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Observatorio de Prácticas Musicales Emergentes





Updated: 2018-03-06T12:19:45.298+01:00

 



Entrevista a Tango Crash

2013-07-20T12:12:03.707+02:00

Entrevista a Tango CrashTango Crash es un grupo formado a finales del año 2002 por músicos argentinos y europeos. Sus tres discos Tango Crash (2003), Otra sanata (2005) y Bailá querida (2008) se caracterizan por una gran experimentación a partir de elementos del tango, el jazz, la música contemporánea y la electrónica. En ellos combinan humor, sarcasmo y una ironía muy sutil para con la cultura del tango y sus lugares comunes. Sus temas pueden llegar a tener un alto grado de complejidad y a menudo transforman sus sampleos de textos, discursos o tango histórico, en colores tímbricos con los que desarrollan complejas texturas. Daniel Almada (piano) y Martín Iannaccone (cello/voces) son los gestores de este proyecto al que se suman luego: Marcio Doctor y Gregor Hilbe (batería), Christian Gerber (bandoneón), Lopecito y Nicolás Nobili (voces), Rodrigo Domínguez (saxo), Susana Andrés (violín).Aquí la entrevista con Daniel Almada y Martín Iannaccone.1. ¿Cómo elige Tango Crash los sampleos que insertan en sus temas? Los sampleos contribuyen a la proporción tanguera o localista que tiene Tangocrash, así como incluimos giros melódicos o cadencias armónicas relacionadas a la música argentina, Es por eso que la elección de los samples están siempre relacionados con un motivo musical o argumental de un tema. Siempre tratamos de que ayude a enfatizar más el concepto musical nuestro.2.¿Cuál es la razón de emplear sampleos? La técnica de los sampleos ha sido siempre una característica de la música electrónica en su amplio espectro, desde la experimental a la comercial. En Tango Crash ha sido siempre un elemento presente, pero no solamente en el sentido de tomar samples de otros lados, sino en el tratamiento del material que muchas veces es propio. La razón es siempre estética y siempre tratamos que tenga un sentido no sólo sonoro sino también semántico.3. ¿Qué les proporciona el uso de sampleos?Fundamentalmente dos cosas: la primera es que cumplen cierta funcionalidad al  ilustrar la intención detrás de algún tema, en el sentido argumental. La segunda tiene un sentido netamente sonoro y musical, usarlos como materia prima para generar texturas y sonidos.4. Tango Crash hace un trabajo sumamente sofisticado de los sampleos. En “Milonga para Alberto” hay un momento cerca del final donde el sonido del bandoneón se convierte en materia prima de un tratamiento en loop. Esta estrategia de trabajar con los samples como materia prima tímbrica es muy común en su trabajo ¿no? ¿El tema está dedicado al cantante Alberto Castillo?Sí, el tema está dedicado a Alberto Castillo. Habla desde el Tanguero Viejo que no entiende más a la juventud, no entiende la miseria de tener que tomar agua en vez de alcohol en las milongas. Sí, tratamos de usar parte de las grabaciones nuestras como inspiración para la producción de material compositivo. Es algo que siempre llega en la post producción, que es donde se produce gran parte del trabajo creativo.5. Incluso en los discursos de políticos donde se supone que su aspecto referencial sería lo más importante como en “Dj Perón” y “Evítalos”, el tratamiento musical de los sampleos es refinadísimo y su función tímbrica sorprendente. Curiosamente estos dos temas están musicalmente muy alejados del tango ¿no? ¿De dónde surge la idea de hacer “Dj Perón” y “Evítalos”? ¿Qué reflexión política o social hay detrás de ellos? ¿La cadencia final de “Dj Perón” de dónde sale? En este tema hay sampleos de tangos de Discépolo y la palabra “peligro” aparece constantemente ¿por qué?Posiblemente se complementa en estos temas la fuerte impronta localista de los textos elegidos con el estilo musical. Ya que los samples gravitan tanto a lo argentino, la música puede en estos casos permitirse no hacerlo. Diría que Tango Crash hace  reflexiones más históricas que políticas.Estos temas, como ustedes afirman, son los más alejados del tango, cosa que ha sido hecha a propósito como oposición al discurso ultra-argentin[...]



Entrevista a Luciano Supervielle

2013-07-20T12:12:03.704+02:00

Entrevista a Luciano SupervielleLuciano Supervielle es un músico uruguayo integrante del colectivo Bajofondo, vinculado a distintas escenas musicales como el hip hop, el rock, la electrónica y la canción contemporánea uruguaya. Su música se caracteriza por una experimentación constante y sutil. La utilización del sampleo en sus temas sorprende por la gran musicalidad que descubre en muestras de paisaje sonoro o de otro tipo. Existen algunas entrevistas registradas donde habla sobre este tema, como en los documentales Luciano Supervielle. El juego de la música  y Supervielle. Pulso Urbano (que aparece en el DVD Bajo Fondo Tango Club presenta Supervielle en el Solis). Nos llama particularmente la atención las narraciones de goles del mítico cronista deportivo Víctor Hugo Morales de Uruguay en el Mundialito de 1980, y comenzamos preguntando sobre esto: 1. Hemos visto muchas veces los goles del Mundialito y no logramos identificar los goles que sampleas. En “Centroja” aparece dos veces la misma narración del mismo gol. ¿Qué gol es? La frase final de Morales “quedáte tranquilo Obdulio…” la lanzó después del segundo gol (que hizo Victorino) de Uruguay a Brasil en la final. Pero ese no es el gol que se narra en el sampleo (narración original de Morales de ese gol). ¿Las narraciones de los goles las usaste en su forma original o cambiaste el orden de los eventos narrados ensamblando trozos de grabaciones distintas? La frase “quedáte tranquilo Obdulio” hace referencia a Obdulio Varela, Capitán de la selección uruguaya del Maracanazo de 1950, que es como la gran figura de la historia del fútbol uruguayo. El sampelo que se escucha dos veces en el tema es del segundo gol que le hace Uruguay a Italia en el Mundialito de 1980. El sampleo del final de la canción proviene del que le hace Uruguay a Brasil en la final. Es como un collague de los relatos de los dos goles. Es decir, el relato del gol es tal cual. Lo que he cambiado es el final, que es sacado de otro gol. 2. La narración del gol de la versión en directo de “Montserrat”. ¿Qué gol es?Es el mismo gol. En vivo sobre la ejecución de “Montserrat” disparo el vinilo del cual samplié el fragmento para el tema “Centrojá”. 3. ¿Te acordás cómo decidiste incluir este sampleo en “Centrojá”? ¿Ya tenías la composición o compusiste “Centrojá” ex profeso para ese sampleo?La idea era mostrar un poco como se vive el fútbol acá en el Río de la Plata, la pasión con la que se vive y la importancia que tiene en nuestras sociedades y en mi vida en lo personal. He vivido en varios países y he podido escuchar muchos estilos de relatos de fútbol. Es muy particular la manera en que se relata acá. Hay una tradición muy vieja de relato de fútbol en el Río de la Plata. Utilizo el relato de Víctor Hugo Morales porque tiene una gran musicalidad y aporta mucho al tema. De hecho tiene un rol de solista. Por momentos entra en contrapunto con el violín. Lo incluí como un momento emotivo-musical. Es una utilización musical de un relato de gol. Está cargada de emoción y transmite un montón de cosas. Tenía mucho tiempo que tenía ganas de hacerlo. 4. ¿Por qué decidiste (o decidieron) meter otro sampleo de gol en las presentaciones en vivo de “Montserrat”? Ese relato es un sonido muy poderoso y con mucho contenido emotivo. Forma parte de un vinilo del cual tengo dos copias pues el primero lo usé tanto que ya no se puede ni escuchar y entonces me conseguí otro. Suelo ir mucho a la feria (mercadillo) de Tristán Narvaja en Montevideo donde se consiguen muchos vinilos usados y viejos. Hay un par de tiendas a las que voy cuando busco algunas cosas precisas o simplemente voy a la aventura a ver qué encuentro. Siempre ha sido para mí una fuente de inspiración grande lo que encuentro. Así di con esa grabación den vinilo del Mundialito. En vivo tiene un lugar importante y lo venimos haciendo desde hace muchos años con Bajofondo. 5. Además de sampleos a músicas uruguayas ¿sueles usar sa[...]



Entrevista a Otros Aires

2013-07-20T12:12:03.710+02:00

Entrevista a Otros AiresOtros Aires es la banda encabezada por Miguel Di Génova que define su música como Tango electrónico audiovisual o Tango arqueológico-electrónico. En este, las sonoridades contemporáneas de la electrónica se encuentran cara a cara con los grandes temas y músicos del tango de la primera mitad del Siglo XX. De este modo, cada tema de Otros Aires entabla permanentemente un diálogo con el pasado que transcurre fluido, sin sobresaltos y con un humor amable, en el que se entrelazan textos, recitados y melodías de Otros Aires con los de grabaciones de las figuras más representativas del género como Carlos Gardel, Osvaldo Pugliese o Edmundo Rivero. El ritmo de milonga es omnipresente en sus temas, invitando al baile en pareja abrazada a partir de la coreútica propia del 2x4, como en las milongas tradicionales. Otros Aires es dentro de las bandas de tango electrónico la que con mayor sistematicidad inserta sampleos de tango histórico y rehace grandes temas del pasado. Fue formada en Barcelona y ahora se ha reafincado en Argentina aunque cuenta con un considerable público en Europa. Esto enfatiza la naturaleza desterritorializada de muchas de las manifestaciones del nuevo tango.A continuación la entrevista que hicimos con Miguel Di Génova.1. ¿Cómo elige Otros Aires los sampleos que insertan en sus temas?Es un proceso bastante empírico. En algún punto tiene que ver la relación que uno tiene con el tema en cuestión (si a uno le gustaba o si es parte de la historia propia), pero también tiene que ver con las posibilidades musicales que puede brindar ese sample. Lo que potencialmente uno cree que puede hacer con él. Y ahí empieza la parte de prueba y error. Cuando uno corta ese sample y lo  hace interactuar con el abanico infinito de posibilidades tímbricas que da el universo de la música electrónica.2. ¿Cuál es la razón de emplear sampleos?En principio la razón era básicamente la de traer el sonido del tango de los años 30, 40 y 50 a nuestros días. Sería imposible recrear esos samples hoy, incluso en el caso hipotético de que estuviesen vivos esos artistas o de que tuviésemos alguien que canta igualito a Gardel o una orquesta que toca exactamente como la de D´Arienzo, no se podría lograr ese sonido que tiene que ver con factores sonoros y emocionales de una época que, por más plugin emulador de vinilo que usemos, jamás podríamos lograr.3. ¿Qué les proporciona el uso de sampleos?Ante todo, por lo menos para mí, cierta magia de otras épocas. En el caso de estos sampleos de épocas que no vivimos nosotros. Es como un túnel del tiempo.También es una forma de utilizar la historia del tango como herramienta compositiva.4. En sus discos hay varios temas donde se introducen sampleos de trozos de canciones del tango histórico. Resalta muy especial la voz de Gardel ¿tiene algún significado o importancia para ustedes introducir la inconfundible voz de una de las figuras emblemáticas del tango en sus temas?Para mí Gardel... es Gardel. En Argentina cuando alguien hace algo muy bien o le va muy bien en algo se dice “¡Es Gardel!”. Todos queremos ser Gardel... creo que ante todo de esa admiración parte este juego creativo con samples de su voz. Pero además lo cierto es que si bien el tango creció muchísimo en estos últimos años, en el mundo no se conoce realmente mucho de tango en forma masiva. Utilizar iconos es una forma de acercar la historia del tango a la gente que no la conoce.  No creo que llegue a ser una labor educativa, pero cuando menos da cierta información acerca de la historia del tango. Muchos de los que compraron nuestros discos alrededor del mundo saben quién fue Louis Armstrong, pero no sabían quiénes eran Gardel, Rosita Quirogao Edmundo Rivero. Quizás esto sea una pequeña puerta que se abre a ese conocimiento.5.  Otro referente del tango histórico que aparece sampleado es la voz de Pugliese (pienso en la versión que hacen de “La[...]



El remix como discurso

2013-07-21T13:25:33.048+02:00

El remix como discursoMarina Abramovic: The Artist Is Present (2012) es un mutigalardonado documental de  Matthew Akers que aborda la trayectoria profesional y personal de la extraordinaria artista de la ex -Yugoslavia. allowFullScreen='true' webkitallowfullscreen='true' mozallowfullscreen='true' width='320' height='266' src='https://www.youtube.com/embed/YcmcEZxdlv4?feature=player_embedded' FRAMEBORDER='0' /> Ver vídeoDías de cine - 'Marina Abramovic: The artist is present'El film muestra los aspectos principales de las poéticas artísticas de Abramovic, algunos de sus performances hitos en la historia del arte contemporáneo y  aspectos poco conocidos de su biografía.  Entre éstos destaca la intensa relación personal y profesional que mantuvo con Ulay (Uwe Laysiepen) su compañero artístico y sentimental quien aparece en diversos momentos del film dando su testimonio como artista y expareja de Marina. El documental da cuenta, por ejemplo, de aquellas acciones de confianza extrema y absoluta en el que ella pone literalmente su vida en manos de su compañero o de su legendaria acción de despedida profesional y amorosa recorriendo la muralla china cada uno desde un extremo para encontrarse en el centro.Días de cine - 'Marina Abramovic: The artist is present'En eso llegó el sampleoAlguien cortó este trocito del documental que muestra una de las más famosas performances recientes de Abramovic en un homenaje realizado a la artista en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). En determinado momento  interviene Ulay (a quien, al parecer, no veía desde hace más de 20 años). En su recorrido por la red, alguien tituló el sampleo: “Una mirada que dice más que mil palabras”... allowfullscreen="" frameborder="0" height="360" src="http://www.youtube.com/embed/5DkMACBigqw?feature=player_embedded" width="640"> Al circular libremente por la red, este trocito ha generado un abundante y pesado discurso empalagoso y cursi obviamente de naturaleza romántica, completamente ajeno a la poética y práctica de la performace que se presenta, e incluso a la relación amorosa de ambos artistas. Tampoco guarda relación con el discurso audiovisual del documental del que forma parte. Son fascinantes algunos de los comentarios que se insertan en esta nueva discursivización.Aquí una muestra de que se  puede leer en esta página de facebook: -Lo dejó pasarDejó ir esa oportunidad una vez mas...Todo iba bien, hasta que siguio repartiendo minutos de silencio...cuando debio gritar amor por el resto de su vida.-Llore mil.. Ojalá la vida me preste un minuto así.-Hermosos momentos. en donde las miradas y los corazones se comunican con el lenguaje del amor.-Un minuto de silencio, por el amor de tu vida que no habías visto durante 23 años ¨:(-...indescriptible! Sus lagrimas mostraron mas q un sentimiento, una razon d como el artista se vuelve vulnerable a sus propias debilidades! Q emocion! -Para el que ama realmente, el amor no termina en la distancia o en el olvido. 8 años han pasado desde que no esta en esta vida...y la sigo amando!-ese minuto de silencio, suplió los 23 años de ausencia. a veces hay que dejar ir el amor antes de que se dañe, pero siempre será el amor de tu vida...En realidad, las reacciones intensamente emotivas que posible ver en la reacción Abramovic al enfrentarse visualmente a Ulay en el fragmento, son en su mayoría exactamente las mismas de las que tuvo otros cientos de veces con otras personas que participaron en la acción (hay abundante testimonio gráfico de ello). Ella a veces se reía, a veces lloraba, se angustiaba o sentía una paz inmensa gracias a un ejercicio de empatía bien conocido por  los que hacen meditación en grupo. El contacto visual permite hurgar en el otro; incorporar su  alma en uno mismo. Entonces se padece lo que se ve en el otro, o lo que se crea de la interacción entre ambas miradas. Las[...]



¿Una Musicología Trans-Feminista?

2013-05-31T10:09:18.873+02:00

Colaboración de Susan Campos para el Observatorio de Prácticas Musicales Emergentes Mi estimado colega y amigo, el Dr. Rubén López Cano me propone: “Quisieras escribir algo sobre las prácticas recientes relacionadas con música y género en el Observatorio de Prácticas Musicales Emergentes? Son entradas muy pequeñas y con enlaces web. Ojalá te enrolles!!” (ese final me encanta). Textos breves sobre el tema son difíciles de escribir. Aquí en mi blog improvisé algunos como“Estudios de género, cuerpo y música” y “Los estudios de género y música en España: retos y resistencias”. Ambos han despertado alguna polémica, siendo publicados también por revistas y foros, pero aún así, sigo recibiendo consultas de personas que creen que los “estudios de género” son los mismo que los “estudios sobre las mujeres”.Desde hace un tiempo en MUSICOLOGÍA FEMINISTA tratamos de estar al día de las tendencias y tensiones en los llamados “estudios de música y género”. Abrimos tres proyectos experimentales en Facebook con el propósito de explorar las vías que desde otros ámbitos se están trabajando, hablo de las páginas: Musicología feminista,  Musicología queer y performancelogía, y Sexualperformpostporn Corpographies. Sin embargo, seguimos con el “nominalismo de género”, a pesar de que las “epistemologías feministas” están tendiendo cada vez más críticamente hacia “lo Trans”, desde múltiples perspectivas interdisciplinares. ¿Qué tiene que decir al respecto la Musicología? Ciertamente empezamos a considerar metodologías para investigar “el cuerpo” (las corpografías) y “las sexualidades”. Líneas  de interés dominante que remiten esencialmente al problema de “El Poder”. Los estudios sobre biopolíticas, y las experimentales  incursiones bajo la égida de “Somateca (s)”, parecen mostrar un estado de la cuestión bastante “enturbiado”.Quizás tendríamos que volver a las preguntas básicas: ¿es “el género” una “categoría de análisis”?, y ¿qué nos dicen los estudios “de género” acerca de quienes los realizan? Sí, yo incluiría a l@s investigadores en la ecuación. Cada vez que asisto a alguna reunión científica, o me topo con alguien que se dedica, o pretende incluir este ámbito de estudios en su proyecto de investigación, observo que la cuestión tiene que ver casi en igual proporción, con conflictos personales y compromisos intelectuales (compensatorios, políticos, sociales, etc.).No obstante, parece existir un temor a “volver a incluir a los hombres”, y “perder terrenos conquistados” de entre los relatos musicológicos que ya de por sí “han dominado”. No estoy de acuerdo. Si soy sincera, creo que harían falta más estudios sobre masculinidades, “homo-hetero” erotismo, aquitecturas del poder y la identidad, etc… que piensen las bases de este “domino”, ¿cómo se ha construido?, ¿por quiénes y porqué?. No hace falta hilar muy fino, se me ocurre un análisis de “La Ciudad de la Furia” de Soda Stereo, por ejemplo. Parece algo que no tendría porqué ser tan radical y sin embargo lo es, porque parece que hablar del “tango queer” o de las “mujeres compositoras en…”, es lo que nos viene a la mente cuando pensamos en “estudios de música y género”. No hace falta buscar mucho para encontrar lecturas que sirvan al debate, y darnos cuenta de que se trata con una cuestión de plena actualidad. Recomiendo por ejemplo el monográfico publicado por e-flux Journal #44 04/2013, bajo la edición de Carlos Motta, o el artículo de opinión “Los hombres también tenemos género” de Octavio Salazar, publicado en el blog Mujeres de El País.¿De qué trata “investigar”?, ¿de servir a un ideal, a una insti[...]



Cumbias

2013-05-31T09:57:23.085+02:00

Por Pablo Semán            En la lista de discusiones de la IASPM-AL  Berenice Corti disparó con su post una discusión interesatísima. En el asunto: “La cumbia es Latinoamérica (pero no solo la cumbia‏ señaló la creciente presencia de la cumbia en la sociedad argentina. Los comentarios iniciales señalaron la diversidad de cumbias y Rubén López Cano hizo un señalamiento cuyo sentido quiero subrayar y profundizar: “En este momento tengo serias dudas de que eso que solemos generalizar con el nombre de "cumbia" sea en realidad un género musical.... entendido en términos tradicionales”. No me interesa exponer la teoría que habilita esa afirmación hacer dos observaciones que revelan esa realidad y nos hacen comprender que la unidad de la cumbia es algo que hay que discutir y problematizar. De paso cuento algo sobre las cumbias en Argentina.            La primera de dichas observaciones, escasamente problematizada, pero obvia, es la siguiente. Tanto como debemos dudar de la unidad del género musical que supone la existencia de un único término para referir expresiones muy diversas (como lo sugirió Ruben López Cano), y por eso este texto se llama “cumbias”, debemos dudar de lo que estamos suponiendo bajo el título latinoamerica. Una cuestión es la unificación estratégica de los cientistas sociales y los musicólogos en una asociación que reivindica un carácter latinoamericano y otra suponer una homogeneidad que torne transitivos terminos como Colombia, Panamá, Bolivia, Argentina y Brasil (como si incluso no hubiese enormes heterogeneidades dentro de los propios espacios nacionales). La correspondencia Cumbia/Latinoamerica, luego Cumbia/cada uno de los paises latinoamericanos debe ser problematizada tanto en la referencia “musical” como en la “espacial” (y lo digo con conciencia de haber permitido que se filtrase esa supuesta correspondencia para un título que en parte creímos válido, pero que, en mayor parte, cedía a la convención que cuestionamos en el propio texto). Como sosteníamos en el mismo la situación de las cumbias en Argentina y Colombia es diferente en repetorios de clase, nación y de construcciones etnificadas o etnificantes.             La segunda, que es la central y la más prolongada de esta intervención, es la que sugerian las expresiones de Berenice Corti y Ruben Lopez Cano, entre otros. La diversidad de la cumbia es tal que se llega a un punto en que se dificulta entender que es lo que se unifica bajo dicha expresión. Incluso se llega a dudar de la necesidad de efectuar esta unificación desde una posición que puede resultar externa y ajena a la diversidad de cumbias o bien no disponga de un criterio de objetivación y, sobre todo, de unificación plausible: -es un fenómeno unificado por una especificidad materialidad musical? Esto sería una contradicción con la manera en se analiza contemporáneamente la significación que adquieren las prácticas musicales, más alla de cualquier esencialismo; -debe unidad a una particular conciencia de sus músicos y bailarines, en una especie de momento “para sí”?  creo que esto no resiste el más mínimo análisis. Salvo que al interponer tantas mediaciones entre la unidad imaginaria e imaginada de la cumbia y la multitud de operaciones que realizan todo tipo de agentes para ponerse bajo el paraguas “cumbia” resulte una unidad compleja, inteligible, teórica pero insignificante en el funcionamiento social; -tenemos que concebir su unidad por el hecho de que desempeña en cada caso nacional la misma “función”, por que cumple un papel análogo al que cumplen otros géneros en otras configuraciones sociales?. Nada más lejado de lo que creo posible afirmar. Es que la lógica de esta co[...]



Literal video versions

2010-07-22T11:23:23.282+02:00

Pertenecientes al amplio y heterodoxo mundo de los mash - ups, las versiones literales de videoclips (o literal video versions) llevan desde 2008 proliferando por Youtube. Se trata de parodias que tienen como oscuro objeto de escarnio al propio videoclip, sobre cuya banda de imagen original se superpone una versión de la canción cuya letra describe literal (e irónica)mente lo que sucede en pantalla.Estas sátiras se centran en asociaciones entre el contenido de la letra y la banda de imagen que resultan gratuítas o bizarras, poniendo de relieve la falta de lógica y/o gusto de estas uniones. Los vídeos años 80 y 90 son la principal materia prima de las literal versions. En estos vídeos se solían construir pequeñas historias que no siempre tenían que ver con el contenido de la letra y estaban caracterizados por una estética del humo y la laca que queda en las antípodas de la estética audiovisual contemporánea, si bien estos vídeos son muchas veces objeto de culto o alimento del kitsch. Entre las parodias más logradas y visitadas se encuentran la versión del éxito de Bonnie Tyler "Total Eclipse of the Heart" (1983), que construye una especie de fantasía erótico-gótico-futurista, o la del vídeo de "Take on Me" (1985) de A - Ha, también de contenido fantástico.Una de las características más significativas de este tipo de vídeos es su carácter reflexivo: no sólo parodian el contenido de las imágenes sino que hacen referencia explícita a las técnicas de montaje utilizadas. Los comentarios irónico-descriptivos sobre el tipo de plano, encuadre y edición muestran una conciencia crítica sobre la propia gramática audiovisual que les dota de una dimensión de "metacoña". Un buen ejemplo de este carácter reflexivo es la versión literal de "Penny Lane" de The Beatles.En este sentido, estos vídeos literales comparten algo del espíritu audiovisuales también situados en el nivel "meta" de la parodia como son ¡Tía, no te saltes el eje! o el gag de Muchachada Nui sobre Lars von Trier, si bien estos dos ejemplos no pertenecen a la categoría del mash - up y están producidos en y dirigidos al ámbito comercial. El uso reflexivo del mash-up y su relación con toda una corriente de metacoñas de creación y uso popular quizá sea síntoma de un cambio cualitativo en el fenómeno de la web 2.0, puede ser que la reflexión crítica sobre los medios y técnicas de creación esté cambiando de acera.Otras versiones literales, poco sutiles, sin ese carácter reflexivo y menos visitadas, son las que realizan el camino contrario: manteniendo la canción original y cambiando la banda visual por una sucesión de imágenes (estáticas) que van ilustrando exactamente lo que dice la letra. Éstos vídeos, al contrario que las literal video versions, suelen utilizar canciones contemporáneas que no necesariamente han dado lugar a un videoclip oficial y buscan, en vez de revelar el absurdo o el error gramatical, generarlo. Un ejemplo típico es el montaje de fotos que acompaña la canción de Lady Gaga "Beautiful, dirty, rich".Algunos links de interés:Wikipedia: http://en.wikipedia.org/wiki/Literal_music_videoArtsjournal Blog: http://www.artsjournal.com/bookdaddy/2008/11/literal-minded.htmlBlog devoto: http://www.literalyoutubevideos.com/María Edurne Zuazu[...]



A quien pertenece la historia

2010-01-12T09:49:56.075+01:00


Los museos disputan a los historiadores del arte el monopolio de la escritura histórica que es también la del “derecho” de conformar y organizar el canon artístico. De hecho, “Cada museo escribe su historia del arte” (Isabel Lafont, El País 10/01/2010)
Un factor juega a favor de los grandes museos: la industrialización de la cultura y particularmente la inclusión de ésta en la trama económica del turismo les da una particular influencia en miles de espectadores no especializados (tan solo en Cataluña el Museu Picasso de Barcelona se lleva la mitad de visitas anuales a museos catalanes tan sólo seguido por el Museu d'Història de Catalunya, que recibe visitas organizadas de escolares todos los días).
En los años ochenta, al calor del boom de los discursos posmodernos, las “Estrategias de representación” (Estrella de Diego, El País, 10/01/2010) de los museos cambiaron sensiblemente: “qué relatos debían contar los grandes museos. Más aún, ¿estaban obsoletas las historias canónicas que narraban? [...] Las viejas ordenaciones empezaban a ser cuestionadas [...] el museo dejaba de ser el lugar que produce los significados para constituirse en el lugar donde los significados se producen”.
Sin embargo, la elaboración de la narrativa histórica siempre juega a favor de los intereses del individuo, grupo o clase que la propone: “Buena parte de los museos que han optado por las narrativas más transgresoras son dueños de un conjunto de obras con pequeños -o grandes- huecos, dejando la duda abierta de si hubieran optado por esa misma estrategia en caso de ser propietarios de una colección tan contundente como la del MOMA…”.

En música ¿el monopolio del relato histórico pertenece exclusivamente a los historiadores?, ¿periodistas, programadores de radio y TV, el cine u otros medios proponen relatos alternativos? ¿Es el discurso de las “historias” de “las músicas” un sitio que invita a producir significaciones o el lugar desde se nos imponen los significados canónicos? ¿Qué relatos, cánones y jerarquizaciones proponen las historias del Rock, del Pop, de las músicas de la segunda mitad del siglo XX, las historias de la música tecno (interesantísimas) y las aun escasas historias del arte musical (o para-musical) de la posthistoria: instalaciones sonoras, arte radiofónico, arte sonoro, etc. (véase el libro La mosca tras la oreja. De la música experimental al arte sonoro de Montserrat Palacios y Llorenç Barber)? ¿Cómo influye el lugar de residencia, la posición social y aspiraciones de clase de quien elabora el relato histórico?

Rubén López Cano





El arte en la era de la reproducción mecánica de citas de Walter Benjamín.

2010-01-07T17:54:06.627+01:00

Lo más interesante que he leído sobre Walter Benjamin (1892 –1940) en los últimos años es que estuvo a punto de irse a Cuba para trabajar en la Universidad de la Habana antes de suicidarse en Portbou (véase el estupendo artículo “Benjamin no llegó a La Habana" de Rafael Rojas. Sobre las extrañas circunstancias de su muerte véase el documental Who killed Walter Benjamin de David Mauas).Breve intermedio para un contrafáctico histórico: En medio de la noche sudorosa asoma Benjamín con un habano en la boca charlando con una mulata esteatopigia a la salida del Cabaret Kursall (en el entonces caliente puerto de la Habana) después de un baile amenizado por el joven y loco Pérez Prado… fotos con Ernest Hemingway y años más tarde con los barbudos recién bajados de Sierra Maestra… ¿qué marxismo les hubiera enseñado a los del partido comunista cubano?De regreso del pliegue temporal:Por supuesto que no pretendo decir que su pensamiento no pueda aportar al estudio de la música popular de nuestros días. Pero para ser sincero, el uso que se hace de sus ideas en la escritura académica en castellano, la mayoría de las veces semeja más una especie de ritual disciplinar que se limita a repetir una y otra vez las mismas citas del filósofo, que el hallazgo de un instrumento a la medida de nuestra realidad (con perdón de mis amigos sociólogos de quien espero sus productivas críticas). A mi pobre entender, para cierto discurso académico, estamos atrapados en la era de la reproducción mecánica de citas de Walter Benjamín.Si reparamos en nuestra circunstancia, no vivimos en la era de la reproducción mecánica del arte, sino de la producción digital de la cultura. Y eso es muy distinto. Estamos en la era del Mashup, del Cut’n paste, del sampleo, del Pop Bastardo, de la creatividad y expresión a partir del reciclaje, de la fragmentación y portabilidad de los productos culturales, de la colisión de tecnología, creatividad, ocio y entretenimiento y del remix del remix, del remix, del remix…El problema a comprender no está en la distribución de aquello que el “artista” produce, sino en los procesos mismos de creatividad, en las necesidades expresivas de colectivos amplios que cruzan por entre las fronteras difusas que separan los artistas de los no artistas y para quienes valores supremos de la modernidad como “originalidad” e “innovación” se han desteñido al máximo, en los modos de relación que la gente de nuestro ahora establece con esos artefactos, en la noción misma de “arte” y “artista” y en la nueva reorganización de la factoría expresiva introducida por los nuevos agentes que participan en la creación, distribución, fruición e industrialización de la cultura.Mientras esperamos que el discurso académico nos alcance, recomiendo el documental Good Copy Bad Copy: A documentary about the current state of copyright and culture (Dinamarca. 2007) de Andreas Johnsen, Ralf Christensen, and Henrik Moltkede. Se puede descargar gratuitamente con subtítulos en castellano y sin ningún complejo de culpa, desde http://bit.ly/1HySaR. (¡Gracias a Jarret Woodside por compartirlo!)La película nos introduce en una cultura de la música y entretenimiento donde los únicos que ganan mucho dinero son los abogados que litigan contra el uso de sampleos de músicas de famosos. Obviamente el centro de la argumentación es si el copyright favorece o limita la creatividad; un tópico que pese a su innegable importancia, no debería monopolizar el debate.Particularmente interesante es la información que aporta sobre los modelos emergentes de creación y distribución como el cine de Nollywood de Nigeria o la música de Tecno brega de Brasil. Ninguno de los dos me gustan, pero resulta indispensable estudiarlos para entender qué demonios está pasando.Hay momentos sumament[...]



Videoclipe amador

2009-10-07T17:08:29.638+02:00

A partir de sites como o YouTube, o conceito de videoclipe sofreu importantes modificações. Além de oferecerem uma via alternativa e poderosa de divulgação, tais sites interferiram significativamente nas formas de produção, na estética e na própria audiência dessa linguagem audiovisual. Essa audiência, antes passiva frente a canais de televisão como MTV, efetivamente mudou sua atitude. Agora, através de programas de edição de vídeo dirigidos para amadores, como o Windows Movie Maker ou o iMovie do Mac, constrói novas narrativas para os textos musicais, por via de técnicas variadas. Os videoclipes que surgem são uma espécie de meio de elaboração, de expressão da visão êmica. E, assim, sugerem reconfigurações que não só mostram-se adequadas às demandas e comportamentos no ciberespaço como evidenciam o poder de interatividade e “samplertrofagia” que tal meio oferece.Algumas pessoas encaram essas produções amadoras como uma espécie de lixo digital, possibilitado pelas facilidades tecnológicas e barateamento dos custos de armazenamento dos bytes na Internet. Muitos desses videoclipes podem ser considerados “spoofs“, ou seja, variantes paródicas de outros vídeos, dentro de um processo viral de disseminação de informação, em inúmeras vias da dita Web 2.0. Apontam para desconstruções dos parâmetros da “alta cultura”, bem de acordo com alguns preceitos das perspectivas pós-modernistas.Falando particularmente da realidade brasileira, estes videoclipes são “sonorizados” por canções que, via de regra, tocam e fazem sucesso na televisão e no rádio, mas também podem ser de bandas emergentes e até música composta e gravada despretensiosamente, sem intenções profissionais. Porém existe utilização frequente, de um lado, de canções de artistas e bandas dirigidas ao público adolescente, e de outro, de canções associadas a gêneros musicais apreciados por camadas sociais mais populares, como o “forró eletrônico“. Neste último contexto é comum o uso de letras de duplo sentido, o que é peculiarmente apropriado pelos videomakers amadores, na reconstrução dos discursos originais. De uma forma geral, quando se trata de um spoof, sua interpretação tende à literalidade. Assim, por exemplo, a palavra “cruzeiro”, que no contexto do vídeo (ou áudio) original foi utilizada para referir-se a uma composição de estrelas em forma de cruz, pode ser representada pela figura de uma cédula do cruzeiro (antiga moeda brasileira) ou do escudo do time de futebol Cruzeiro (do Estado de Minas Gerais).Criatividade, originalidade, repetição, fruição, popularidade, viralidade, ética e outros são conceitos que vão sendo reinventados nesses tempos onde as relações encontram-se hipermidiatizadas. Sites como o Youtube oferecem ambiente adequado para essas relações acontecerem, além de um manancial quase infinito de outras possibilidades. Não é à toa que William Gibson, o inventor do termo "ciberespaço", numa época onde estar online ainda era quase uma ficção científica, acha o Youtube “a coisa mais fascinante da Internet de hoje“. Os videoclipes amadores são uma boa demonstração de todo esse processo. Abaixo alguns exemplos de técnicas e procedimentos diferentes, utilizados na sua elaboração:Imagem1. Remix de videoclipe conhecido com imagens originais.http://www.youtube.com/watch?v=ekvwqq9LmPU 2. Spoof cuja recomposição de elementos cria um produto audiovisual “original”. http://www.youtube.com/watch?v=olAzqcdcsJc 3. Flagrante de cena cotidiana associado a canção com discurso compatível.http://www.youtube.com/watch?v=MB67WVu-jVE Ambientes de simulação1. Performance ao vivo em metaversos.http://www.youtube.com/watch?v=BFCpsxb6m8s2. Contextualização feita com jogos de simulação. http://w[...]



Cuando la música queda en el aire: Air guitar competitivo

2009-10-04T16:31:48.930+02:00

“Todo el mundo toca air guitar. Y si dicen que no, están mintiendo.”Eso me dijo un air guitarrista hace un par de semanas, durante el concurso mundial de air guitar que tiene lugar cada año desde 1996 en Oulu, Finlandia. Quizás exageró, pero la tendencia de responder a la música con movimiento es casi universal, aunque la forma varíe de cultura en cultura.En la cultura del rock, muchos fanáticos masculinos responden por medio de air guitar, o guitarra de aire, una forma de imitar lo que hace el guitarrista principal, especialmente durante un solo, sin tener un instrumento propio. Muchas veces comienzan a hacerlo desde muy niño, saltando y moviendo las manos como han visto en la MTV mientras escuchan sus grabaciones preferidas en la intimidad de sus habitaciones.El hecho de que haya salido de la habitación para aparecer en un escenario global puede parecer ridículo a muchos y, en esencia, lo es. Los que se juntan cada año en Finlandia celebran este aspecto en sus presentaciones, en donde se ponen los disfraces más extravagantes, exhiben las expresiones faciales más exageradas e inventan nuevas maneras de hacer reír. Pero a la vez son sinceros, tanto en su apreciación de la música que utilizan como en la idea de que air guitar puede trascender su naturaleza y convertirse en una modalidad de arte interpretativo. De hecho, el grado en que la interpretación trasciende la imitación de tocar una guitarra de verdad para convertirse en una modalidad artística propia se llama “airness” (airedad) y es uno de los criterios según los cuales los concursos, en Finlandia y el mundo entero, son juzgados.Aparte del componente artístico, air guitar interesa por sus aspectos sociales. En culturas como la de los blancos estadounidenses, donde es común oír los hombres decir “no bailo” debido a que consideran incapaces corporalmente, air guitar es una vía importante de entrenar la conexión entre música y movimiento y de desarrollar una corporalidad masculina. Digo “masculina” porque la participación femenina en este fenómeno aún es baja, cosa que refleja la escasa presencia de guitarristas principales femeninas en la música rock. En los últimos años se han visto una o dos mujeres cada año en Finlandia, pero dentro de un grupo de más de veinte concursantes son una minoría. Este año “Zero Prospects”, la esposa de “Bjorn Turoque,” estrella de air guitar estadounidense, compitió porque, después de haber visto concursos en 25 ciudades estadounidenses, estaba cansada de no ver mujeres participar o de que las que sí participaban lo hicieran sin arte ni técnica, contando solamente con sus atributos corporales para triunfar. Como forma de comentario en aquella situación, durante su interpretación de la canción “Runaway” de Bon Jovi en Oulu este año, Zero Prospects llevó puesto un suspensorio.Otra excepción a la dominación masculina de air guitar se pudo ver en Berlín, donde el concurso nacional alemán vio la participación de cinco mujeres entre 17 concursantes. La razón fue que en la Universidad de Hildesheim, el profesor de comunicaciones Mathias Mertens ofreció un curso sobre air guitar donde los estudiantes tuvieron que inventar sus propios movimientos.Como parte del fanatismo rockero, la observación del air guitar es una buena manera de acercarse a las normas de género, sus ideas sobre el humor, y la corporalidad de este estilo musical.Para ver más:Gunther Love (Sylvain Quimene) de Francia, ganador del concurso mundial de este año, durante el round obligatorio, en el que los organizadores escogen la canción. Este año fue “Animal” del grupo finlandés Sweatmaster.http://www.youtube.com/watch?v=WQ8E-AVgcUwBjorn Turoque interpreta “Set Me Free” de Sweet.http://www.youtube.com/watch?v=7DwTDJ[...]



Hacia la redefinición de la música andina

2009-09-02T13:40:10.957+02:00

El vocablo “andino”[1] es polisémico y controvertido, no corresponde exclusivamente a la zona geográfica atravesada por los andes. Juan Carlos Estensoro, en sus libros: Del Paganismo a la Santidad; La Incorporación de los Indios del Perú al Catolicismo (1532 – 1750), cuestiona y considera a lo ‘andino’ como “una invención de las ciencias sociales. Y que pudo ser un divertido ejercicio intelectual si no nos hubiera llevado a la incomprensión de buena parte de nuestro presente y de nuestros problemas. Para demostrarlo, es necesario revisar las estrategias y métodos de la evangelización durante el proceso de formación de la sociedad colonial”[2]. La “Cultura Andina”, no es única, ni uniforme; en principio, un estudio de la música andina, abarcaría los territorios atravesados por la Cordillera de los Andes, los territorios del antiguo incario, el Tahuantinsuyo, Sur de Colombia, Noroeste de Argentina, la parte Norte de Chile, etc. La región andina de Ecuador, según el enfoque tradicional incluye únicamente a los grupos mestizos y quichua hablantes de la sierra; a las provincias de: Carchi, Imbabura, Pichincha, Cotopaxi, Tungurahua, Chimborazo, Bolívar, Cañar, Azuay y Loja. Generalmente se dice que la música andina es aquella música producida e interpretada en la región de los andes. Este criterio se ha modificado, por lo que conviene clarificar el término “andino”. En lo territorial, lo andino, es un amplio espacio multinacional que incluye, además de los andes, la costa occidental y la amazonía de Sudamérica, a sociedades multiétnicas y pluriculturales, donde se conjugan y complementan, la unidad y la diversidad. Lo andino, es un proyecto de identidad e integración, es un proceso cultural dinámico. La música andina generalmente es entendida como la música de estos pueblos, de estas culturas, producidas a través del tiempo, por indios, criollos – mestizos, negros, por una sociedad históricamente jerarquizada. La realidad latinoamericana, el Movimiento de la Nueva Canción, el mundo global, nos han obligado a replantear el concepto de “música andina”.El “sanjuanito”, considerado a nivel internacional como uno de los géneros musicales [andinos] más representativos del Ecuador, en los años setenta del siglo XX, con el Grupo Inti Illimani de Chile[3], alcanzó una proyección inesperada. Esa agrupación popularizó a nivel mundial los sanjuanitos ecuatorianos: “Lamento del Indio” [Los Arados], del compositor César Humberto Baquero; “Amores Hallarás”, texto de Marco Vinicio Bedoya y música de Víctor Manuel Salgado; San Juanito [Mi Chagrita Caprichosa] de Benjamín Aguilera; “Longuita” [Llullaringui], música de Guillermo Garzón Ubidia; y otros repertorios, como los albazos: “Taita Salasaca” [El Salasaca], texto de Alfredo Bastidas, música de Benjamín Aguilera; “Dolencias”, de Víctor Valencia Nieto, etc. Este mismo grupo, a inicios de los años ochenta, popularizó el sanjuanito “Bailando, Bailando”[4], del compositor Horacio Salinas Alvarez[5]. Para fines de los años setenta, E. Pérez y J. Vargas, músicos integrantes del Grupo Wankara de Chile, radicados en Guayaquil, compusieron el sanjuanito “Yamor”, tema regrabado por el saxofonista Olmedo Torres, el acordeonista Paco Godoy, etc. A mediados de los años noventa, en el disco compacto titulado “Zig Zag”, interpretado por el Grupo Trencito de los Andes del “Il Laboratorio delle uova quadre” de Roma, Italia, apareció el sanjuanito: “Latitud Cero”, tema que logró un éxito inusitado, casi de inmediato lo regrabaron otros grupos ecuatorianos, surgieron varias versiones instrumentales, otras versiones con diferentes textos[6], y lo más interesante, el pueblo ecuatoriano [...]



Una protesta posmoderna

2009-05-30T22:03:21.772+02:00


El revival nos invade. Quizás por la disgregación del tiempo lineal, pero la cuestión es que está a la orden del día. Hemos visto como la canción popular una y otra vez cambia de significado o, como decía Héctor Fouce en la entrada sobre Obama y la utilización de la música popular, “la música popular funciona como un medio de comunicación de masas, movilizando mensajes políticos, a veces de forma explícita”.

El caso que presento es el “Rickrolling”, un movimiento de protesta contra la cienciología que utiliza el popular tema del cantante Rick Astley "Never gonna let you down!" El Rickrolling se convirtió en un “internet meme” que ocultaba otra cosa.
El Rickrolling se puso de moda convirtiéndose en uno de los videos más vistos en los últimos dos años con 20 millones de entradas. Incluso hay una entrada en la wikipedia que lo especifica mejor que yo:

http://en.wikipedia.org/wiki/Rickroll#Scientology_protests

Y un artículo del periódico The Guradian al que se refieren en la wikipedia:

http://www.guardian.co.uk/music/2008/mar/19/news

Si observamos el video de la protesta, vemos como van todos con caretas, la mayoría de ellas pertenecientes al personaje de “V de Vendetta”. Desconozco el motivo. Lo que he oído es que al comienzo todos se disfrazaban de xenu (el “Dios” de la cienciología), si queréis saber más de él:

http://www.xenu.net/archive/leaflet/xenusp.htm

Y aquí unos videos de las protestas, todo con un carácter bastante satírico, a los amigos de Xenu como el popular Tom Cruise o John Travolta entre otros:

http://www.youtube.com/watch?v=l3vek-CVNFg

http://www.youtube.com/watch?v=ZBDzzL3Kzpk

http://www.youtube.com/watch?v=OHpjcZNM8_k&feature=related

El efecto colateral es que el Rick Astley volvió a dar conciertos, aquí está su video:

http://www.youtube.com/watch?v=oHg5SJYRHA0&feature=fvst

El baile está a la altura del mejor Franco Battiato

Ibán Martínez Cárceles




Marcianitos con Chopin

2009-02-10T17:42:49.871+01:00


Las bandas sonoras de los videojuegos han entrado, en los últimos años, en el terreno de lo artístico. Así, del mismo modo que podemos empuñar arcos y espadas al son de la música de Chopin o Bartók, los recursos destinados a la nueva creación de bandas sonoras para videojuegos aumenta, y con ellos el estatus de los compositores musicales dedicados a ello.

http://www.elpais.com/articulo/Tendencias/Marcianitos/Chopin/elpepucul/20090201elpepitdc_1/Tes



Obama, icono de la música pop

2008-10-31T17:52:50.195+01:00


Echemos mano de unas cuantas cosas que creemos saber sobre música popular y cultura contemporánea. Uno, la música popular funciona como un medio de comunicación de masas, movilizando mensajes políticos, a veces de forma explícita. Dos, la música popular es un artefacto brutalmente intertextual, que se inscribe en una red cultural densa y dialógica. Tres, algunas comunidades, como los negros norteamericanos, son especialmente hábiles para establecer continuidades entre su experiencia social y política y su expresión social y musical.

Sin duda son ideas que hay que matizar, pero cuyo funcionamiento se puede rastrear en la campaña electoral americana que está ya en su últimos coletazos. Obama abrió fuego: el entusiasmo que su figura despierta se expresó especialmente en el video que will.i.am y otros músicos montaron a partir de un discurso (Yes, we can) que recuperaba la tradición heredada del gospel y de Martin Luther King. A partir de ahí, réplicas y contrarréplicas y nuevos frentes musicales en apoyo a unos y otros candidatos. Hasta se ha colado una española (Noelia Zanón) para tratar de enganchar con el voto latino

Si queremos pensar en la dimensión política de la música pop, y en su hibridación a veces sonrojante (véase I got a crush on Obama y sus secuelas) con los tópicos, los discursos y los iconos de la cultura popular, hay que mirar hacia esta campaña en EEUU.
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(Para ver los vídeos pulse botón derecho del ratón y seleccione "abrir en nueva ventana")
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Héctor Fouce
IASPM-España



Los nuevos paradigmas del rock o cómo ve al rock Peter Capusotto

2008-08-30T11:31:54.940+02:00

Según me han contado, una de las primeras máximas que aprende un estudiante de comunicación es que el medio es el mensaje -aunque después le rompan la ilusión y lo convenzan de que la cosa no sea tan así-. En el caso del Rock, ¿cómo se dice lo que el rock es a partir del medio? En otros términos, ¿a partir de qué criterios circunscritos a su proceso de comunicación -el medio-, se actualiza una base común para definir lo que el rock es -el mensaje-? Esta idea -de que el rock, en tanto medio, es el mensaje- es una de las lecturas plausibles sobre las emisiones semanales del programa de televisión, emitido por Canal 7 de Argentina, Peter Capusotto y sus videos. Un programa de Rock. En efecto, uno de los ejes sobre los que gira el programa es la puesta en primer plano de una artificialidad exacerbada de aquellos medios -cargados de significados en sí- con los que los músicos de rock contemporáneos transmiten su mensaje.La estructura del programa consiste en una serie de gags sobre algún tópico del rock intercalados con videoclips de grupos poco difundidos en la actualidad. En el caso de los primeros, se caracterizan por ser terriblemente ácidos en sus críticas hacia los clichés del mundo del rock, especialmente, a lo que hace a la escena del rock argentino actual. Con respecto a los videos, predominan aquellos de bandas inglesas o estadounidenses de la década de los '70, cuyo sonido se caracteriza por su potencia, la configuración de bajo, batería, guitarras -una solista- y voz, su sonido valvular, la carrasposidad de la voz del cantante y la actitud desafiante. En este contraste entre las diferentes secciones del programa ya nos enfrentamos a diferentes maneras de concebir lo que el rock es y cómo se actualiza como puro medio -al menos, desde la particular visión de los guionistas-. En efecto, la presentación de los videoclips de Lynyrd Skynyrd, Jhonny Winter, T.Rex o Patti Smith, entre muchos otros, contrasta sobremanera con los sucesivos gags que exageran aquellos aspectos que el mismo rock niega para sí y que hacen a una autenticidad reificada pero negada. Veamos sino los siguientes ejemplos.Durante la temporada 2007, uno de los mayores éxitos fue la figura de Pomelo, manejado por Tony Sorete, y que es presentado como "tu nuevo ídolo de rock". Como tal, poco se conoce sobre su música, pero sí mucho sobre sus desmanes. Aunque la prensa insistió sobre una supuesta burla hacia Juanse de los Ratones Paranoicos, podría pensarse más bien en un amplio abanico de rockers que hacen de su pose su idiosincrasia como rockeros como, por ejemplo, Emmanuel Horvilleur -cuya letra de "Tu hermana", por otra parte, poco tiene que envidiarle a "Mi vida es nena, rock" de Pomelo-. Asimismo, ese aspecto antisocial parece indisociable de la idea de Sexo, Drogas y Rock 'n Roll. En tal sentido, Peter Capusotto presenta el CD Canciones con metáforas acerca de la marihuana Vol 1.Pese a que no existan bandas musicales argentinas que califiquen como emo, Capusotto apunta sus dardos a ese fenómeno que los medios de comunicación presentan de manera surrealista y bizarra, sin poder dar una respuesta aceptable ante su aparición y el rechazo que causan. Su blanco es el plano absolutamente intrascendente de las crisis y depresiones que aquejan a los adolescentes con los ojos delineados, cuyo carácter ficticio llega al punto a que existan instrucciones para ser un emo. En consecuencia, el mensaje se vuelve tan inaprehensible que la objetivación en la sociedad de esos jóvenes de clase media-alta sólo es posible en tanto una racionalización absoluta de los medios para ser un emo.Cuando se habla de música pop par[...]



El colibrí de Prada

2008-04-23T23:28:52.886+02:00

La colaboración en el proyecto creativo: El colibrí de PradaLos consumidores somos cada vez más protagonistas del mercado y si el acceso a un diseño de Prada puede estar restringido a un circuito de clientes más o menos reducido no ocurre lo mismo con la experiencia singular de visualizar navegando por la red el espectáculo de un desfile de Galiano o la posibilidad de darnos una vuelta “meramente informativa” por el universo creativo de Armani en su tienda de Milán. La cercanía entre consumidores y empresas busca nuevas fórmulas y da un paso adelante dentro de la propia dimensión del fenómeno moda. Trembled Blossoms es el sugerente video de animación que Prada ha colgado en su página oficial para promocionar la colección primavera verano 2008 (http://www.prada.com/). El video es un producto logrado e inquietante, visualmente acabado y dirigido por James Lima. Pero la edición musical definitiva esta en proceso, invitando a colaborar en el proyecto a cualquiera que desee enviar su propuesta antes de finalizar el mes de abril. Dos versiones musicales oficiales se aportan ya como alternativas, permitiendo comprender in situ cómo el mensaje de la neutra figura femenina que avanza por el bosque se modifica y adquiere diferentes significados si la observamos en su cadencioso deambular acompañada por la fragilidad de las voces ininteligibles y la languidez instrumental de las hermanas Cocorosie o si, por el contrario, visualizamos la estrategia del colibrí que ha volado de una flor a otra polinizando la nueva especie –léase colección primavera 08- con la contundencia del catálogo de sonidos de Frederic Sánchez: una manta sónica llena de interferencias, densas texturas verticales, breves citas repetitivas de un rock revisionado y solemne, ásperos continuos eficazmente adaptados a la narración, o reverberaciones sonoras prolongadas en los títulos de crédito. El mensaje suspendido y etéreo de Cocorosie subraya la idea de feminidad poética y colorista de Prada. En la segunda versión está más presente la apuesta por la experimentación y la modernidad futurista de la casa. El reto para el compositor queda planteado y el proceso creativo incluso metafóricamente ilustrado. La capacidad de observación de la realidad es similar a tomar pequeñas cosas que pasan en el entorno y luego juntarlas de una manera nueva, aunque no sin esfuerzo y lágrimas. Como el colibrí que poliniza la flor y da su fruto en el objeto artístico –bolso/banda sonora – pero que sólo se convierte plenamente en tal tras la elección “del otro” –figura femenina/usuario-. Proceso creativo abierto, que se continuará tras el reconocimiento, los agradecimientos y la liberación del pajarillo.La propuesta nos habla del deseo por parte de la empresa de compartir con un gran número de personas los propios valores y pasiones: de crear comunidades flexibles y amplias contando con la voluntad del sujeto que se vincula de manera directa y personal. En todo caso, por parte del potencial compositor se trata de una adhesión puntual, motivada al reconocerse en alguna de las características básicas del universo de Miuccia Prada. Si los extremos se tocan, está claro que también los afines se rozan, y proyectos de este tipo catalizan el encuentro entre la marca y su potencial usuario, el cual ahora puede formar parte más activa en el proceso de creación.http://es.youtube.com/watch?v=V5W_gII_fLQ(http://www.prada.com/Victoria Cavia. OBtem (UVa)[...]



Disinformation

2008-04-09T23:48:29.093+02:00

Disinformation is a highly experimental electronic music and sound art project, which (since 1995) pioneered the use of electromagnetic (mostly VLF radio) interference from live mains electricity, lightning and electric storms, VLF "whistlers", laboratory equipment, domestic appliances, industrial, metro, railway and IT hardware, magnetic storms and (applying techniques of amateur, home-brew radioastronomy) from the sun as the raw material of CD and LP publications, DJ sets and concert performances, and sound installations and art events. Disinformation has published 8 LPs and CDs, performed 90 concerts and DJ sets, contributed (since making the transition into visual art) to 50 gallery exhibitions, and been the subject of 10 UK solo exhibitions. Sci-Fi author Jeff Noon wrote in The Independent newspaper that "people are fascinated by this work", The Financial Times described Disinformation's work as "actively thrilling", The Guardian wrote that "Disinformation combine scientific nous with poetic lyricism to create some of the most beautiful installations around", and The Metro newspaper described Disinformation as "the black-ops unit of the avant garde".

1. Disinformation "Blackout" / Sound Mirrors
Video installation by Barry Hale + text
http://www.youtube.com/watch?v=qsR3qyJDk0c

2. Disinformation "The Analysis of Beauty"
Premiered at Kettle's Yard, Cambridge
http://www.youtube.com/watch?v=QMtz9ciE9M0

3. Disinformation "Artificial Lightning"
Live at The Hayward Gallery, London
http://www.youtube.com/watch?v=m5s8RURPJ-Y

4. Disinformation vs Strange Attractor "National Grid"
Live at Corsica Studios, London + text
http://www.youtube.com/watch?v=B13-09K-Ubc

5. Disinformation "London Underground" 2002
Based on an idea published on the "R&D2" CD in 1997
http://www.youtube.com/watch?v=BSGNRiU1bfo

6. Disinformation "Stargate" sound installation
Solar noise recordings on Ash International 1996
http://www.youtube.com/watch?v=ytkRng7GZKk

7. Disinformation "Ghost Shells" sound installation
VLF radio noise from geomagnetic whistlers 1996
http://www.youtube.com/watch?v=wjZQXMfcl-M

8. Disinformation "Angel" video installation
Based on the "Antiphony" CD artwork 1997
http://www.youtube.com/watch?v=1wST0Wd8JEs



Música vegetal

2008-03-04T01:44:10.888+01:00

Hacer música con materiales raros no es cosa nueva, pero el hecho de que estos objetos sean extremadamente efímeros tiene su gracia. Implica una constante renovación de la técnica, por lo menos.

The Vegetable Orchestra

Bernat Rebés (ESMUC)



Tango Nuevo

2007-12-29T22:00:01.837+01:00

Mariano "Chicho" Frúmboli (el bailarín que aparece en el video) es uno de los referentes en la búsqueda de los últimos años de lo que se conoce como la "investigación" de las estructuras del movimiento en el tango. El procedimiento consiste en analizar y conceptualizar el modo en que se genera el movimiento. La investigación implica juntarse con una pareja, practicar extensamente y estudiar lo que ocurre en cada secuencia corporal, para entenderlo y poder explicarlo o retransmitirlo. Esto permite crear movimientos nuevos, eliminar la rigidez corporal, dinamizar el baile y generar mayor sensibilidad. A esta experiencia de exploración corporal se la conoce como Tango Nuevo o Neo-tango y se la vincula con el baile del tango electrónico.

Nuevo Tango style Chicho Frumboli

Maria Mercedes Liska
(CSM “Manuel de Falla” de Buenos Aires),






Imagine

2007-12-25T23:11:37.732+01:00

El mensaje más hermoso, con el enunciador equivocado, puede volverse una pesadilla.

Más intervenciones audiovisuales.

Imagine This
Imagine Rx2008
Sings Imagine
IMAGINE



Moda y Radiohead

2007-12-25T23:12:52.909+01:00

Tu pones el precio a la música que compras: In Rainbows del grupo Radiohead

In Rainbows es el séptimo album de la banda de rock británica Radiohead. Se puso a la venta el 10 de octubre de 2007 pero no a través de los medios convencionales como la tienda, iTunes o Amazon.com. La única forma de hacerse con el paquete que presenta además de la nueva músic otro CD, las copias en vinilo, los trabajos artísticos de Stanley Donwood y los folletos con las letras de las canciones, ha sido hasta ahora a través de la website del grupo musical. Los usuarios han podido descargarse toda la música pagando la cantidad que han querido.

El resultado final es que la tercera parte de los que adquirieron la música han pagado 0,00 libras, es decir nada. Aún así la media por descarga ha sido de 4 libras. La iniciativa de In Rainbows ha recibido un amplio eco en los medios y aunque en estas fechas ya no es posible conseguir la música por esta exclusiva vía, la estrategia de marketing revela los buenos resultados y la gran expectativa abierta. Una estrategia que se completará con la venta de In Rainbows en formato CD tradicional en enero de 2008.

Como comentaba un crítico del New York Times los amantes de la música tienen hoy dos opciones a la hora de consumir música: pagar el precio fijado por un album o hacer lo que ellos mismos llamarían una libre descarga pero que las compañías discográficas definirían como robo. El experimento de Radiohead sugiere una tercera vía: permitir que los fans paguen lo que desean basándose en razones de tipo afectivo a la hora de establecer la cantidad de dinero que les parece justo pagar por ese modo de adquisición.

Enlaces
http://www.inrainbows.com/
http://guillen.wordpress.com/2007/10/11/radiohead-in-rainbows-2007/
http://en.wikipedia.org/wiki/In_Rainbows

Victoria Cavia Naya
OBtem (Observatorio Tendencias Moda/Modos)
Departamento de Música. Universidad de Valladolid (UVa)



Tokio Jihen

2007-12-25T23:13:58.908+01:00

“… Aunque (Tokyo Jihen, los incidentes de Tokio) es jazz a la vez que rock. Es el rock'n'roll clásico… Tokyo Jihen son cinco artistazos… Porque la música no es sólo lo que enseñan en los conservatorios, ni lo que pide el mercado. La música es una persona como Shiina Ringo…”… leer más…

Sitios e infromación
Tokyo Incidents
Ringo Shiina
Appletime.tk - Sitio No Oficial sobre Shiina Ringo y Tokyo Jihen en español (incluye videos)

Videos
Tokyo Incidents - Kabuki x Kabuki x Kabuki
Tokyo Jihen - Himitsu FOR DJ
Tokyo jihen - gunjo biyori
Tokyo Jihen - Sounan
Tokyo Jihen-Dynamite Out-Marunochi Sadistic



Body Music

2008-03-27T19:51:53.128+01:00

No hay cosa que eleve más el espíritu que la música. Es cierto, pero [casi siempre] la música se hace y se escucha con el cuerpo entero: antes que oreja, la música es piernas, pecho, brazos, antebrazos y mucha ingle. En años recientes la nueva preeminencia de lo corporal en lo social, lo filosófico, lo estético (nuevo culto a la imagen) y lo científico, esta acompañada de nuevas poéticas musicales apegadas más que nunca al pellejo y sus derivados.El Cyborg ha abandonado su sito en la ciencia ficción y se vuelve común en la era de los implantes y transplantes (el hombre biónico ya está aquí). Pero también ha sido objeto de reflexión emancipadora del género como en el Manifiesto Cyborg de Donna Haraway. Ha servido también de centro de la poética audiovisual de Chris Cunningham (http://www.director-file.com/cunningham/news/).Ello es evidente tanto en sus instalaciones para bienales de arte:FlexMonkey Drummercomo en sus trabajos publicitarios:Mental Wealthy videoclips comerciales:All is full of lovecome to daddyUna poética del cuerpo muy distinta es la de Fátima Miranda. Sus performances están repletos de multiculturalismo, reflexión y humor. Su música está más cerca del arte sonoro que de los modelos discursivos de la academia. Su trabajo nos recuerda que no hay músculo más pegado a lo musical que la voz (no dejen de visitar su zona de videos).La interacción del cuerpo con la tecnología en tiempo real está produciendo un sin fin de recursos y aparatos interesantes:MIM I-1MIM I-2MIM I-3MIM I-4MIM I-5MIM I-6La música hecha con Controladores que capturan el movimiento en tiempo real por medio de contacto directo (sensores pegados a partes del cuerpo) o indirecto (cámara que captura movimiento), para luego transformarlo en tiempo real en música, está dando lugar a una serie de poéticas interesantes como las del grupo alemán Palindrome. En ocasiones estos emplazamientos se fundamentan en discursos filosóficos potentes y actitudes militantes más que necesarias como el caso de Jaime del Val y su proyecto de tecnologías del cuerpo Reverso. Particularmente interesantes son sus series de Microdanzas.[...]