2010, escrito por este mismo autor de Comicología; con la idea de que esté a disposición de los lectores de éste blog. Comencemos:DMC, Detroit Metal City. Un anime/manga que por simple vista nos conduce a recordar clichés del mundo del rock; en especial de la música, su industria en el ancho del planeta y todos los seguidores de miles de géneros y tendencias musicales que hay. Un anime especialmente pensado para los que consideran que la música lo es todo en la vida…¡Vamos a Rockear!¿A quién no le gusta la música? No me refiero a un tipo de música, sino a la música en general: los géneros, los festivales, los discos, leyendas vivas y muertas, cantar, gritar y hasta interpretar tu canción favorita. Existen muchos mitos en la música, principalmente en el mundo del rock; se habla desde cultos satánicos, mensajes diabólicos y subliminales en las letras de las canciones, en las portadas de los discos, en la actitud de cierto miembro o de toda la banda; drogas por doquier, fiestas sin parar; el backstage con litros de alcohol y murciélagos para comerlos en el escenario... En fin, cosas que se podrían decir que son ciertas, pero en una industria donde lo que importa es el vender, todo se vale. En DMC podemos tener una mirada que rompe -o confirma- todos éstos clichés y paradigmas de los que se han hablado y debatido desde que nació el rock’n’roll como estilo de vivir. Detroit Metal City es un manga/anime nuevo. Publicado por primera vez en el 2005 y su animación en el 2008. La versión impresa publicada por la revista Young Animal, revista que publica mangas dirigidos a un público más maduro o en otros casos, “adulto”, género conocido por los lectores asiduos al manga como Seinen.La animación estuvo a cargo del Studio 4°C, con doce capítulos de trece minutos aproximadamente, sinceramente tardó mucho en dar el salto manga/anime y más una historia donde lo importante es escuchar la música que los personajes ejecutan en sus presentaciones; no es lo mismo imaginar notas y líricas que escuchar y “presenciar” un show. Detroit Metal City, es un anime que por su naturaleza no es del agrado de quien no soporte “música que parece ruido” (sic), ya que, el metal –death metal, para ser exactos-, con sus estridentes y orgásmicas notas permanece presente durante todo el anime, siendo la música el principal protagonista de la serie, pues debe estar presente.La historia se centra en un muchacho llamado Soichi Negishi, fan del pop sueco (Abba, Ace Of Base, por ejemplo) quien es el líder de la banda Detroit Metal City apareciendo como Johannes Krauser II, su álter ego muy contrario de lo que Soichi es pero que al final ambas personalidades vienen siendo la misma persona. Nadie de sus familiares y amigos saben que es Johannes Krauser II y esta situación hace que en ciertos momentos la historia tome tintes cómicos. Los personajes recurren a ciertas actitudes y respuestas que se pueden escuchar dentro del ambiente musical rockero y en contraste a lo que Soichi busca con sus swedish pop podemos ver que no todas las apariencias en el mundo musical son abiertamente ciertas.Mitos que se vuelven realidadesAunque es obvio que el nombre y la vestimenta de los personajes fueron tomados del grupo norteamericano de los años setenta, KISS y su canción “Detroit Rock City”, es interesa[...]



Marvel y Star Wars

2015-04-07T15:20:17.422-05:00

Saludos, lectores. En esta ocasión publicaremos la historia de uno de los títulos que Marvel Comics aprovechó en un tiempo para salvarse de una de sus inminentes quiebras pasadas y que por las grandes ventas que tuvo, la editorial "maravillosa" se salvó: Star Wars. Este post es la reproducción "digital" de un artículo que me fue publicado en la revista mexicana "Cine Confidencial" número 35, de Noviembre del 2008.Un post para fans de la Saga de George Lucas y para los fans del Marvel de los años 70's-80's.Antes de Dark Empire, Shadows of the Empire y The Force Unleashed ya existía el Universo Expandido de Star Wars. Y no pudo haber otra editorial como Marvel Comics para publicarlos y generar ideas que en años posteriores se volverían a retomar para cimentar o determinar el origen de un personaje, un planeta o del Imperio mismo…107 EmocionesEn 1977, dentro del apoyo sinérgico que George Lucas preparaba para apoyar su primera película de Star Wars, estaba la adaptación en viñetas de ella; y para esa tarea no hubo otra editorial como Marvel Comics para hacerlo bajo la mano y dirección editorial de Roy Thomas -el entonces editor en jefe de esa editorial, desde 1972-, y Howard Chaykin –el mismo artista que se encargó de crear el primer poster promocional de Star Wars en las convenciones, siendo el mas valuado entre todos- en los dibujos y tintas. Siendo el primer número publicado en julio de aquél año ’77 y el comienzo de lo que en futuros años llamaremos todos los fans, el Universo Expandido.La serie duró ciento siete capítulos, de 1977 a 1986 y con tres números anuales especiales, no podía faltar el sello marveliano de ofrecer algo más que una revista mensual. Casi diez años de emociones y descubrimiento de nuevos planetas, seres inimaginables y sorpresas en cada página de principio a fin, los cómics de Star Wars en sí no aportan continuidad dentro del “canon” pero dio muchas ideas para próximos trabajos. Los primeros seis números fueron la adaptación de A New Hope, con la diferencia de que no se le suprimieron las escenas borradas de Luke, Biggs y sus amigos en Anchorhead, la aparición del Jabba “humano” que era un alien bípedo que posteriormente fue conocido como la raza Ninbanel. Posteriormente, desde los números 7 al 38 se relatan historias que suceden entre A New Hope y Empire Strikes Back; siendo las primeras historias que iban “más allá de las películas” –como lo decía en la portada del número siete y convirtiéndose éste en la primer historia del Universo Expandido de Star Wars.En el número 39, comienza la adaptación de Episode V: Empire Strikes Back, escrito por Archie Goodwing y dibujados y entintados por Al Williamson y Carlos Garzón. Para los lectores ya no les hizo sorpresa que en Empire…Darth Vader anduviera en busca del joven que destruyó la Death Star, ya que en números anteriores ésa búsqueda había comenzado y hasta un encuentro tuvieron estos personajes en el número 37 de la serie. La adaptación de ESB termina en el número 44, dejándonos también como elementos adicionales a la película las escenas eliminadas, tales como el ataque de los Wampas en la base rebelde de Hoth y la escena completa del tanque de bacta. Paralelamente, Marvel saca un compilatorio de éstos números conocido como “The Marvel Comics Illustrated Version of Empire Strikes Back”; cómic caracterizado por incluir a un Yoda diferente al que se conocía en la película utilizando un sketch de Ralph McQuarrie.La batalla continúaDespués de la adaptación de ESB, J.M. de Matteis y Carmine Infantino se encargaron del argumento y dibujo de la serie, después de ellos Mike W. Barr, Chris Claremont, David Michelinie, Walt Simonson, entre otros escritores y dibunantes; historias que nos iban llevando hacia la última parte de la trilogía clásica. Se relataban aventuras de Lando Calrissian y Chewbacca en[...]



Hellblazer: Nigromancia absoluta.

2010-02-19T13:14:06.957-06:00

¡Saludos! Antes que nada quisiera desearles un feliz año 2010 a todos los lectores de Comicología (que son pocos pero muy ruidosos) y aunque tarde la felicitación -y un nuevo post-, estamos aquí para seguir con otro personaje meritorio de publicar: Hellblazer. Este post es de un artículo que originalmente iba salir en la ya desaparecida -tristemente desaparecida- revista Comic Zone, pero para eso la publicamos aquí:John Constantine, un nigromante peculiar. Hechicero desinteresado de la vida; un ocultista cínico y brujo y fumador empedernido que, a pesar de su desgano a lo demás que no sea él, propone y resuelve muchas problemáticas en este mundo donde rondan tanto los vivos como los muertos, y que aún no hemos visto nada… Desde el PantanoEl personaje de Hellblazer, John Constantine, aparece por primera vez en la serie de Swamp Thing vol.1 #37; gracias al talento incuestionable y endiosado de Alan Moore. Cuando éste escritor inglés se encargó del título del monstruo verde en los años ochenta (y en los trazos a cargo de Stephen Bissette), fue en una de las etapas más memorables tanto de Moore como del personaje y es ahí cuando surge John Constantine; que fue en la saga llamada “American Gothic” dentro del mismo título de Swamp Thing.En esta historia, John Constantine tiene contacto con el Monstruo de los Pantanos para derrotar a las Fuerzas Malignas que buscan apoderarse del mundo vivo. Constantine se entera que Swamp Thing tiene un nexo con la solución a esta amenaza y al encontrarse ambos personajes se sumergen a un viaje por todo el continente enfrentándose a grandes monstruos y sectas diabólicas. En esta presentación de Constantine, el detective-hechicero ayuda a Swamp Thing a reconocer otros de sus poderes con la ayuda de seres similares a Swamp; lo cual termina con la idea de que John Constantine es todo un shamán e iniciador desinteresado para que otros encuentren su camino dentro y fuera del más allá.¿Es...o no es?Existen dos temas de los cuales las religiones nos dicen muy poco y el hombre anhela saber más en detalle: comprender mejor el mundo de los espíritus, y conocer nuestro propio destino. ¿De dónde venimos? ¿Existe el mal? ¿Qué dioses son los verdaderos? ¿En verdad hay más allá de la vida? En Hellblazer se plantean éstos temas y otros más.Durante la historia de la civilización han existido individuos con la capacidad de abrir su percepción de la realidad y llegar a conocer lugares y seres que sólo sabemos en fábulas, cuentos y leyendas. Los nigromantes, son aquellas personas que hablan con los muertos tanto para predecir situaciones futuras o adivinar sucesos. Esto y más es John Constantine.Suponiendo que si por primera vez te encontraras a John Constantine por las calles, dirías que es fan de la banda “The Police” o que realmente es el cantante inglés Sting ya que tanto su fisonomía como en algunas ocasiones su look semeja al cantante y bajista de esa banda británica. Alan Moore ha dicho que, efectivamente, el parecido de John Constantine con el cantante es conciente porque Moore y Stephen Bissette se consideran seguidores fervientes de la música de The Police y posteriormente del propio Sting como solista; y cuando él y Bissette pensaban en cómo sería físicamente Constantine pensaron en Sting. Aunque, si hablamos de personalidad, el señor Sting no concuerda mucho con la de John Constantine.Cosa contraria a lo que vimos en la adaptación cinematográfica de Hellblazer, Constantine (2005), donde los productores decidieron darle el papel al actor Keanu Reeves siendo diferente a lo que Moore había concebido físicamente del personaje. Esta decisión hizo que algunos fans se molestaran aunque, por otro lado, dicho casting reclutó a nuevos lectores del detective ocultista. En algunas ocasiones Moore ha declarado a otros medios que un par de ocasiones se enco[...]



El Hipermito de Saint Seiya, Parte 2.

2010-02-19T13:12:11.466-06:00

¡Saludos, lectores de Comicología! Aquí, una vez más para publicar el segundo post referente a Saint Seiya, conocidos también por Los Caballeros del Zodiaco. Si no han leído la primer aparte, empiecen de una vez.Como quedamos en el post anterior, hablaremos más a fondo de la universalidad y el significado global que Kurumada posiblemente quizo proyectar con ésta serie. Así que continuemos...Todos protegiendo una sola cosaSiguiendo con el enfoque de que Todo es Uno y partiendo de que las armaduras de los Santos tienen Vida; Kurumada estipula en su argumento que las propias armaduras tienen memoria, o bien, la memoria de sus portadores, que parecen guardar a veces una relación incluso con el espíritu de ellos. Como se lee en el manga o vemos en la Saga de las Doce Casas, las armaduras "son capaces de distinguir el bien del mal, y las intenciones de su portador" esta capacidad de distinguir, no es otra cosa sino la memoria misma de la armadura y de sus distintos portadores desde hace mucho tiempo este comportamiento marca "la moral" de la armadura.Para explicar esto podemos referirnos, entre muchas otras ideas, a la del Inconsciente Colectivo de C.G. Jung. En el Inconsciente Colectivo encontramos los arquetipos, los símbolos y la objetividad de las ideas que han ido moldeando nuestra civilización a través de los años, los arquetipos son modelos básicos que se presentan de diferentes formas y que al entrar a nuestro consciente nos provoca asombro o desconcierto.Si unimos esta idea de Inconsciente Colectivo de Jung con el Hipermito de Kurumada nos da por resultado que ambas cosas es lo mismo; tanto para definir el argumento de Saint Seiya, como su éxito y aceptación en el púbico ya que, como mencionamos anteriormente, los personajes y sus situaciones están basados en ideas, mitos e historias que han moldeado y conmovido a nuestra civilización.Teniendo por entendido el Hipermito y la Universalidad de las armaduras podemos interpretar ahora la misión primordial de los Santos: Defender a Athena, - en la mitología griega, diosa de la sabiduría, hija de Zeus quien le otorgó gobernar la Tierra. Lo cual nos da como resultado que los Caballeros defienden a la Tierra.Athena o Atenea, es una divinidad que resalta la virginidad, de hecho, sus estatuas la representan siempre con vestidos largos, aunque también en distintos mitos posteriores se le consideraba una madre y protectora en la guerra, en la siembra, las artes y hasta en el mar. Athena, una diosa protectora, virgen o “intocable” protectora de casi todas las actividades humanas y de los mismos humanos; para mantener esas virtudes necesita de sus Caballeros quienes la protegerán y la considerarán una madre salvaguarda de la Tierra.Athena reencarna en la joven Sahori Kido, heredera de una organización que, entre muchas otras cosas, reúne a los nuevos portadores de las armaduras que en épocas antiguas defendieron a Athena en la Guerra Santa contra Poseidón. En esta Era, al nacer Sahori y habiendo un complot para asesinarla encabezada por el Santo Saga de Géminis, el Santo Aiolos de Sagitario (quien describiremos mas adelante con mayor detenimiento) logra rescatar a Athena a costa de su propia vida, enfrentando en el camino a dos Santos de Oro –al mismo Saga y a Shura de Capricornio.Con su último aliento, Aiolos es capaz de dejar a Athena en cuidado de Mitsumasa Kido logrando ponerla a salvo y dejando el legado de su armadura como aquella que quedaría en su memoria grabada que debía de proteger, a toda costa, a la diosa. Eso explica la ayuda que presta varias veces a los Santos protegiendo a Athena sabiendo entonces que la voluntad de Aiolos le dejó esa misión. Tiempo después Mitsumasa reúne a cien muchachos de todo el globo terráqueo para ser entrenados y obtener una armadura de bronce para proteger a Sahori Kido. Al pasa[...]



El Hipermito de Saint Seiya. Parte 1

2010-02-19T13:10:23.965-06:00

Saludos. En esta ocasión enrtraremos al mundo mitólogico de Saint Seiya, aquí va la primera parte de dos que publicaré de un articulo que salió en la revista mexicana "Virtual Kids Edición de Lujo: Antología Saint Seiya" de Junio de 2009. Disfrutenla.Si hablamos de animaciones con un gran contexto filosófico y cultural podemos escoger -de entre las que tenemos contadas con los dedos- a Saint Seiya: Serie que con el pasar del tiempo se revalora su contenido y se mira bajo la perspectiva de la superación espiritual del Ser Humano. Saint Seiya es preferida de muchos pero, ¿por qué la atracción tan intensa hacia ésta serie? Es notable que la temática mitológica sea el plato fuerte para el argumento; aunque de ahí, podemos encontrar más elementos que jamás habíamos analizado. Para que no olvidemosProbablemente sabes al derecho y al revés el origen de esta serie animada; pero para los que apenas comienzan en este medio o para alguien interesado en la lectura de esta serie, necesitamos mencionar que Saint Seiya es inicialmente un manga (o cómic japonés); creado por Masami Kurumada. Saint Seiya fue visto por muchos japoneses por primera vez a través de la revista Shonen Jump, hace veintitrés años. Meses después, en octubre, el casi obligado salto del manga al anime se da y con ello el éxito previsto para todo el mundo.En México, su aparición televisiva fue en 1992. Con una estrategia mercadológica inmensa y una previa lucha por trasmitirla y obtener sus derechos entre las dos televisoras más importantes del país -que eso quizá contaremos después. Conocida como “Los Caballeros del Zodiaco”, la serie llegó para arrasar ratings y convertirse en el fenómeno que es ahora. ¿Cómo no recordar los “pákatelas!” de Gamesa con imágenes de los Caballeros de Atena? ¿O cada mañana de sábado y domingo en la barra infantil de TV Azteca disfrutar de dos capítulos seguidos de Los Caballeros del Zodiaco? Y mucho menos no poder olvidar la introducción de las figuras de acción de Bandai; las ovas en el cine y posteriormente en formato VHS, y ahora la Saga de Hades, animación que hace resurgir la franquicia en el Nuevo Milenio.Con todo esto, podemos decir que Saint Seiya es sin duda la animación que hizo voltear a muchos hacia al anime. Saint Seiya, en México, ayudó en los años noventa a que esta industria nipona de entretenimiento – el anime y manga-, tomara sus bases y construyera sus pilares para lo que es en estos días un medio para conglomerar jóvenes, niños y adultos en una idea, estilo de vida o como mero ocio y esparcimiento. Saint Seiya ayudó a que las productoras y casas de vídeo importaran otras series de Japón; ayudó a que el mercado del coleccionista del manga y del juguete (del verdadero coleccionista) se respetara como para seguir haciendo cada año convenciones y expos referentes al tema en el ancho del país, generando también núcleos y redes sociales dentro de Internet y en el mundo real. Saint Seiya también ayudó a que el sector de actores de doblaje sea reconocido por el gran trabajo que hacen al celebrarse dichas convenciones y/o exposiciones.El asunto del Hipermito.Como se menciona en líneas anteriores, Saint Seiya ofrece una gama de personajes y situaciones basadas inicialmente por la mitología greco-romana; artes marciales y filosofía oriental budista son preceptos de algunos personajes; astrología, mitos occidentales, nórdicos y judeocristianos. Todo esto mezclado con personalidades, drama y emoción, Kurumada lo denomina con el concepto de Hipermito.En cada capítulo, en cada temporada conocemos un nuevo personaje quien posee el poder de una constelación, de un dios, o de un poder sobrehumano para luchar contra la Humanidad o bien, para ayudarla que, con esos poderes puede utilizarlos separadamente o mezclad[...]



Buck Rogers: el Aventurero del Espacio.

2009-09-28T20:28:59.536-05:00

Si hablamos de los mejores aventureros que han existido en el género fantástico y en toda la cultura pop occidental, podemos mencionar antes que cualquier otro a Buck Rogers; el resumen personificado de las novelas de Julio Verne, el Indiana Jones del espacio, el vaquero del espacio (antes de Han Solo), el aventurero que H.G. Wells soñaría conocer y quizá, la razón gráfica para comenzar la carrera espacial de la Humanidad…Una Historia AsombrosaEl personaje de Buck Rogers nace de las páginas de los pulps, pilares de lo que ahora es el cómic, específicamente en el título Amazing Stories, su primera aparición fue en el número correspondiente al mes de Agosto de 1928. Creado por Phillip Francis Nowlan y dibujado por Dick Calkins, un dibujante reconocido en aquellos días; Buck Rogers es el personaje principal de su novela “Armageddon 2419 AD” quien primeramente era “Anthony Rogers” y que al pasar a las tiras cómicas de periódico su nombre de pila fue cambiado a “Buck” en honor a un actor llamado Buck Jones que interpretaba personajes del viejo oeste en el cine. En 1929, Nowlan escribe y es publicada la secuela de “Armageddon…” llamada “The Airlords of Han” (tal vez de éste título George Lucas se inspiró para el nombre de su aventurero espacial Han Solo).Cuando Buck Rogers saltó a las tiras cómicas, el título de su espacio se llamaría “Buck Rogers in the 25th Century” bajo la licencia de National News Syndicate y su editor y fundador John Flint Dille, persona que tiene el crédito de darle ese salto memorable a Nowlan y su hombre espacial. Rogers debutó en los periódicos en 1929 y sin interrupciones tuvo su espacio hasta el año 1967. Publicado en 400 periódicos y en 18 lenguajes diferentes por todo el mundo, Buck se ha convertido en un ícono.Nowlan le dio continuidad al personaje y a sus compañeros de aventuras: Wilma Deering, Dr. Huer, Killer Kane, etc. Nowlan también fue de los primeros en utilizar términos en los gadgets de Buck como los rayos paralizadores o desintegradores, rayos infrarrojos, los radios de telecomunicación, etc. Buck Rogers originó que los relatos de aventureros saltaran del Egipto al espacio exterior, provocando la creación de personajes con similitudes a sus historias como Flash Gordon e inclusive Superman y los héroes de la época de oro del cómic. (buck1)De acuerdo a lo que Nowlan relata en Amazing Stories y en las tiras cómicas, Rogers era un piloto de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, quien sirvió a su país en la Primera Guerra Mundial. Después de que terminara su servicio militar, trabajó como topógrafo que trabajando en una mina en Pennsylvania, queda atrapado y “envenenado” por un gas que lo mantiene en animación suspendida durante 500 años, hasta que Wilma Deering es quien se encarga de despertarlo. Tras pasar por distintas aventuras, Rogers se convierte en cabeza de la armada del planeta Tierra, agente especial y jefe del equipo Rocket Rangers. Luchando contra los Mongols y Killer Kane en cada episodio. A lo que muchos creen, Buck Rogers no trataba temas suaves y digeribles como para un público general o infantil, a pesar del dibujo “simple” de Calkins. Su temática era seria, sus argumentos maduros, que sólo aquellos lectores con el conocimiento científico y literario suficiente podían descifrar los términos que utilizaban en los diálogos de sus historias. Puede leerse esto como pretencioso o elitista, pero, en la época en que se cocinaba el Sci-Fi, los lectores no eran como lo que el público cree o los medios hacen creer hoy día; el lector de Sci-Fi eran personas interesadas en las ciencias y que tenían un conocimiento vasto de ellas.Tomando como referencia histórica cuando Buck Rogers vio la luz, en su país de origen sufría[...]



Mazinger Z: El Coloso de Rodas

2009-09-10T17:09:49.190-05:00

¡Saludos, lectores de Comicología! De nuevo con un post dedicado al cómic, manga y animación. Ahora es el turno para otro manga/anime que ha prevalecido durante más de treinta años : Mazinger Z.Este post fue publicado originalmente en la revista mexicana Otaku en su número 40, correspondiente al mes de Mayo del año en curso, 2009. El autor es el mismo quien publica éste post, esperando dar más difusión y ampliar el contenido del personaje que se encuentra en la web. Así que comencemos:Mazinger Z: El Coloso más Grande del anime.Sin temor a equivocarnos, una de las series animadas de origen japonés que ha servido como influencia para otros artistas del género es Mazinger Z. El creador, Go Nagai, posiblemente no se imaginaba del gran impacto que causaría al público y aficionados con las aventuras de este coloso de metal, él quizá solamente quería ver publicada su historia, sin imaginarse que la vería en movimiento y hasta representada en figuras de acción. Mazinger Z, ha prevalecido a pesar de la fecha en que salió al aire tanto en Japón como en nuestro continente. Ha sido de las series japonesas que se han renovado para las nuevas generaciones sin perder la esencia primordial de la serie original de los no muy lejanos años setenta.Para no olvidar el origenLa mayoría de los lectores y aficionados a esta fabulosa serie animada conocen “de pies a cabeza” la historia y personajes que se desarrollan dentro del “Universo Mazinger”; pero quizá y muy probablemente algún lector joven nos esté leyendo y no conozca mucho del personaje o que en algún momento no le haya interesado por “x causa”. Para éstos últimos lectores les recomendamos éste artículo y ver si cambiamos su opinión, esperemos que sí.Mazinger Z – como lo leímos en la introducción de este artículo-, fue creado por Go Nagai, el mismo creador de Getter Robo, Devil Man y La Familia Abashiri entre otras; pero su mayor creación es sin duda el fabuloso Mazinger; o Majinga Z, en su idioma original. Mazinger Z se originó como casi todas las animaciones: dentro de un manga.Fue publicado en la conocida revista Shonen Jump entre los años 1972 y 1973. Faltó poco tiempo para que saltara a la televisión con su adaptación anime y menos tiempo para su éxito mundial. La serie duró 92 capítulos y posteriormente le siguieron Great Mazinger en 1974 y Mazinkaiser en los últimos años además de una serie de OVAS que han salido desde los setenta. Juguetes han salido a montones y réplicas de los artefactos y robots utilizados se venden entre los coleccionistas como piezas de alto valor monetario y también nostálgico.En nuestro país, Mazinger llegó a mitad de los años ochenta, en 1985 para ser exactos en la barra infantil del canal 5 de Televisa (cuando XHGC Canal 5 transmitía buenas animaciones desde las tres de la tarde a las ocho de la noche). Y como en los demás países donde ha sido proyectada esta serie, el éxito y la apropiación por parte de la niñez mexicana ha permanecido hasta el día de hoy en que los niños de aquellos años, ahora adultos, recuerdan con cariño y le enseñan a las nuevas generaciones que muchas veces lo de antes puede prevalecer y permanecer como algo de hoy. Mazinger Z en México (y como en todo el mundo) tuvo mucho impacto tanto en la innovación de contar una historia entretenida mezclando géneros narrativos -como la acción, el drama y la comedia-, como en el impacto social y cultural.El Impacto del RobotMuchas veces nos preguntamos por qué cierta serie –en este caso Mazinger Z – tiene tanto éxito. ¿A qué se debe que capten la atención no sólo del público japonés quienes disfrutan primero animes y mangas como Mazinger sino de todo el público gozoso de estas series en el globo te[...]



El cómic americano en los 90s: La Era de Cromo

2009-08-15T19:20:43.884-05:00

¡Saludos a todos los lectores y visitantes de este blog! En esta ocasión traemos el recuento de una etapa dentro del cómic que a muchos les ayudó a adentrarse al llamado noveno arte. La Era de Cromo, los años noventa. Este post es el resúmen de un artículo escrito por su servidor hace un año aproximadamente dentro de la revista -hoy, fuera de circulación- Comic Zone en su número #16. Sin más qué comentar aquí comenzamos:Los noventa: Michael Jordan y sus Chicago Bulls, Nirvana y el Grunge, el EZLN y el Sub Marcos, Bill Clinton y su “secre”, los cambios que no hizo Mejía Barón en un mundial de futbol, la maldita crisis (la de nuestro país, no la de DC), la Muerte de Superman, Batman inválido, Green Lantern loco, Acuaman manco, Logan sin Adamantium, clones de Spidey en cualquier título de Marvel, miles de portadas para un primer número mutante, Spawn, y McFarlane, Valiant, Ultraverse, Image, Acclaim, Malibu....¡ah! y Rob Liefeld (me hubiera gustado omitirlo)...Todo esto sucedió y lo vivimos en la última década del siglo veinte...Fue en esta década cuando en nuestro país se habla de un “boom” del cómic; nos enteramos de que esas revistitas que nos compraban de chavitos son coleccionables, tienen un valor agregado, se empiezan abrir tiendas especializadas y hasta en aquel programa televisivo con Nino Canún le dedicaron espacio para debatir si el famoso “boom” era moda o un estilo de vivir. Fue en los noventa donde muchos de nosotros le entramos a juntar cómics; algunos lo dejaron y otros seguimos aquí disfrutando o lamentando las historias de nuestros héroes favoritos. Lo que no sabemos es que ese “boom” era un llamado de auxilio del medio por sobrevivir la década más difícil en su historia, llamada para algunos “La Era de Cromo”.“Edición Especial con Prisma-Holo-Cromática portada en 3D”Los noventa empezaron fabulosos y con grandes expectativas en la industria del cómic: Grandes dibujantes y escritores habían terminado los ochenta como “comic-stars” (algo así como rock-star pero en otro medio); le dieron a personajes como Batman, Superman o Spiderman una nueva imagen sustentada con guiones y trazos propositivos lo que generó altas ventas y nuevos consumidores que prometían un futuro alentador, especialmente, para Marvel y DC. Pero algo sucedió, al finales de ésta década los dibujos de algunos títulos eran espantosos; las historias horribles y con guiones mediocres. ¿Que les pasó a esos comic-stars? ¿A donde se fueron? ¿Que le hicieron a mi superhéroe? ¿Por qué cancelan mi revista? Recordamos pues que Image salió en 1992 y que en ese mismo año Superman fallece y en Marvel nos atiborraban de números especiales de aniversario con portadas de diferente papel al que se imprimía regularmente y adicionándole efectos prismáticos, con plástico cromado o con hologramas; portadas duras, con relieve, en 3D, en fin...algo estaba pasando. “Behold! The Chromium Age had arrived!”La Era de Cromo se le denomina así no por la nomenclatura, sino para dar alusión a sus eras antecesoras (oro, plata y bronce), pero principalmente su nombre radica en la cantidad de cómics que salieron con portadas especiales y que contenían ese elemento en sus portadas como estrategia de venta. El cromo es resplandeciente, brillante, espectacular y llamativo a la vista, pero también es barato…¿Quienes fueron los protagonistas de esta era?Muchos de ustedes conocen los nombres: Todd McFarlane, Jim Lee, Rob Liefeld, Erik Larsen, entre otros que crearon una nueva estética a los héroes; algunos exageraban la figura femenina y otros exageraban la musculatura o les adoptaban actitudes rudas. Todo esto generó muchos dólares para las compañías editor[...]



Barbarella: Sci-Fi Sexualmente bien hecho.

2009-07-18T13:32:44.475-05:00

¡Saludos! Después de otra pausa estamos aquí nuevamente ofreciéndoles este nuevo post dedicado a un personaje que merece ser reconocido dentro del cómic y también en el cine: Barbarella. Así que, comencemos.Conozcan a la criatura más hermosa del futuro. Su nombre es Barbarella, ella hace ciencia ficción y algo mas…Así se escuchaba la voz en off del trailer de la adaptación en cine del cómic francés Barbarella que Jane Fonda protagonizó. Su creador: Jean-Claude Forest (1930-1998) un graduado de la Escuela de Diseño de París. Éste personaje nació en 1963 dentro de las páginas de una revista para intelectuales llamada “V Magazine”. La idea de crear Barbarella fue gracias al editor de la revista George Gallet, quien le pidió a Forest que le realizara una historieta con la idea de un personaje femenino de Tarzán. Esto a Forest no le gustó y creó a Barbarella. Para los siguientes dos años Forest contaba en ocho páginas las primeras aventuras de esta heroína. Hasta que Eric Losfeld un publicador de comics y revistas eróticas le propuso editar sus historias en un solo libro, siendo un suceso, vendiendo cerca de 200, 000 copias aun con la censura de aquellos días.Barbarella es precursora del género fantaerótico dentro del cómic, que por su composición etimológica lo dice -ficción con erotismo-, teniendo como personajes principales a heroínas con una amplia libertad, autonomía sexual y con cierto humor gráfico. Del papel pasó al cine en 1968; y con el éxito que tuvo se siguieron publicando más historias en cómic de ésta heroína muy peculiar. En 1990, la productora canadiense Nelvana, quiso sacar una serie animada con todo y diseños del mismo Forest pero no tuvo luz verde. Cuando alcancemos el crescendo morirás…de placerLa adaptación original en cine de Barbarella de 1968 tiene más tintes de erotismo que de ciencia ficción. Jane Fonda se ve preciosa y esto fue aprovechado por el productor Dino De Laurentiis para darle un toque erótico a la trama lo que hace esto el elemento clave del éxito de esta película. Si bien no tiene un apoyo argumental excelente, ayudan demasiado la figura y el rostro inolvidable de Jane Fonda. En ésta película su pieza importante es el sutil y muy bien manejado contenido sexual que, ya con el paso de los años se hace risible, pero que en aquellas épocas sesenteras, cuando la liberación sexual estaba en sus principios, resultó ser un hit. La ingenuidad del personaje y sus situaciones con connotaciones eróticas en un mundo futurista hacen de ésta película –como lo es el cómic- una genialidad. Una escena memorable es cuando el Dr. Duran Duran (nombre que utiliza el famoso grupo de los ochenta) intenta “castigar” a Barbarella en su Excessive Machine, una especie de intrumento musical semejante a un órgano, que tocando “Sonata for Executioner and various Young Women” le provoca múltiples orgasmos hasta matarla de placer. Y si, la mató de placer que hasta quemó los fusibles de la máquina.¿Te gustaría saber que es lo que quiero?Barbarella refleja mucho ese deseo de libertad y de promulgación del amor sexual que los hippies de ésa época gritaban, además de ser una expresión más dentro del concepto de la liberación femenina. La represión que en años anteriores existía sobre el género femenino en la sociedad impulsó a las jóvenes a rebelarse y a hacerle frente a un sistema que les negaba ciertos derechos que como seres humanos se les otorga; muchos artistas dentro del cine, la TV y el cómic expresaban la igualdad –y muchas veces, la superioridad- con el género masculino, ya hemos visto que en los años 40 William Moulton Marston, con su creación Wonder Woman expresa[...]



Transformers: Mitología (Parte 2: La Diáspora judía en disfraz)

2009-09-30T20:39:31.462-05:00

Nuevamente estamos aquí para la segunda parte -la más interesante- del pequeño análisis del origen de Transformers. Sin más por comentar, comenzamos:Transformitología: Más de lo que vesSi bien es cierto que la idea de traer Transformers a la TV, al cómic y al cine se le atribuye a Hasbro, el suceso y el fenómeno se les agradecen a los guionistas y escritores de una de las casas editoriales más famosas en el mundo que es Marvel.Otro factor para meritar es el planteamiento que Shooter, O’Neill, Budiansky, Dixon y Dille forjaron basándose, tal vez, en su formación moral y filosófica.Es importante notar que personajes como Superman, Batman y otros de la época de oro reflejan a simple vista una propaganda patriótica debido al contexto histórico cuando fueron creados, pero pocos notan en ellos el reflejo de la Diáspora judía y su agradecimiento y asimilación hacia el pueblo americano que los acogió durante la emigración judía a ese país a finales del siglo XIX. En esos días dorados, muchos escritores y dibujantes de cómics pertenecían a esa comunidad o eran hijos de inmigrantes judíos. En Transformers vemos algo de esa herencia.Pongamos un ejemplo introductorio para después deshilar la mitología de Transformers: Superman, que fue creado por dos judíos residentes en América, es el arquetipo del Mesías que viene de los Cielos, mandado por su Padre para quedarse en la Tierra, cuidarla y aprender de sus habitantes; “Supes” viste con los colores de la bandera norteamericana; cuenta con sus aliados terrícolas que sin pensarlo lo acogieron y apropiaron de igual manera en que EE.UU. a la comunidad judía. En el caso de Transformers, va mucho más allá del concepto del Mesías judeo-cristiano. Si retomamos lo que anteriormente comenté sobre la formación de Denny O’Neill, sus creaciones dentro del medio del cómic (Ra’s Al Ghul y Azrael) y los replanteamientos que ha hecho a los personajes que le han concedido escribir tenemos un punto a considerar de que Transformers son “más de lo que ves”.En cuanto a los escritores de la serie televisiva, Buzz Dixon y Flint Dille; el primero trabajó anteriormente en la serie Thundarr The Barbarian, donde la historia se basaba en una Tierra post-apocalíptica; Mientras que Flint Dille, ha tenido trabajos posteriores como escritor de películas como Constantine (2005) y Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer (2007) ambas con tintes teológicos y apocalípticos. No es de asombrarse que Michael Bay -el director de las adaptaciones cinematográficas de este nuevo milenio- haya sido elegido para seguir el concepto que se seguía con estos guionistas en los inicios de la franquicia, pronto veremos por qué.Llegó el Mesías...en forma de robotsPara llegar a entender que hay detrás de las batallas entre Decepticons y Autobots tenemos que tomar en cuenta de que “no hay nada nuevo bajo el Sol”, es decir, que en el caso de cuentos, novelas, películas y cómics parten de los arquetipos del héroe y su andar y demás elementos que lo acompañan que Jung y Campbell descubrieron en todas las culturas del mundo, resumiendo que todas tienen una semejanza unas con otras.En Transformers vemos a un héroe, a varios héroes; vemos también villanos, “magos”, “doncellas” que salvar, “dragones” que enfrentar pero, no todo el guión se basa en esto. La misión primordial de los Autobots no es proteger la Tierra; sino regresar a Cybertron triunfantes sobre los Decepticons. Los Transformers, Autobots y Decepticons, cayeron del cielo a un mundo desconocido que, inmediatamente apropiaron como su hogar temporal: los Decepticons para conquistarla y apropiarse de sus recursos y los A[...]



Transformers: Mitología (Parte 1, "Origen e Historia")

2009-06-17T19:34:18.896-05:00

¡Saludos, lectores de Comicología! Una vez más -y más pronto que nunca-, hemos regresado para platicar sobre una de las series animadas favoritas del autor, y de muchos lectores: Transformers. Transformers, es un caso excepcional dentro de la cultura pop, el cómic, el cine y para "Comicología" también, no por el hecho de que sea predilección del autor sino que reforzó lo que en tiempos actuales sucede cuando una franquicia necesita sobresalir: la sinergia, el apoyo publicitario de un producto que apoye a otro producto del mismo dueño. Y Transformers es un ejemplo a seguir dentro de esos parámetros, aquellos que George Lucas en 1977 establece con su Star Wars, Hasbro y Marvel Comics lo entienden muy bien, unen sus fuerzas y crean toda un Universo, una mitología y conglomerados de fans por todo el mundo. Esta es la primera parte con la que nos adentraremos en cómo surge la franquicia, quienes estuvieron involucrados y en qué manera presentaron Transformers al mundo. Comencemos:“Transformers, more than meets the eye!” o traducido a nuestro idioma, “más de lo que ves”: Los Transformers. En el 2007, presenciamos su resurgimiento a través de la pantalla grande; para algunos, fue decepción; para otros, nos recordó aquellos días de infancia cuando cada noche no nos perdíamos un capítulo de estos colosos de metal mientras recreábamos batallas con sus figuras de acción patrocinadas por la ya desaparecida “IGA” (“juguetes con vida”, decía su slogan). Con el advenimiento de una secuela -a muy pocos días de estrenarse mientras se sube este post-, la fiebre resurge y Comicología no podía dejar de comentar y recapitular la historia y el trasfondo encontrado en esta gran franquicia de Hasbro. Transformers ha sido desde sus inicios un gran suceso pese a sus detractores (si los hay). En las siguientes líneas recordaremos sus orígenes y nos adentraremos más este fenómeno de la cultura pop… Eran los ochenta, 1983, para ser exactos. Hasbro, una de las jugueteras más importantes hasta el día de hoy, buscaba por Japón alguna línea de juguetes que podrían importar al país de las barras y las estrellas para que pudieran competir con los “He-Manes” de Mattel y los “Star Wars” de Kenner (juguetera que en los noventa desaparece y pasa a ser parte de Hasbro). Hasbro ya contaba con la competencia directa de Star Wars: GI Joe, línea que data desde los sesenta pero que en los ochenta fue replanteada tanto en el argumento de su historia como en el tamaño de sus figuras.De no ser por el éxito que tuvo GI Joe no hubiéramos visto a los Autobots y a los Decepticons ¿por qué? Bueno, muy sencillo: Hasbro para competir con He-Man y Star Wars recrea la línea de juguetes de GI Joe respaldada con una animación y posteriormente con un cómic. La aceptación fue exitosa y así, los ejecutivos de esta casa juguetera deciden mirar al lejano oriente para buscar ideas y traernos a Optimus Prime y sus valientes Autobots en juguete y repetir la fórmula de la sinergia que GI Joe, He-Man y Star Wars tenían: Crear un producto que sea respaldado por otros productos.Boys just wanna have fun…with robotsEn aquellos años, los robots y/o androides en el cine, la televisión y el cómic formaban parte de aventuras y desventuras en series famosas. El detalle es que estas creaciones aunque participaban regularmente o tenían sus apariciones memorables en sus correspondientes no eran los principales protagonistas o no tenían la oportunidad de darles un trasfondo argumental más divertido y digerible para un público infantil; siempre eran los compañeros del personaje principal o en otros casos, la amenaz[...]



Dragon Ball: La Historia del Rey Mono.

2010-02-19T13:20:52.212-06:00

Saludos, lectores. Estamos nuevamente con un post en "Comicología". En esta ocasión, regresaremos al mundo de la animación y tomaremos un poco lo que es el manga que, siendo también un conjunto de imágenes secuenciales semeja al cómic occidental, quizá con otra forma de lenguaje ( y de idioma) pero muy cercano -y hoy en día mucho más- a nuestros gustos como lectores de cómic.En esta ocasión le daremos espacio a una de las animaciones más famosas: Dragon Ball.Este post fue anteriormente publicado en papel dentro de la publicación mexicana "Otaku" en su número 32 del año 2008.Y para sanar la resaca de lo que nos dejó la última adaptación cinematográfica aprovecho este espacio para hablar de una ( de muchas) de las mejores historias en manga y en animación jamás contadas.Como la mayoría de las animaciones japonesas de éxito, Dragon Ball surge de un manga. Este manga fue creado por Akira Toriyama, en 1984. La historia nos relata las aventuras de Son Goku y sus amigos Bulma, Yamcha, El Maestro Roshi, etc. Si eres fan o mínimo has visto por la televisión un capítulo de Dragon Ball o leído el manga, no tendrémos la necesidad de extenderse en algo que muchos ya saben como es la historia, los personajes y su creador. Trataremos de encontrarle algún significado intrínseco a esta animación que nos ha cautivado y también servirá para refutar la idea de que Dragon Ball son puros golpes, violencia y que nada tiene de positivo.Sólo un deseoLa base central de la historia es la reunión de 7 esferas que, al tenerlas juntas, se invoca al dragón Sheng Long (dios dragón, en chino) concediendo un solo deseo, el que sea. Por lo general ese deseo se le da a quien haya reunido las esferas. Siete esferas que pueden representar muchas cosas por el peso esotérico, cabalístico, simbólico-religioso en nuestra cultura como lo son los siete días de la creación, los siete sellos del Apocalipsis o los siete pecados capitales. Éstos últimos, llegaría a pensar que son los que representan cada esfera. ¿Por qué? Porque durante la serie lo que vemos son deseos humanos para saciar la lujuria, la vanidad, la soberbia, etc. Y la enseñanza es, que por mucho lo que uno “desea” o anhela algo “inalcanzable” no lo obtendrá sino piensa en el prójimo y su porvenir. Es notable también que los personajes de la misma raza de Goku que tuvieron un protagonismo destacable dentro de la serie sean siete: Goku, Vegeta, Gohan, Goten, Trunks, Nappa y Radditz. Sheng Long, inmutable y sin intervención directa hacia quien busca su deseo refleja y nos enseña que los humanos somos frágiles y efímeros. Aunque también tienen como simbolismo la iluminación y enseñanzas de Buda, que en las próximas líneas leeremos…El Rey MonoSon Goku, el personaje principal de esta serie, es un extraterrestre que cayó a nuestro planeta y fue recogido por un anciano llamado Gohan. Años después, Son Goku se entera de que viene del planeta Vejita y que su raza, llamada Saiya-Jin, es guerrera, teniendo como su misión original destruir el planeta Tierra, como lo hace su raza a cada planeta que visitan y conquistan en el universo, Goku por su crecimiento y desconocimiento de su origen se niega rotundamente a sus raíces y se mantiene fiel a proteger el planeta que lo acogió.Todo Saiya-Jin tiene la peculiaridad de transformarse en un mono gigante, siendo este su poder máximo y distinción de su raza. Claro que en episodios posteriores el poder del Saiya-Jin trasciende a Super Saiya-Jin (poder reconocido por la “melena de pencas de plátano”)El nombre y la mitología de Son Goku, proviene de la leyenda de [...]



Wolverine: Aquiles en un estado de Shock.

2009-05-22T15:40:21.611-05:00

¡Saludos lectores! Comicología les trae ahora un personaje del que muchos aficionados al cómic leen y están al tanto de su historia dentro del Universo Marvel: Wolverine.Wolverine fue creado por Len Wein y John Romita apareciendo por primera vez en el título The Incredible Hulk #181, en 1972. Dibujado por Herb Trimpe, en este número Wolverine se enfrenta al gigante esmeralda quien después tiene encuentros memorables en la crónica de Marvel. En 1975, Wolverine es incluído como parte de la nueva sangre de mutantes dentro del imprescindible Giant-Size X-men #1. A partir de esa fecha el mutante con garras aparece en mini-series y demás títulos mutantes y de otros héroes del Universo Marvel. Hoy, es indiscutiblemente el personaje de los X-Men que más recuerda la gente siendo también el protagonista de las últimas adaptaciones cinematográficas del grupo mutante de Charles Xavier. ¿Por qué Wolverine es tan atrayente hacia lectores, fans y público en general? Ésta pregunta es el pretexto para hacer éste post. Partiendo de la mitología griega, Wolverine es el nuevo Aquiles; invulnerable y rápido en su ataque pero con un punto de vulnerabilidad que, en el caso de Aquiles era su talón, el de Wolverine siempre ha sido la compasión y el deseo de que las cosas tengan una congruencia para resolver su pasado y tener un futuro con más esperanzas. El animal del mismo nombre para basarse en crear a este personaje –el wolverine, o en español, glotón- es un animal que vive en el norte de los Estados Unidos y en Canadá y también al norte de Asia; es también un animal carnívoro rápido, fuerte y feroz; características predominantes en la personalidad de James Howlett o mejor conocido como Logan, o simplemente Wolverine. No FuturoWolverine fue creado en una época de cinismo y pocas esperanzas hacia un futuro inmediato. En Estados Unidos -lugar donde se apareció por primera vez este personaje-, en la década de los setenta, el famoso Escándalo de Watergate conmociona a la ciudadanía norteamericana, develando –y en algunos casos, reafirmando- los actos y decisiones fuera de la legalidad y la ética política por parte de sus gobernantes dentro del territorio estadounidense y además involucrándose en asuntos de otros países para beneficio de la madeja de líderes norteamericanos. Los americanos se vieron engañados por las palabrerías de Richard Nixon. Se refleja un sentimiento de desengaño, frustración y falta de fé en la atención mediática hacia asesinos seriales como el Zodiaco, Ted Bundy, el Hijo de Sam, entre otros que hacen “su justicia” o en algunos casos se ríen de un sistema social que los ha rechazado desde su núcleo, creando un estado de pánico en la sociedad, o en otras palabras, a un estado de shock masivo. La gente ya no cree en sus líderes y buscan la verdad de la vida en el entretenimiento, personalidades banales y en lo que los medios masivos les ofrescan. Es cuando también en el cine aparecen los famosos anti-héroes y personajes como Harry “el Sucio” Callahan, Frank Sérpico o Travis Bickle de Taxi Driver quienes hacen justicia por su propia mano al ver un mundo policiaco corrupto y de políticos desinteresados en su pueblo. Wolverine es también el resultado de un gobierno que le ha mentido y que aún así ha servido fielmente porque sigue creyendo muy en el fondo de que aún hay esperanzas y que la verdad de todo está en algún lugar. Fuerza SecretaJames Howlett, es un mutante de nacimiento quien venía de una familia acaudalada en Canadá. Su padre –John Howlett- era reconocido por la comunidad, así como[...]



Flash Gordon. Born in the USA

2009-05-09T15:42:16.363-05:00

Uno de los personajes pilares dentro del género sci-fi no cabe duda que es Flash Gordon; a diferencia de sus contemporáneos Flash a seguido dentro del gusto y predilección en los amantes del género y en el público general. Ya sea en cómic, televisión o cine, Flash Gordon ha perdurado hasta nuestros días. Una aventura inolvidableLa creación de Flash Gordon se le atribuye al dibujante Alex Raymond, persona ya conocida dentro del medio por su trabajo en una tira llamada Super Agent X-9 que, junto con Dashiell Hammet crearon en X-9 la piedra angular en los agentes secretos e historias de espías con gadgets. El 7 de enero de 1934 dentro de una tira o “comic strip” para el King Features Syndicate aparece Flash Gordon.Cinco años antes del lanzamiento de Flash Gordon, Buck Rogers salta de los pulps a las tiras cómicas y le da paso para que después Raymond conteste con su propuesta de Flash Gordon que inmediatamente se vuelve favorito entre los asiduos a estas lecturas y le despoja el lugar privilegiado a Buck Rogers. Aunque muchos consideran a Flash Gordon como una space-opera que como sci-fi; Flash y sus historias han hecho sus méritos para considerarla ciencia ficción.La historia refleja mucho el sentimiento y perspectiva de la ciudadanía americana con respecto a la Primera Guerra Mundial y los hechos consecuentes que estaban por ocasionar una Segunda, así como en la diáspora judía a finales del siglo anterior.Flash Gordon, en la trama de la tira cómica, es un jugador de polo, que junto con un científico, el Dr. Zarkov y Dale Arden, la belleza de la historia, por cosas que sólo suceden en el sci-fi, llegan al planeta Mongo donde lucharán contra el tirano Ming, quien pretende conquistar la Tierra y expander su imperio. Mongo, es un pueblo oprimido por el yugo de Ming; en él Flash Gordon durante sus andanzas trata de encontrar aliados, para derrotar a Ming e impedir que la Tierra sea conquistada.El personaje Flash Gordon refleja lo que los jóvenes americanos, austeros y sin complicaciones, dedicados a sus vidas y sin saber de otras realidades, son llevados a tierras desconocidas para ellos a luchar por un país y una causa; situación que actualmente se vive todavía en Estados Unidos y en muchos países. Su juventud vive alienada con su gobierno y recibiendo lo que ellos buscan solamente por la televisión, el internet y por la creación de ídolos dentro del entretenimiento. Flash Gordon es el arquetipo del americano a seguir: Joven, atleta, con ideas muy polarizadas sobre el bien y el mal sin cuestionar altos mandos pero con un sentido aventurero y heroico.Mongo, el pueblo oprimido; aquellas comunidades como la judía, los mismos pueblos mesoamericanos y los invadidos durante todas aquellas desastrosas guerras en el Historia de la Humanidad se reflejan en sus habitantes. Ming, es la dictadura y tiranía personificada e inspirada en el gobierno alemán de aquellos días, aunque como sabemos, las dictaduras y personajes opresivos hacia sus gobernados siempre habrá. Actualmente podemos hacer el paralelismo de Ming con Saddam Hussein cuando invadió a Kuwait en 1990, o dos años cuando mató a cientos de niños y mujeres de origen kurdo en 1988 para ocupar Kurdistán. Quizá nuestra memoria nos ubique a Ming con un personaje como George W. Bush, con sus ideas de colonialismo e invasiones en el Medio Oriente.El personaje con El Dr. Zarkov y Dale Arden, acompañan a Flash Gordon, son sus cimientos personificados; por un lado tenemos al Dr. Zarkov: simboliza la razón, el porqué Flash lucha por un pueblo ajeno a su t[...]



He-Man: El Poder de la Palabra.

2009-04-25T15:57:26.691-05:00

Un saludo lectores. He aquí un nuevo post. Dedicado ahora a una animación que ha prevalecido en el cariño de muchos: He-Man and the Masters of the Universe. Así como en otros post, éste fué también publicado en la desaparecida revista mexicana "Comic Zone" en septiembre de 2008, y considero que merita publicarse en Comicología. Comencemos... “¡Ya tengo el Poder!…” Decía el Príncipe Adam al convertirse en el Hombre más poderoso del Universo: He-Man; uno de los proyectos ochenteros sinérgicos que marcaron una generación y que por su éxito y nostalgia en el nuevo milenio tuvo su resurgimiento tanto en la TV, en el cine y en el cómic; y ya se planea para dentro de pocos años el re-lanzamiento a la pantalla grande prometiéndonos un He-Man nuevo y mejorado. Pero, antes de que este suceso cinematográfico esté a nuestros ojos, veamos un poco el origen de este personaje y porqué ha sido un ícono en nuestra cultura moderna.He-Man and the Masters of the Universe fue un proyecto que vió la luz en 1981 a través de las figuras de acción, los mini-cómics y posteriormente en televisión.Las figuras de acción y los mini-cómics estuvieron a cargo de Mattel Inc., mientras que la serie animada por Filmation. En 1982, DC Comics tuvo un espacio para He-Man en su título “DC Comics Presents” en el cual He-Man hace mancuerna con un Superman transportado a Eternia y la presentación oficial de los reyes Randor y Marlena y del Príncipe Adam. En 1986, Marvel Comics tuvo luego la misión de publicar las aventuras de He-Man basándose más en los juguetes y sus mini-cómics que en la animación de Filmation.En 1987 vimos una adaptación en cine que no dejó muy contentos a los fans, mientras que simultáneamente se preparaba una “precuela” de la animación llamada “The Powers of Grayskull” que contaría un poco más el origen de He-Man, Sorceress, Skeletor y el Castillo Grayskull; tanto la serie como la línea de juguetes por cuestiones de baja popularidad en la franquicia ya no vieron la luz. Poco después en 1990 se intentó revivir la franquicia con una nueva serie que llevaba a He-Man y a Skeletor en ambientes futuristas llamada: The New Adventures of He-Man; la cual tampoco tuvo su éxito. No fue sino hasta el 2002 que Mike Young Productions, Mattel y Cartoon Network reviven con una nueva serie basada en la original pero visualmente más fresca y actualizada a las nuevas generaciones, la serie tuvo lo que lo anterior a ella y los posterior a la serie de Filmation no pudieron hacer: revivir y sentir el Poder de Grayskull.El remake cinematográfico de esta serie se espera para un par de años, producido por Joe Silver y distribuído por Warner Borthers. Sin duda, será un total suceso ya que promete mostrar a He-Man tal y como es en la serie y el cómic y no lo hecho en 1987.Concepto de El-HombreOriginalmente, la palabra “he-man” en la cultura americana se refiere cuando se resaltan las características masculinas perfectas en una persona: gran musculatura, estatura considerable, voz fuerte y “varonil”, buenos modales, etc. A mediados del siglo XX, en muchas revistas y cómics en sus páginas de anuncios se veía la publicidad del Instituto de la Voz Perfecta de Chicago que ofrecía cursos para obtener una voz de he-man (“you can have a he-man voice”, decía el slogan), la cual incrementaría tu seguridad, influencia y poder al momento de relacionarte con los demás; el curso se llamaba “Voice Power & Personal Power” impartido por Eugene Feuchtinger. Aunque Feuchtinger s[...]



Skrulls: Teoría de la Conspiración Alienígena

2009-04-09T22:34:48.250-05:00

Saludos lectores de Comicología. Abirendo este 2009 -aunque ya un poco tarde, pero al fin llegamos- con un nuevo blog sobre los héroes y personajes que aparecen dentro del cómic; la lectura preferida de muchos y en la que refleja mucho lo que nuestra Sociedad vive y siente. En esta ocasión tomaremos como tema a una raza alienígena del Universo Marvel y que ha sido protagonista desde inicios de la editorial en los años sesenta. Sólo para tomarlo como nota: éste artículo ya ha sido publicado de manera impresa en la desaparecida revista mexicana Comic Zone en Septiembre de 2008, sabiendo que es un artículo de mi agrado y de más lectores decidí postearlo. Bueno, comencemos.Con la nueva macro-saga que Marvel México publica este año (siendo el evento del 2008 para Marvel en Estados Unidos), la raza alienígena conocida como Skrull tomará su lugar como la peor amenaza en todo el Universo Marvel, o específicamente, en la Tierra y sus héroes. “Secret Invasion” nos hará recordar que no todo lo que es parece ser así…y que no hay que confiar en nadie, ni en tu vecino. Los Skrulls han estado infiltrados dentro de la sociedad, han aprendido nuestras costumbres, inclusive, han tomado la identidad de héroes… ¿Reflejo de la paranoia colectiva que se vive en Estados Unidos de los últimos años? Vamos a ver… ¿En quien confiar?Es el lema que Marvel utiliza para promover su evento veraniego que resolverá y revolverá lo sucedido con los marvels en los últimos años, ¿sus principales protagonistas? La raza alienígena conocida como Skrulls.Los Skrulls aparecieron por primera vez en Fantastic Four #2 en 1962, creados por Jack Kirby y Stan Lee; y a partir de ese momento esta raza ha sido utilizada para resolver algunas lagunas e incoherencias que por lo regular los escritores y editores tienen en cuanto a la continuidad del universo, en este caso del Universo Marvel. Muchos marvelitas y aficionados al cómic piensan que para remediar lo sucedido en House of M, Secret War y Civil War, la Casa de las Ideas toma como recurso predecible a estos aliens de aspecto verdusco. Tal parece que es lo más adecuado y normal justificar que todo el embrollo sucedido en las mencionadas historias haya sido culpa de los Skrulls. Pero, así como en éstas últimas sagas tienen su trasfondo histórico-social, los Skrulls y Secret Invasion tienen el suyo.Primeramente, el lema de “en quien confiar” nos da referencia a que cualquier persona podría ser realmente un ser ajeno a nuestra especie, en este caso un Skrull. Los Skrulls, por su apariencia son para darles la vuelta y no tener ningún contacto con ellos; son una raza guerrera o más bien “peleonera” según la concepción un poco cerrada y simplista del inconciente colectivo estadounidense, que dentro de lo que nos han relatado en toda su historia de vida buscan invadir la Tierra y poner a la humanidad a sus pies. En pocas palabras, son una amenaza. Bien podríamos resumir que los Skrulls son la metáfora actual del terrorista que se ha infiltrado en la sociedad norteamericana, tal como sucedió en los ataques del 9/11, donde sus perpetradores materiales estuvieron viviendo, estudiando y conviviendo entre los americanos, en la mismísima Tierra de las Oportunidades…y vaya que sí fue oportunidad; aprendieron a pilotear aviones en escuelas norteamericanas de aviación…El gobierno americano y sus organismos encargados para el control de inmigrantes no pudo, o no quiso, mantener un registro o monitoreo amplio sobre este tipo de [...]



Lex Luthor: El Anticristo Calvo

2009-01-07T14:04:22.255-06:00

Saludos. Aprovechando el espacio, quisiera felicitar a todos los lectores de Comicología y desearles un feliz año 2009; esperando que todos sus deseos se cumplan e invitándolos a que sigan Comicología. También aceptamos sugerencias para postear sobre qué superhéroe o villano, o hasta saga/arco argumental quisieran que desmenuzáramos en este su blog.Quisiera proporcionar el dato de que lo aquí presentado en este post ya fue publicado por el mismo autor (Tito) en la revista mexicana Comic-Zone en Septiembre de 2008, por aquello de que si alguien lo ha leído no se sorprenda o piense que hay información robada, y claro, para las personas que no, es precisamente uno de los propósitos de este blog; darle al lector una perspectiva diferente sobre el superhéroe y el cómic.Para empezar este año, postearemos algo referente al villano número uno en DC Comics: Lex Luthor. Uno de los mayores villanos que existe dentro del género del cómic es indiscutiblemente Lex Luthor, podríamos atrevernos a decir que es el mayor; tal vez no el mejor, pero sí el más importante. Bastante tiene con ser el antagónico del arquetipo del superhéroe del siglo XX: Superman. ¿Será posible que la personalidad de este villano este basada en personajes tan influyentes y enigmáticos de nuestra civilización? ¿O simplemente refleja el polo opuesto del estilo de vida americano que profesa su enemigo kriptoniano?Dinero mata caritaLex Luthor, creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, apareciendo por primera vez en 1940, en Action Comics #23 presentándose como un científico loco con cabello rojo; al siguiente año, en Superman #10, Siegel presenta a un Luthor calvo tal y como lo conocemos hasta el día de hoy. Este Luthor tiene su antecesor en Action Comics #14, un personaje llamado Ultra-Humanite, quien es calvo y que como el Profesor Xavier de los X-Men está confinado en una silla de ruedas. Aunque este nuevo Luthor tiene un parecido con el Doctor Sivana del Capitán Marvel, Luthor no es tan desquiciado como éste.En los años sesenta en el origen de Luthor él es un admirador de Superboy, quien después de un accidente de laboratorio pierde su cabellera y se torna en contra del joven kriptoniano; algo parecido a lo que se ve en la serie televisiva Smallville, con la diferencia de que la causa de la calvicie de Lex fue la lluvia de meteoritos que acompañó a la nave que llevaba a Kal-El hacia la Tierra.Tiempo después Luthor fue presentado como un racionalista quien simplemente sentía que merecía controlar y gobernar el mundo. Él envidia el poder físico de Superman y trata de igualarlo y superarlo mediante el uso de la tecnología, la ciencia y, por supuesto, dinero y poder. John Byrne, en 1986, dentro de la reestructuración del mito de Superman presenta a Luthor como un industrial rico maquiavélico y delincuente de cuello blanco.Lex Luthor es la antítesis del Mesías reflejado en Superman. Mientras que el Hombre de Acero viene a salvarnos de las amenazas; Luthor muchas veces es quien las crea. Superman nos ofrece que lo más importante es la preservación de la Humanidad como especie y la convivencia pacífica entre los pueblos del globo.Luthor, desea la dominación mundial, crea conflictos y trata a como de lugar de llegar a la supremacía total sin importar la muerte de millones de personas. Luthor es el Anticristo bíblico y mitificado en persona. Un ser carente de sentimientos que engañando a todos demuestra una megalomanía disfrazada como filantropía e inter[...]



Green Lantern: La Hermandad de la Magia Verde

2008-11-24T19:39:02.975-06:00

Nuevamente aquí Comicología con un nuevo post. Les pido una disculpa por no actualizar la semana pasada este blog, pero por causas de la vida real además de que no tuve el momento ni el tiempo suficiente para encontrar más datos informativos sobre éste nuevo post que a continuación les entrego completo y sustentado con las similitudes que encontré con la Historia, la mitología de la Humanidad con los Súperhéroes:Ahora, le toca a uno de los personajes pioneros y base en la Editorial DC Comics que durante su lapso de vida y publicación ha trascendido a ser pieza clave dentro del Universo DC, nos referimos a Green Lantern; Linterna Verde.Green Lantern ha sido de los personajes que han tenido cambios en cuanto a origen, caracteres y apariencia pero lo que no cambia es el color ni el instrumento con el que lucha y combate las amenazas contra la Tierra y el Universo: Su Anillo de Poder.Green Lantern fue creado originalmente por Bill Finger y Martin Nodell, en 1940; su personaje era Alan Scott, un ingeniero que encontró la "flama esmeralda" con la que Scott se forjaría su anillo. Esta flama le daba a Scott el poder mágico para combatir el Mal. Bill Finger sostuvo de que la primera inspiración para crear a Green Lantern fué el cuento de "Aladino y la Lámpara Maravillosa" en el que el personaje de Aladino tenía un anillo con el que podía invocar a un genio.En los años cincuenta, Green Lantern pasó de ser un personaje con dotes mágicos a uno con poderes originados del espacio, todo esto por la corriente cultural de la carrera por el espacio, los marcianos y la paranoia americana de la post-guerra. Alan Scott le dá la estafeta a quien sería y sigue siendo el Green Lantern más famoso: Hal Jordan, un piloto de pruebas de la armada estadounidense a quien un alien llamado Abin Sur le da el anillo de poder, y que posteriormente Jordan se entera que así como él hay miles de portadores de anillos en el Universo, destinados a cuidar y establecer el orden y la justicia en todos sus rincones, éste grupo de Lanterns es conocido como La Corporación de los Green Lantern, o Green Lantern Corps, en inglés. Los anillos son forjados por una batería de poder, que se sitúa en el Centro del Universo en el Planeta Oa, donde sus habitantes y forjadores son conocidos como Los Guardianes del Universo, seres de baja estatura de piel azulosa y que deciden quien porta un anillo.Con el tiempo y la rotación de guionistas Jordan ha sido acompañado por otros Green Lantern, tanto terrícolas como de otros mundos y galaxias. Ésta nueva apreciación de Green Lantern, la cual se ha mantenido hasta la fecha es obra de John Broome y el dibujante Gil Kane, ambos bajo el mando editorial del fanático de la ciencia ficción: Julius Schwartz.El Anillo del PoderComo se ha explicado en post anteriores, el color verde dentro de la psicología del color genera tranquilidad y está relacionado con la Naturaleza y la preservación de la Vida. Green Lantern es un "policía del espacio" quien se encarga de resguardar y preservar la Vida con el Poder de su Anillo, que refleja luz verde y que, de acuerdo a la fuerza de voluntad e imaginación del portador, ésa luz puede materializar cualquier objeto. Dentro de la historia de Green Lantern, se dice que los portadores del anillo son personas que superan el miedo y tienen la fuerza de voluntad para sobresalir ante cualquier amenaza. Dentro de las mitologías de la Humanidad vemos que el anillo representa el P[...]



Iron Man: El Hombre vs. La Máquina

2010-04-11T18:26:27.733-05:00

Nuevamente estamos aquí para ofrecerles un post nuevo de otro personaje del cómic.Y para gusto de la mayoría les presentamos una reflexión sobre el personaje más polémico en los últimos años en Marvel Comics. Iron Man. Sin duda un personaje polémico por sus acciones y por sus orígenes.Iron Man es uno de los personajes que se le ha reconocido y le han dado el lugar protagónico que merece; es parte esencial de historias trascendentes dentro del universo Marvel y todavía tendrá mucho más protagonismo en los años venideros. Más máquina que hombreSi Obi-Wan Kenobi, tuviera el gusto (o disgusto) de conocer a Tony Stark tendría las mismas conclusiones que tuvo hacia con Darth Vader.Iron Man, para los que no saben, surge de las mentes de Stan Lee y Jack Kirby – el dúo dinámico de Marvel en los sesenta, tomando como base a un personaje de la época de oro del cómic: “Miller Rand, The Electrical Man” de 1930- publicándose su primera aventura en el título Tales of Suspense #39, en el año de 1963.A partir de ahí, Iron Man se ha convertido en un personaje polémico: Tony Stark, álter ego del héroe metalizado, es un empresario industrial; vende tecnología para crear armas eficaces al gobierno americano, patrocina desde sus inicios al grupo de súper héroes Avengers; ahora, con la “temporal” muerte del original Capitán América y la disolución de este grupo, Iron Man es líder de una nueva agrupación de héroes al servicio del gobierno, siendo también el director de la Organización S.H.I.E.L.D., grupo que está más allá del cuerpo militar y la misma C.I.A. Quizá, todos estos detalles no los vemos su primera entrega cinematográfica, sino sus orígenes y la presentación de los personajes motivo que dará paso a que personas que desconocían o rebajaban a Iron Man como un personaje “simple y sin chiste” en el mundo del cómic, se lancen a los stands de tiendas especializadas para adquirir historias y libros referentes a este héroe, así como toda la parafernalia que tendremos este año. Es precipitado decir que Iron Man es un personaje simple. Iron Man, tuvo tal vez su detalle de no ser un personaje tan vistoso como lo son Spiderman o Superman, claro, estos personajes tienen los colores de la bandera americana y reflejan ese “sueño americano”, o lo intentan. Iron Man no refleja el “sueño” americano, sino la realidad americana y más aún, la realidad del Ser Humano y sus aspiraciones inmersas en un sistema: Un hombre, con todos los lujos, todo el dinero y con la influencia suficiente como para organizar o crear una guerra; un hombre que, con un chasquido de dedos puede tener en la mano a cualquiera. Un hombre que tiene o crea la vanguardia tecnológica. Y a pesar de todo eso, éste hombre es frágil; tiene miedos, fracasos y vicios. Es por eso que a la mayoría de la gente no le gusta Iron Man: Porque a nadie nos gusta que nos digan nuestras “verdades”. Iron Man refleja lo que el individuo desea tener y pertenecer en la sociedad. El problema es que todo tiene un precio y que esa “máscara de hierro” esconde la fragilidad y la situación real en que se encuentra el Hombre. Posiblemente esto ahora, es lo que le ha dado fuerza a la venta de sus publicaciones. Posiblemente el Ser Humano ha sobrepasado el cinismo como para llegar a echar culpas a lo ficticio.El Abismo TecnológicoIron Man es la crónica del Hombre para querer ser Dios, olvidándose de que [...]



Hawkman: El Dios Sol y de los Cielos

2008-10-29T15:10:46.722-06:00

¡Saludos! Nuevamente les presentamos un nuevo post en éste su blog "Comicología", donde primordialmente escribimos y discutimos de una manera diferente sobre los súper-héroes más conocidos dentro de la industria del cómic y del entretenimiento.En esta ocasión le toca a un miembro de la Liga de la Justicia de DC Comics que se diferencía por sus grandes alas: Hawkman.Hawkman apareció por pimera vez junto con Flash en Enero de 1940 dentro de la publicación "Flash Comics" #1. Creado por Gardner Fox y dibujado por primera vez por Harry Lampert, Hawkman no tuvo el peso para aparecer en portada como lo fué su compañero Flash, aún así Hawkman encontró sus seguidores y mantiene su fama hasta nuestro días, que a pesar de los cambios temporales y reajustes a sus orígenes, el hombre alado persiste como uno de los nuevos héroes mitológicos de nuestra era y veremos porqué:Desde EgiptoEn aquellos primeros años del siglo XX, hubo una tendencia a seguir dentro del comic y el pulp hacia lo esotérico y misterioso que guardaba la mitología egipcia. En aquellos años los arqueólogos reales eran personajes casi etiquetados como "héroes", descubridores y aventureros. Durante fines del siglo XIX y principios del XX, muchos descubrimientos hubo en Egipto, el más sobresaliente y el que muchos escritores han tomado como base para crear historias en distintas áreas del entretenimiento fue el descubrimiento de la tumba del Rey Tutankhamun, o también conocido como el Rey Thut. El líder y jefe de la expedición para este descubrimiento fue un Arqueólogo y Egiptólogo inlgés llamado Howard Carter. El descubrimiento de ésta tumba faraónica (de las más intactas y mejor conservadas que se habían descubierto) atrajo también la atención en años posteriores por las "misteriosas" muertes del equipo de expedición de Carter llevando esto a denominar las famosas "Maldiciones de los Faraones", el señor Carter no muere debido a la "maldición" y se retira de su profesión al terminar de clasificar todo lo que el Rey Thut tenpia en su tumba...muere en los años 30's.¿Que relación tiene todo esto con Hawkman? El origen de éste personaje nos lleva a Egipto; dentro de la historia que Fox nos narra en Flash Comics #1, Carter Hall, un arqueólogo que descubre que viene siendo la reencarnación del Príncipe Egipcio Khufu. Sin duda tenemos para empezar dos elementos demasiado evidentes de la relación e inspiración que tuvo Gardner Fox con el descubrimiento del Faraón Tutankhamun; el personaje de Hawkman, su alter ego, se llama Carter Hall haciendo honor al apellido del arqueólogo Howard Carter y a su trabajo como arqueólogo.Dentro de lo que narra Gardner Fox, Carter Hall descubre un metal conocido como Nth, o Metal Ninth, cuyas propiedades le permiten desafiar la gravedad así como obtener poderes como super fuerza y sanación inmediata, con este metal crea las alas con las que vuela éste héroe; algo así como una piedra filosofal. Carter Hall sabiendo su orígen faraónico aprende que el Príncipe Khufu mantenía una lucha a muerte con un sacerdote llamado Hath-Set. El sacerdote mata al príncipe y junto con él a su pareja Chay-Ara. Khufu jura reencarnar algún día para vengarse de tal acto contra él y su mujer. Esto nos lleva a Carter Hall quien mantiene una lucha con un científico llamado Anton Hastor, reencarnación del sacerdote Hath-Set y encuentra durante los sucesos[...]